les concerts

18/10/18

Ambrose Akinmusire Quartet

Alors que sort son nouvel album, « Origami Harvest », le très novateur trompettiste Ambrose Akinmusire a entamé une tournée européenne avec ses complices habituels, à savoir Sam Harris : piano, Harish Ragahavan : contrebasse, Justin Brown : batterie.

« Origami Harvest » ayant une orientation très multiforme, maelstrom calme où se croisent jazz(s), quatuor à cordes, rap et poésie, œuvre complexe et très audacieuse, un rien cérébrale peut-être, nous étions ce soir de concert bien plus dans la veine de son live au Village Vanguard. Avec les mêmes musiciens je crois.

Soirée formidable dans le doux confort de la petite salle Paul Fort.

Formidable parce que le niveau de musique était élevé, Ambrose Akinmusire particulièrement inspiré, et ses musiciens à fond à défaut d’être joyeux car il y avait un côté très sérieux dans tout ça…

AA ouvre le bal par une longue introduction solo saisissante faite de variations subtiles de timbres et hauteurs autour d’une série de notes contiguës répétées en salves dans un souffle quasi continu, impressionnante entrée en matière qui aurait pu n’être que démonstration de virtuosité et technique pure, mais pas du tout : la hardiesse de l’idée disparaît tout simplement derrière la beauté, la poésie et l’intelligence aussi…

Ce sera ainsi toute la soirée, alors que la musique malaxe complexité, sensualité et turbulence, d’inspirations les plus diverses mais toujours totalement idéalisées, stylisées, personnelles. La trompette d’Ambrose gardera imperturbablement le cap d’une rigueur narrative concentrée ; et si la dextérité est indéniable, point sur lequel je ne l’attendais pas - plus intéressé depuis ses débuts par l’inventivité permanente de son univers que par une éventuelle virtuosité technique -, jamais elle n’est gratuite ; à quelque moment que ce soit de son discours, direct ou alambiqué, à peine insufflé ou luisant de puissance dans des enchaînements stupéfiant d’adresse et d’idées, Ambrose raconte une histoire et s’y tient. Ce n’est pas si fréquent cette agréable sensation d’être en face d’un homme qui, dans une langue qui vous est totalement inconnue, vous raconte une histoire avec une passion telle qu’il vous subjugue par son intensité infusant un sens profond au propos mystérieux.

Même le lyrisme ne dévie pas de la narration, n’existe jamais par pur esthétisme. Festival de nuances et de couleurs, la trompette délivre éclat, murmure, sensibilité, tout et son contraire, et nous entraîne dans ses délires en clarifiant habilement le texte des idées qui les sous-tendent. Quel bonheur.

La puissance rythmique ou virtuose de ses partenaires suit l’entrain du patron qui leur laisse beaucoup de place et Justin Brown est possiblement plus présent, au moins aussi riche d’adresse, de timbres, de plans et de variété de jeu, que le boss, avec une liberté créative qu’une incroyable vitesse et précision de frappe lui octroient sans jamais négliger les nuances de toucher rarement aussi incisives et variées : un batteur d’anthologie sans aucun doute…

Pourtant…

… Parlons un peu de Justin Brown justement : s’il constitue un spectacle à lui seul, si une grande partie de la folie de la soirée a reposé sur lui, la luminosité de ce génial musicien vampirise parfois ses partenaires par une affirmation de soi, une sérénité de génie, un jaillissement permanent de brio qui escamote un peu les autres acteurs, et on se demande dans quelle mesure un duo n’aurait pas suffi. A preuve ce qui est probablement l’acmé du concert, cet arrêt du temps où Trompette, Contrebasse, Piano répètent une unique note scandant une progressive accélération rythmique jusqu’à l’incandescence sur laquelle Justin Brown s’envole comme sans effort pour atteindre une vélocité dépassant l’entendement, lui donnant la vedette incontestable. Nul reproche évidemment dans cette conquête de l’espace, un constat tout simplement dans lequel il n’est pas seul responsable.

Le contrebassiste au nom compliqué n’y est probablement pour rien, il semble particulièrement vif et adroit. Mais voilà : pourtant au 7ème rang et parfaitement centré, pile en face d’Ambrose, je n’entendais de la contrebasse qu’un bourdonnement lourd sans couleur, sauf dans les moments où il jouait seul qui prouvaient un talent émérite.

Le reste du temps, du fait de la sonorisation ratée de son instrument et de la présence foudroyante de Justin Brown, je le voyais tricoter des doigts avec une sensationnelle vivacité mais entendait le pire grave magmatique que la hifi aime souvent, totalement dénué de lisibilité.

Et puis Sam Harris le pianiste…

… bah, que dire ? S’il démontrait (et c’est le mot), dans ses moments solistes, une capacité à enchaîner des accords tordus, furieusement discordants et passionnants, lui aussi à une vitesse de Kalashnikov et avec une puissance de marteau-piqueur, de ces deux outils de destruction il partageait également le sens de la nuance.

Pas de phrasé, même dans les moments soft. Pourquoi pas d’ailleurs, si c’est un choix ; mais la pauvreté du swing et la simplification des modulations à deux niveaux de jeu - doux mais sans modulation ou tonitruants -, me font douter.

Ce qui retirait beaucoup d’intérêt à ces instants qui auraient pu être magiques d’un croisement ou surimpression de timbres sur les mêmes notes que la trompette d’Ambrose.

Bien sûr, on peut imaginer une volonté derrière cette opposition de style, mais je n’y crois guère. Je pense que si c’était entièrement maîtrisé, l’idée ne serait pas systématiquement utilisée et, qui plus est, Harris aurait pu moduler son jeu dans les longues plages où il jouait seul. Mais non. Une succession d’accords certes impressionnants plaqués à grande vitesse sur un clavier qui n’en pouvait mais, accords en outre un peu répétitifs à la longue, mélodiquement et rythmiquement.

En résumé, Ambrose nous embarque avec malice dans ses histoires, saynètes ou épopées singulières, débridées ou intérieures, Justin Brown nous submerge  dans sa nova, le bassiste s’agite vainement et le pianiste massacre son clavier sans un instant de lyrisme.

Début de la tournée peut-être ? Des petites choses à caler ? J’en doute car en réécoutant le live au Village Vanguard, je vérifie que si Harish Ragahavan y avait la légitimité dont nous avons été un peu privés ce soir, Sam Harris est bien le même.

En conclusion : le génie musical d’Ambrose, interprète ou compositeur, accompagné de musiciens au talent herculéen, a offert des moments sublimes, mais la musique n’a pas été transcendée par la complicité où la grâce comme il y a quelques mois lors d’un concert réunissant Emler, Ducret, Tchamitchian et Echampard par exemple.

Qu’importe car indéniablement, j’ai passé une formidable soirée !

Sans blague.

6 février 2017

Les Folles Journées 2017 dont le thème était LE RYTHME DES PEUPLES

Vaste programme.

J’ai personnellement trouvé qu’un aussi beau thème avait été un peu sous-exploité et que la programmation s’était égarée dans quelques complaisances, mais j’admets aussi la difficulté paradoxale de devoir ratisser large en audience et musiques et artistes.

Et puis je suppose que la jauge finale donne raison aux organisateurs.

J’ai toutefois l’impression d’une légère baisse de régime et d’humeur, y compris dans les équipes et les couloirs, les coursives. Problèmes politiques entre mécènes et organisateurs ?

Petite année pour moi, en quantité de concerts au moins, j’ai eu un peu de mal à pointer des instants qui auraient pu m’intéresser, exercice d’autant plus compliqué que je dois respecter les horaires du magasin.

Premier concert le samedi soir, dans la salle 800 places que j’aime beaucoup :

Percussions japonaises, par Eitetsu Hayashi et l’ensemble Fu-Un no Kai.

L’art du Wadaiko à son sommet !

Dès l’entrée dans la salle, on est immédiatement fascinés par ces grands tambours, trois taïko(s), deux Nagado Daiko disposés sur la scène encadrant un énorme Odaiko (euh...).

Les cinq percussionnistes, en tenue traditionnelle revisitée, entrent dans la pénombre portant leur Okedo Daiko et commence un spectacle total: sonore ou visuel, musical et scénographique ; il sera envoutant de bout en bout. La complexité musicale, par les types d’instruments, les timbres, les rythmiques, les enchaînements abruptes, initiés ou ponctués par des exhortations vocales diverses, de murmures à cris, qui rapprochent cette science des arts martiaux, tout autant que la chorégraphie très souple et gracieuse des percussionnistes, ne laisse pas un instant de répit.

La précision et la minutie des quatre condisciples de Maître Hayashi sont fascinantes, résultat d’une discipline extrême, permettant à ces percussions très riches des variations dynamiques incroyables, du bruissement du vent à la déflagration du tonnerre, offrande à un panthéisme poétique et expressif d’une grande intensité physique et spirituelle.

La prise de possession de l’espace, les ancrages au sol des artistes sont époustouflants, particulièrement lorsque Hayashi assaille son Grand Tambour dans des gammes de puissance et couleurs infiniment déclinées, révélant la nécessité d’une santé athlétique (et une impressionnante musculature, partagée par les disciples) pour frapper comme à coups de haches parfois la peau tendue sur la barrique géante, les bras levés pendant plus de dix minutes et en faisant sur certains impacts reculer l’instrument qui doit peser au bas mot deux cents kilos et je crois que je vise bas.

Au-delà de la beauté musicale, de la plasticité de l’ensemble, comment ne pas être admiratif de la performance physique des interprètes, avec une mention pour Mikita Hase, dont l’ampleur des gestes, les positionnements de tête, les aphélies chorégraphiques sont des plus élégantes.

Ici le rituel offert à un autel de nature et tradition est parfaitement respecté, évitant l’écueil de certaines représentations pour touristes et je retrouve le plaisir et la fascination que j’avais éprouvés la première fois que j’avais assisté à telle démonstration dans la cour d’un temple au Japon il y a, ouh là… plus de trente ans, avec ici un contraste accru entre la grâce et la violence du fait de vivre cette musique « indoor » et une particularité dont je n’avais pas le souvenir dans ce genre de musique : la sensualité d’un swing captivant.

Est-ce l’évolution d’un art remontant à si loin qu’il a précédé tous les autres dans sa matière formelle et figée ?

Un très grand moment ! Un souvenir fort pour longtemps.

Quatuor Psophos ensuite, nous proposant deux œuvres radicalement différentes, à savoir le Quatuor n°2 opus 56 de Szymanowski et des extraits du John’s Book of Alleged Dance de John Adams que je ne connais pas.

Superbe opus de Szymanowski, l’œuvre est ici magnifiquement servie par des musiciens sachant parfaitement opposer l’alacrité sombre d’instants forts et modernes osant la dissonance et l’arythmie à d’autres d’une mélancolie accablante en ouvrant toujours sur un paysage de timbres d’une grande beauté. Formidable ! L’entente entre les musiciens est souveraine et l’équilibre des expressions absolument idéal, l’œuvre bien sûr, mais aussi la mécanique huilée d’un groupe complice et soudé.

Le John Adams me passionne moins ; amusant, sautillant, très typé, soit, mais je me prends moins au jeu, sans que le Quatuor Psophos y soit pour quoi que ce soit. Rien à reprocher à leur belle performance.

Enfin, samedi soir tard, après une belle cavalcade dans les couloirs pour atteindre le grand auditorium où nous attend une succession de scies populaires qu’on connaît parfois par cœur sans se souvenir où et quand on les a entendues, proposées par l’Orchestre (et le Chœur) National de Lettonie (dont quelques musiciens sont venus me rendre visite au magasin jeudi matin, très sympathiques !) sous la direction de leur chef, Andris Boga, un jovial bonhomme qui transmettra sa prévenance débonnaire à ses interprétations détendues et enjouées.

Mais le long spectacle commence par une œuvre pour percussions proposée par un ensemble de musiciens à géométrie variable baptisé AdONF (très drôle), écrite par l’un d’entre eux, Didier Benetti.

Oui, bon… Le problème, c’est qu’on sort de l’hallucinant et poignant spectacle des japonais dont la méticuleuse discipline renvoie ce sympathique quartet au rang d’amusement, d’autant que l’œuvre, plutôt intéressante, est jouée sans le début du commencement de swing… On écoute sans déplaisir évidemment, les cheveux blonds et défaits de la dame illuminent la scène, soit, mais mon épiderme vibre encore de la perfection du début de soirée…

Puis commence la succession des « tubes » du classique qui sans doute ont pour but de bien expliquer le thème de l’année, « Le Rythme des Peuples », excellente initiative donc que de rassembler des pièces d’horizons divers, mais dommage dans ce cas de ne pas avoir inséré une page de Bernstein par exemple.

Allons-y :

- Saint Saëns, Bacchanale de Samson et Dalila, interprétation diserte et voluptueuse, soulignant avec saveur le mélange allègre d’influences exotiques bariolées, de l’Espagne au Maghreb, et révélant un orchestre joyeux, parfaitement synchrone et luisant de belles couleurs.

- Du même Saint Saëns, un Rondo capriccioso pour violon et orchestre un peu moyen, sans doute parce que Alexandra Conunova plante quand même dans nos nerfs fatigués des banderilles de fausseté à divers instants très exposés alors que, paradoxalement, elle franchit en toute aisance les passages virtuoses. Il semblerait que cette soirée dite de « répétition » ait été suivie le dimanche d’une représentation idéale.

- Khatchatourian (ne boudons pas le plaisir, ce sont des hits qu’on ne nous propose pas tous les jours) ensuite : la Valse célébrissime de Mascarade et la Danse du Sabre (Gayaneh ? J’ai un doute…). Ici aussi, une cadence endiablée, une exaltation communicative, des teintes éclatantes, un bonheur partagé, et ce moment très bref de calme dans la danse, porté par un saxophone anachronique, eh oui, j’avais oublié précisément ce « paradoxe » culturel !

- Liszt, une Totentanz majestueusement servie par Nelson Goerner au piano, une frénésie musicale rugissante, redoutable de virtuosité, de nerf, de cœur, j’aime décidément beaucoup ce chef débonnaire et « son » orchestre dont on sent à chaque instant le plaisir de faire plaisir.

- Brahms, des Danses Hongroises prise avec distance, un brin de plaisanterie, plus Tex Avery que Brahms et c’est une excellente idée de garder le sourire, trouver des glissements rythmiques, accentuer une phrase, en rajouter un peu pour dans les mesures suivantes contenir le ton, lui donner par contraste une grâce délicate, procurant de forts moments de bonheur épicurien encore.

- Et, pour finir, Borodine, les danses polovtsiennes, prises, comme tout le reste d’ailleurs, à un rythme d’enfer, éclatant de couleurs, de teintes mordorées, d’éclats de bijoux, tout brille ici, cordes, bois, cuivres, percussions et le chœur n’est pas en reste. La puissance déchainée n’empêche pas l’orchestre d’imposer des nuances tonales superbes, des gammes de couleurs de pastels à intenses…

Quitte à donner dans la musique de variété, il fallait aller jusqu’au bout : l’Orchestre de Lettonie ne s’en est pas privé, allant même jusqu’à nous offrir l’introduction de Carmina Burana en premier bis et une reprise d’une Danse Hongroise en second.

Générosité, détente, humour et talent au rendez-vous ce soir, ramenant à l’esprit premier de La Folle Journée, faut-il les Lettons pour le rappeler ?

Dimanche, deux concerts seulement.

Nouveau rendez-vous avec AdONF.

Passé un Tombeau de Couperin arrangé pour xylophones joué par 3 percussionnistes deux hommes et une (jolie) femme (la dame blonde d’hier soir mais dont cette fois les cheveux sont relevés), pas vraiment passionnant, qui semble surtout un moyen pour les musiciens de sortir l’instrument de ses carcans mais n’apporte pas grand-chose à l’œuvre, nous aurons droit à des moments de musique voguant de :

- élégant : Toccata d’Anders Koppel, à

- drôle et original : Musiques de Table de Thierry de Mey où 3 compères (pas tous les mêmes qu’au début) deux hommes entourant la (jolie) dame dont nous ne connaissons pas le nom, assis devant une table en bois, vont nous « jouer » avec beaucoup de concentration mais sourire aux lèvres une performance ardue composée de frottements, coups d’ongles pointés et diverses frappes de la paume ou du dos de la main dans des combinaisons complexes, cocasses, impressionnantes, en suivant scrupuleusement une partition que j’aimerais bien voir pour admirer les signes utilisés.

- entraînant, agile et pour le compte empreint de swing : Trio per Uno de Nebojsa Zivkovi, performance à trois encore (dont la dame) autour d’une grosse caisse bordée de diverses petites percussions, caisse claire et idiophones. Chouette

- amusant, exigeant et décontracté avec une dernière œuvre pour claquements de mains à rythmes croisés enlevée dans la bonne humeur et la complicité car la dame semble varier ses frappes sans doute pour éviter la douleur, au grand amusement de ses camarades.

Ça aussi, c’est le ton de la Folle Journée : on ne se prend pas nécessairement au sérieux, on partage tout, on participe. Bravo et merci pour ce moment de gentillesse et générosité.

Et pour finir, Olivier Charlier au violon, Nicolas Baldeyrou et Emmanuel Strosser nous ont interprété :

- Stravinsky, L’histoire du Soldat, qui s’appuie idéalement sur un violon grinçant ne nous épargnant pas quelques erreurs de justesse toutefois, une clarinette virevoltante et un piano harmonisé un peu rond pour cette œuvre où on l’aurait voulu plus percussif mais c’est aussi le jeu à jouer sur ce genre de manifestation où l’interprète ne choisit pas forcément son instrument. Le jeu de Strosser cependant est à la fois guilleret et justement mutin.

- Bartok, Danses populaires, le violon reste un peu trop sur le crin, ce qui est moins justifié ici que dans le Stravinsky et accentue le contraste entre violon et piano enterrant un peu ce dernier. Dommage

- Leo Weiner, deux pièces pour clarinette et piano où je vais regretter que l’aspect « tzigane » ou en tout cas folklorique ne soit pas totalement assumé, certes au profit d’une virtuosité incritiquable, mais à laquelle manque l’étincelle rustique qui transformerait la performance en plaisir fort.

- Bartok, Contrastes pour violon, piano et clarinette, où là au contraire tout est parfaitement à sa place, une œuvre majeure de Bartok, difficile, ardue même, brillante, d’une inventivité de tous les instants, flamboyante, colorée, et exigeante, un instant de génie musical sans concession à la facilité que les trois musiciens vont enlever dans une ardeur irréprochable.

Une excellente façon de clore une année en demi-teintes.

ONPL le 10 juin 2015

-    Haydn, symphonie n°1
-    Ravel, Concerto en Sol
-    Chostakovitch symphonie n°10

Bertrand Chamayou au piano
Thierry Fischer, direction

Certains se sont étonnés que j’écrive de moins en moins ce genre de chronique.

Est-ce que je vais moins souvent au concert ? Pas sûr, ai vu et entendu quelques jolies choses en jazz et pop/rock, mais pas eu envie d’écrire ; est-ce dû à la sensation de me répéter ? Possible ou alors pas envie d’être tiède à propos d’artistes que j’aime beaucoup par ailleurs.
Moins de concerts, globalement non mais ceux de l’ONPL sans aucun doute oui, ça devient insupportable cette banalité moyenne rasante, Dusapin est probablement un compositeur talentueux mais pas toujours bouleversant quand même et son pote Rophé décidément ne fait pas décoller notre Orchestre chic mais pas choc. Pour l’instant l’ère Rophé est une mi-temps plan-plan. J’aimerais savoir si cet orchestre connaît toujours le plus fort taux d’abonnement du pays alors que souvent considéré dans la profession comme, disons… perfectible ; mais j’en doute ; pour l’année prochaine il ne faudra pas compter sur moi, sur nous, car nous sommes quelques-uns à nous décourager.

Toutefois, ce que j’ai entendu hier m’a donné envie de reprendre le clavier pour remercier au moins Bertrand Chamayou et Thierry Fischer et les musiciens de l’orchestre qui ont donné sincèrement. Pas tous.

Passée une fadasse 1ere symphonie de Haydn (on aurait tendance à oublier qu’il a bien fallu qu’il y en ait eu une première !), fadasse parce que cette musique de cour était jouée gentiment mais sans enthousiasme, sans élan ou allant, sans finesse ou liberté (le programme stipule rythme endiablé pour le dernier mouvement ? Les diables avaient sans doute trop copieusement dîné !) arrive ce qui probablement m’intéresse le plus ce soir : Le Ravel avec Chamayou.

Qui ne m’a pas déçu ! Elégance permanente sans la moindre posture (ouf !) son jeu est en phrasé continu, liquide, si insensiblement fluent, les doigts caressent le clavier susurrant une musique limpide et délicieuse, des pastels d’une pureté harmonique au-delà du poétique, et l’homme, regardant souvent ses collègues musiciens,  a la gentillesse de suivre ses camarades, préférant pardonner les faiblesses de l’orchestre, se recalant si nécessaire pour corriger la dérive temporelle d’un hautbois, une flûte ou une clarinette au lieu de jouer les divas, distillant des nuances imaginatives comme pour mieux cacher le manque totale d’icelles dans l’orchestre.

L’interprétation générale, si elle ne renouvelle pas le genre, est enthousiaste et enlevée avec un sens du rythme préféré par Thierry Fischer à celui des nuances dynamiques, ayant probablement choisi de ne pas chercher l’impossible, à savoir les deux, car la finesse, Chamayou s’en charge tout seul en se fondant dans la masse le plus souvent, s’en extrayant avec grâce quand il le faut, transformant ce bel exercice, cet écrin dévertébré en un concerto pour orchestre avec piano ce qui personnellement me convient parfaitement, principalement dans le deuxième mouvement jamais dégoulinant mais simplement très beau, très pur, infusant une vénusté attendrissante d’une saveur rêvée. Une caresse sur la peau d’une femme pendant une danse sensuelle, du jazz au slow, la chaleur des corps, un piano affectueux dans un orchestre se démenant sur une scène doucereuse.

Fischer favorise donc de suivre les jeux de teintes du pianiste, les errances jazzy du texte plutôt que de chercher à imposer une impossible réserve à ses mauvais élèves et le résultat, sympa mais pas transcendant quand même, est de nous avoir proposé un généreux moment en compagnie d’un artiste majeur, humble et discret, procurant une douceur fluide à son clavier impressionniste à souhait ! Un bon moment, d’autant qu’à défaut de légèreté, l’orchestre a fait preuve d’une manifeste bonne volonté et d’un ensemble qui fait hélas souvent défaut, ne trahissant jamais l’esprit du texte si inventif que, en dépit d’une instrumentation étonnamment légère, Ravel assène de puissants effets sonores.

Ce Fischer me plaît ! Magnifier la musique française avec l’ONPL, c’est une performance !

Splendeur pianistique transcendante dans Jeux d’eau offert en bis par Chamayou, qui imprime dans une œuvre plus techniquement difficile qu’il n’y paraît des accents lisztiens parfois, bartokiens encore, avec une évidence et un humour tendre absolument émouvants. Et toujours, ce courant doré, fontaine liquide, éclats d’orage et gouttelettes en suspension, un tableau, une peinture de maître, Chamayou recrée du Monet sous nos yeux et oreilles émerveillées par les faunes en goguette…

Un grand monsieur je crois, pourvu qu’il continue à travailler avec patience, intelligence et distance. Si le métier lui en donne l’opportunité et ne le ruine pas, s’il sait garder la distance de l’humilité.

10ème de Chostakovitch frappée dans une sorte d’urgence violente et sidérante, qui fonctionne plutôt bien même si le second degré ironique, les zones sensibles ou mystérieuses que sait dégager Sanderling par exemple, sont zappées au passage.

Les quatre mouvements se ressemblent un peu trop, le monumental et complexe premier est plus impressionnant et miroitant que sombre et intérieur donnant un ton général un peu bourrin qui, n’en déplaise aux amateurs de spectacles zim boum boum, n’est pas la seule option pour jouer Shosta.

Dans le deuxième, la progression est plutôt bien agencée et le troisième enfin assez varié, orné de ruptures habiles.

Le quatrième, tout en paradoxes, voit sa structure, flottante, comme en attente d’un paroxysme qui ne viendra jamais vraiment, un désenchantement entre peur et provocation, correctement respectée en dépit de l’absence quasi-totale de mystère et clairs obscurs indispensables …

Curieusement, dans ce déferlement tonitruant, Fischer s’autorise et réussit quelques belles parenthèses figées, de rares instants où le temps est suspendu, et l’orchestre devient délicat, beau travail des cordes soit dit en passant, offrant une ductilité à laquelle nous ne sommes pas habitués ici, et des couleurs « somptueuses » (j’exagère un peu mais la perception du boisé est si rare à Nantes), les bois pourtant très applaudis ayant avant tout réussi l’exploit d’être un peu trop bruyants à mon goût, ce qui n’est pas gênant dans Shosta mais était un poil plus énervant dans le Ravel.

Une bonne soirée donc, niveau minimum de ce qu’on devrait attendre d’un tel orchestre de province, soit, et une vraie découverte :
Pas Chamayou évidemment qui dans son triptyque génial des Années de Pèlerinage prouvait sa maturité inouïe, sa technique irréprochable, son sens des pastels et son intelligence conceptuelle…

… Mais Thierry Fischer, très efficacement expressif dans sa gestuelle jamais guindée, qui a parfaitement su composer avec les qualités et failles de l’orchestre d’un soir tout en affirmant une envie de couleurs et une qualité de swing de haut niveau !

Je le proposerais volontiers comme chef permanent.

29 octobre 2014

Hier soir au Grand Auditorium de la Cité des Congrès, concert de « Jazz » :

Bill Frisell Quartet

&

John Scofield Trio

2 parties d’1 h 15 sur une scène joliment éclairée, avec goût et des variations élégantes.

Je ne vais pas m’attarder sur la triste performance du Bill Frisell Quartet qui passait en revue la musique de guitaristes divers, du rockabily à la country, Chuck Berry, Beach Boys ou les Shadows.

Passé un beau début atmosphérique par l’échange de longues plaintes des deux guitaristes, on rentre dans l’ennui le plus total plombé par la calamiteuse rythmique d’une moissonneuse batteuse.

Je crois que j’aurais pu étrangler le batteur qui cumulait quand même toutes les vertus du méchant d'un film gore ; totalement dépourvu d’idée, il était capable d’une seule nuance : barrater comme un bourrin, écrasant tout le monde en swinguant comme une porte et ne se sentant absolument pas concerné par les variations de ses comparses. Il ne les écoutait pas de toute façon.

Le bassiste tournait pas mal mais ne sortait pas d’un unique thème de jeu qui donnait l’impression qu’il liait ses cordes d’une main ferme de peur qu’elles tombent et avec un sourire satisfait en plus.

Côté guitares, c’était mieux évidemment, un bon second qui a tiré quelques surprenants accords mais semblait un peu travailler à la pointeuse, et un Bill Frisell qui a quand même mis un peu de temps à se chauffer les doigts (le nombre de pains…) pour offrir quelques jolis jeux de couleurs et d’enchainements d’accords, mais franchement, c’est histoire de ne pas enfoncer cet immense artiste dont on se demande ce qu'il lui a pris d’une part de choisir un tel programme mais surtout sans une once d’idée, de créativité, de variations, voire même simplement de recul ou d’humour !

John Scofield ensuite, accompagné de Steve Swallow et Bill Stewart.

Bon, allez, ces trois-là allaient tout rattraper : un grand grand moment, de talent, d’inspiration, de beauté, de musique pure.

D’accord, Scofield nous a fait du Scofield mais avec quel panache, quel brio, quelle élégance, quel plaisir et quelle sympathie, sans jamais frôler la démonstration ! Les suites d’accord étaient souvent affreusement compliquées mais d’une légèreté absolue, d’une vocalité exquise, Scofield jouait beau, se baladant d’une énergie rock à une claudication blues, il faisait babiller sa guitare dans l’expressivité humaine d’un musicien qui n’a rien à prouver et qui n’a qu’un but : la Musique.

Bon certes, on était un peu dans ce jazz « chacun son tour », mais quand il s’agissait de céder la place à ses collègues, c’était toujours pour le bonheur des oreilles et du cœur.
Bill Stewart, accompagnant ou soliste, à défaut d’imagination (un peu toujours les cinq mêmes plans) révélait un sens des nuances ou du punch très habile, un swing d’une évidence idéale, une énergie constante et si parfaitement dosée, si intensément à l’écoute, quand bien même ce code du batteur jazz quand il joue en soutient de tout baser sur le « dziguiding dziguiding » permanent cymbale / Hi-hat personnellement m’insupporte, au moins le faisait-il avec une faconde aérienne.

Et puis il y avait Steve Swallow et sa 5 cordes multifonction.

Je vais éviter tout commentaire : ses doigts gazouillent, inventent sans cesse en état de grâce, une promenade bucolique enchantée, une déambulation de ballerine, l’incarnation du groove. Un génie.

Le samedi 5 novembre 2016, le Quatuor TANA nous a fait l’honneur d’un concert à l’occasion de la première édition du Salon staCCato, dit staCCato– La Rosière et ce grâce à Serge Thomassian, directeur artistique du label Megadisc-Classics et ardent promoteur de la musique contemporaine.
    
Je tiens d’autant plus à les remercier que Jeanne Maisonhaute (Violoncelle), Antoine Maisonhaute (Violon), Ivan Lebrun (Violon) et Maxime Désert (Alto) arrivaient en automobile de Clermont-Ferrand où ils avaient joué la veille.

Au programme, celui de leur disque remarquable sous label Megadisc-Classics consacré à deux œuvres essentielles de Steve Reich : WTC 9/11 et Different Trains. Toutes deux demandent une installation technique puisque le Quatuor réel « accompagne » des enregistrements préalables d’autres pages pour quatuor et des « bandes sons » faites de bruitages et voix.

Antoine Maisonhaute précise que, contrairement aux habitudes, les enregistrements des parties de quatuor ont été faits de bout en bout sans utiliser de boucles, afin de préserver la « vie » de ces portions, et que pour l’enregistrement final du disque - que je vous recommande évidemment -, le Quatuor a joué devant des enceintes qui passaient les pré-enregistrements. Autrement dit une prise live par opposition à une superposition par mixage. Exploit technique donc, marquant la volonté de plus d’engagement musical, et pari gagné.

Qui dit installation technique dit ingénieur du son et c'est Diego Losa du GRM, compositeur, qui a eu la gentillesse de faire le déplacement pour tenir le rôle de cinquième membre.

Le concert de ce soir représente pour moi une expérience d’autant plus intéressante que j’avais assisté à la première de WTC 9/11 au Pershing Hall le 11 septembre 2016 par le même Quatuor TANA, et avais été sidéré par l’intensité émotionnelle de leur proposition.

Je vais vous éviter un décryptage pas à pas pour raconter l’œuvre, je préfère toujours recevoir la musique au premier degré. Et puis je ne vais pas prétendre m’y connaître.

Evidemment, le concert de ce soir va me replonger dans la même tension nerveuse qu’au premier choc, à la limite de la crispation tant l’intensité dramatique de l’œuvre est transcrite avec une énergie implacable par le Quatuor TANA.

Mais j’irai plus loin ce soir dans ma perception sensitive et musicale de cet opus majeur car, est-ce une question d’intimité dans cette salle où nous sommes pourtant plus de 80, est-ce l’équilibre plus sensible entre la partie jouée et les parties reproduites (sur des Atohm GT2 HD et GT3 HD comme lors de la prise de son, via les blocs AM400 Atoll) ?, qu’importe : je me sens plus proche, mieux nourri de la partie directe et vis au plus près les… Quels mots employer sans dire une bêtise ?... Les contre-champs (au sens photographique) comme les superpositions, les dialogues comme les chorales entre les divers sous-ensembles des quatuors où la ductilité aérienne des musiciens ce soir crée un climat tout aussi bouleversant mais plus imprégnant, empoignant, nous obligeant à accompagner le mouvement continu dans une sorte de détresse contradictoirement dansante, une entrainante fascination .

On est emportés, on est pris, mais cette fois moins à la gorge qu’au corps et, bien placé pour pouvoir observer le public, dans une transe collective, tribale.

Les mots ou cris des spectateurs de la blessure mortelle infligée à cette tour symbolique un 11 septembre où tout bascule, victimes, pompiers, l’incrédulité douloureuse transmises par les textes et les bruits éclatent en bulles d’angoisse portées par les archets inspirés de TANA, autant de battements d’ailes d’anges ou de coups de couteau de Lucifer selon les instants, transformant cette pièce courte, j’allais dire heureusement, en un tableau de Hieronymus Bosch.

C’est d’autant plus puissant qu’il y a un plaisir fort à observer la concentration des quatre jeunes musiciens, dégageant une beauté peu commune, jusque lors d’une brève parenthèse de doute si bien maîtrisée lorsque la technique les trahit (perte des « clics » qui dictent chaque pas dans le déroulement), dont personne ne s’apercevra dans l’évolution lyrique.

Et comme à chaque fois que j’écoute la dernière partie de WTC, pourtant portée par l’idée de « World To Come », je perds l’équilibre quand intervient la coda brutalement interrompue, le vide, le choc sur la deuxième tour, la fin. Ou le début ?
Le silence.

Sidérante première partie  de soirée donc, justement ovationnée pour saluer l’effort car l’œuvre est aussi difficile pour les musiciens qu’elle est douloureuse pour l’auditeur quand elle est racontée avec autant d’intelligence et de cœur, éloignant cet instant de musique évocatrice, quasi figurative, d’un rapport journalistique objectif, façon Kronos, pour nous impliquer viscéralement et émotionnellement dans le souvenir.

Ou pourra évidemment me reprocher la flagornerie de l’hôte dans ma « critique », peu m’importe car la suite du programme m’en dédouanera : pour avoir naguère assisté à une présentation intéressante de « Different Trains » par le Quatuor Diotima, je vais pouvoir comparer deux approches radicalement différentes au concert d’un opus qui, guidé par des clics et des parties enregistrées, pourrait donner l’impression d’un carcan inaliénable.

Eh bien non ! Le Quatuor TANA va nous en faire une démonstration flagrante.

Le démarrage de Different Trains porté par des sifflets de locomotive est toujours aussi magique ; quel beau son, ces sifflets qui à eux seuls engagent dans le trouble…

Mais immédiatement apparaît le ton inattendu que TANA va apposer sur ce tableau fondamental de la musique contemporaine, mise en parallèle des trains que, enfant, Steve Reich prenait pour de longs voyages de la côte est vers la côte ouest des Etats-Unis, passerelle obligée entre ses parents divorcés, et ceux qui en Europe, sous le fouet et les crocs, transportaient les enfants juifs vers l’abomination

TANA sinue sur une souplesse du trait, une lisibilité humaine par un toucher délicat épanouissant les timbres, mais surtout libère un swing, voire du groove, qui va transformer les machines en instruments sublimes, aussi bien dans la beauté que dans l’horreur.

Cette élasticité des lignes nous emporte dans un tourbillon, une valse asynchrone irrésistible, alors comment ne pas tanguer en frémissant à la façon permanente dont le Quatuor TANA va faire virevolter les notes, ou tourner autour, nous amenant parfois à l’ambivalence de magnifier la douleur comme sous opium, l’anesthésier sans pour autant l’oublier, une distance étrange et dérangeante qui renvoie à une forme de culpabilité, celle du témoin impuissant, indirect par la force des choses, obligé d’accepter ce qui s’est passé, ce à quoi il a échappé, la menace lourde qui pèse sans cesse sur l’humanité tel un ultimatum d’apocalypse.

Jaillissements d’émotions métissées, de heurts contradictoires, la voie choisie par TANA embellit la narration, impose à la compréhension émotionnelle la dualité partageant et réunissant la mélancolie naïve d’un enfant protégé et le journal d‘Anne Franck, lue par un comédien d’exception, enfonçant l’évidence du vécu dans les couches profondes de la mémoire…

Des moments exaltants de musique pure nous éloignent par fulgurances de cette chape prégnante pour nous conduire sur une ligne musicale incandescente, telle en dernière partie ( ? j’ai un doute) la formidable accélération de la ou des locomotives dans un ouragan mécanique fou mais ici si coloré, si riche en harmoniques, si étourdissant dans les distorsions temporelles, la désynchronisation ivre qui jaillit des instruments soudain extravagants donnant une dimension symphonique à ce poignant instant !

J’en tremble encore. Jamais je n’aurais attendu tant de variations rythmiques, de boisé, d’envolées puissantes ou contenues dans une même pulsation vers le cœur.

J’espère sincèrement, chers amis du Quatuor TANA que le public a été à la hauteur, mais en tout cas il vous a justement acclamé, et j’aimerais vous faire partager les témoignages d’émotion qui me sont faits depuis ce grand jour.

Merci encore chère Jeanne (Mademoiselle M… comme désormais je vous surnommerai), merci Antoine, Ivan et Maxime pour votre fraicheur, votre engagement et votre sincérité, merci pour la soirée et sa prolongation autour de mets fins mais pas à la hauteur de votre gentillesse.

Et bien évidemment un immense merci à Serge.

Et à Diego !

AC

27 novembre 2014

Concert à l’ONPL, soirée Symphonie Romantique du mercredi 26 novembre.

Debussy, 3 études apparemment orchestrées par Michael Jarrell

Mahler, Lieder eines fahrenden Gesellen

Véronique Gens, soprano 

Bruckner, symphonie n°4

Direction Pascal Rophé

Rien à faire, vouloir donner des soirées à thème, ça me fait toujours un peu sourire, et réunir dans un même programme sous l’idée du romantisme Mahler, Bruckner et Debussy, mouais, c’est vraiment histoire de trouver un thème.

Cependant la musique "romantique", théoriquement je suis preneur...

Les premières notes de Debussy s’annoncent bien, égrènement les frétillements lyriques d’une légèreté aérienne de bon aloi sans toutefois atteindre l'apesanteur debussienne idéale, quelques jolies touches de couleurs tissent cette toile qui synthétise assez bien l’univers diaphane et impressionniste de Debussy, ce M Jarrell a bien appris ses leçons.

Mais rapidement l’ensemble manque un peu de ces nuances limpides de glissandi murmurés qui évaporent la magie sensible de Claude D.

Une introduction pas désagréable mais pas indispensable non plus.

Orchestre pléthorique pour la suite, ce magnifique et court cycle de lieder de Mahler.

D'emblée le même constat s'impose : pas de nuances dans les attaques de notes, surtout les vents. Néanmoins quelques pastels raffinés font plaisir à entendre et puis surtout l’écriture méticuleuse de l’orchestre-écrin de Mahler est si accaparante que la musique passe en dépit de l’approximation.

Véronique Gens - que j’aime beaucoup par ailleurs - ne me paraît pas tout à fait à son aise dans ce registre (et cette langue ?) et son timbre reste un peu banal notamment dans les ardeurs quasi-wagnériennes où la voix blanchit plus encore et l’articulation, déjà pas très nette d’où je suis, disparait complètement. En outre, si le chant est là, élégant et puissant, on a connu des conteuses plus inspirées, plus volubiles pour narrer ces poèmes bucoliques sillonnés de douleur toute goethienne.

Bruckner enfin.

Un début de cordes imperceptible très vite écrasé par le déferlement des cuivres qui transforme ce premier mouvement en concerto pour cordes et fanfare de carnaval.

C’est inaudible et incompréhensible, sans intention détectable, si ce n’est qu’on suppose que toutes les notes sont bien là et j’en arrive à redouter, dans les échos répétitifs de Bruckner, les instants où l’armée va à nouveau attaquer sabre au clair. Les cuivres se calment un peu à la fin du mouvement et aplatissent un peu moins les pauvres piétons sous leurs assauts, mais trop tard, le mouvement est fichu, on n’y croit plus, personnellement je songe même à m’éclipser.

Certes, Bruckner lui-même parlait de cavaliers sur de fiers chevaux, mais pas de charge d’une horde barbare déferlant sur de frêles vierges…

Je pars ? Allez, non, je reste…

Très beau deuxième mouvement ! Quelle splendide surprise... Un remarquable travail des cordes, délicates et quasi sensuelles, beau jeu d’aquarelles entre les registres, c’est presque frémissant ! Presque... mais formidable quand même !

Troisième mouvement réussi, même si un peu mécanique dans sa scansion et ses répétitions, les boucles brucknériennes s’accumulent plus qu’elles ne s’enchaînent, pour autant les cuivres à la fête dans cette verve de chasse à courre procurent de beaux éclats sidérants. Pas mal en dépit, toujours, d’un manque de nuance des attaques de note, particulièrement le flutiste au sein d’une petite harmonie par ailleurs colorée. Travail soigneux des cors, suaves et réservés.

Evidemment ça se gâte dans le dernier mouvement.

Car il est énoncé comme un rabâchage exact de la succession de blocs systématique du 3ème mouvement.

Et du coup appauvrit l’œuvre par une construction uniquement machinale et répétitive, médiocrement prosaïque, où les variations se succèdent comme un défilé militaire.

Non, la rhétorique brucknérienne ne doit pas être, ne peut pas être ainsi : ce dernier mouvement fonctionne sur un élan perpétuel, un enchainement virevoltant de tourbillons, la mobilité infinie d'un bal enivrant, pas une répétition systématique de manies métronomiques et bruyantes. Ajoutons encore le manque de souplesse des bois et cuivres (sauf les cors) sapant la ductilité des cordes excellentes mais un peu submergées et on rate ce dernier splendide flot puissant, à l’exception de l'ultime crescendo gracieux et mesuré, quelques mesures de vraie compréhension et bonheur.

Une honnête soirée, pas une catastrophe, loin s’en faut, ni évidemment une découverte où un moment de frissons.

Peut-on attendre mieux de cette phalange très irrégulière ? On finit par en douter… Au moins ce soir, ils jouaient ensemble.

Toutefois, en sortant, on se demande quand même pourquoi cette symphonie de Bruckner est qualifiée de « romantique ».

AC

3 juillet 2013

ONPL dirigé par John Axelrod pour son dernier concert au titre de Directeur Musical et, compte tenu de l’ambiance entre l’orchestre et le chef, possiblement son dernier tout court.

Programme Wagner (Richard) et Carl Orff.

Les mauvais esprits y verraient évidemment un programme célébrant une sale période de l’histoire mondiale et donc une évocation peu subtile des rapports tyranniques entre un orchestre et son chef, tout en se demandant qui est le tyran. Mais pas moi, ça n’est pas mon genre.

Chevauché des Walkyries pour commencer.

Tiens, curieux, on ne m’avait pas dit qu’il existait une version sans les hélicoptères et les vierges hystériques qui crient très fort !

Oui, d’accord, je suis taquin.

Bon, proposé comme ça, un peu abruptement, cet extrait bodybuildé d’un opéra majeur devient un peu une scie pas vraiment bouleversante (et qui donne un peu raison à Woody Allen*), mais la proposition de Mister John se tient, nerveuse, rapide, puissante, je regrette un peu que la pluie des violons équins manque des effets vertigineux qu’osent les plus grands, de même que les cordes au sens large soient encore submergées par les cuivres malgré un avantage numérique avéré. Rien de rédhibitoire.
Une page d’orchestre foisonnante jouée avec brillant et précision.

Ensuite la Mort d’Isolde, ou Yseut ou comme vous voulez.

Début absolument superbe ! Le tapis de cordes ronronne magnifiquement, la tension s’installe idéalement, les tenues longues et croisées parfaitement agencées et le premier très lent crescendo est délicatement maitrisé, l’unité de l’orchestre rassure, la beauté sonore enfin au rendez-vous, c’est majestueux, frémissant, émouvant !

Bon, ça se gâte un peu ensuite et quelques flottements au milieu de cette homélie admirable rappelle que nous sommes à Nantes face à l’ONPL.
Pas grave, Axelrod reprend la main très vite, la battue ( très élégante, y avais-je jamais fait attention ? Ah oui, il n'utilise plus la baguette ! ) resserre les rênes conduisant avec gravité vers la fin tragique, certes pas aussi somptueuse que la première ascension, qui nous renvoie quand même à cette douleur paradoxalement triomphante ( Tranfisguration ! ) d’une femme emblématique du sacrifice amoureux !

L’inexcusable sonnerie d’un portable vient hélas couper la note finissante qui aurait dû précéder un beau silence…

Puis arrive le gros morceau ( il y a encombrement sur la scène, entre un orchestre pléthorique, un chœur complet, un chœur d’enfant et 3 solistes ! )

Carmina Burana de Carl Orff, cantate scénique profane et gaillarde, polyphonie dans sa plus simple expression mais orchestration euh… flamboyante ?

John Axelrod comme souvent amorce le O Fortuna comme un Grand Prix, mais l’option se défend évidemment !

La mise en place est impeccable, le chœur tiendra pendant toute l’œuvre les promesses du début : somptueux, limpide, enjoué, engagé !

Les tempi rapides sont rapides. Les tempi lents sont… rapides ! Enfin pas vraiment mais, quand même, je regrette que les quelques passages assez élégants d’une œuvre plutôt éléphantesque manquent de nuances, de contrastes, mais bon, l’ensemble est solide, pas de fausse note, un maintien de la cadence sans faille ; à défaut du raffinement (vous me direz, sur Carmina Burana… Pour autant, Jochum Prévin, Shaw, Mehta l’ont réussi !) on a le spectacle et je suis un peu affligé de constater qu’il faut en arriver à une pochade difficile (Carmina Burana) et les adieux de John pour que l’orchestre donne l’impression d’être vraiment uni, en place, chatoyant et heureux !

Interventions remarquables de joie paillarde de Thomas Mohr, baryton truculent, plus dans la comédie que dans la justesse, cautionnées par les sourires que le ténor décoche sans compter aux foucades de son collègue !

Agustin Prunell-Friend, le ténor en question, est tout aussi engagé, détimbrant à loisir pour atteindre le fausset grivois écrit par Orff, c’est casse-gueule, mais très réussi.

Myrto Papatanasiu (dans l’ordre d’apparition), soprano, est moins souriante (et si belle), plus austère, mais délivre le travail avec sincérité, une voix ferme et animée, un aigu qui corne un peu dans les passages difficiles, balayée par une impressionnante tenue de note sans la moindre perte de densité en dépit d’un quasi murmure ! Stupéfiant !

Final puissant, qui, à l’image de tout ce qui a précédé, est porté avec panache, la cadence a été soignée de bout en bout, les balancements rythmiques irréprochables (c’est quand même un des points forts de John), et les élans fougueux quasiment jubilatoires !

Tonnerre d’applaudissements. Faut dire qu’avec une programmation de ce genre, il n’y avait pas beaucoup de risque, mais la démonstration a vraiment été éclatante.

On arrive alors au moment de vérité où, après les longues salutations d’usage, John, en communicateur formé aux Etats-Unis, tend le bouquet de fleurs à une enfant puis, décidé sans doute à donner une petite leçon à l’orchestre en imposant un record probable de durée d’applaudissements, histoire de dire que son public le regrette déjà ( et ça, on ne saura jamais… ), entreprend de serrer la main de chacun des musiciens !

Heureusement qu’il nous a épargné les choristes, on est vieux quand même, on fatigue vite.

Le geste de John Axelrod est un peu emphatique, certes, provocateur probablement, mais pour autant, si on est content de voir que certains musiciens sont émus de l’adieu, je tiens à dire à ceux qui ont boudé le geste, quels que soient vos griefs, quel que soit votre talent, que c’est aussi un affront au public, qui, dois-je le répéter, via ses tickets, abonnements et impôts, représente quand même votre gagne-pain !

*vous ne connaissez pas la citation de Woody Allen ?

Il y en a une autre, dont j’ai oublié l’auteur et qui dit en gros : l’orchestration de Wagner, c’est écraser une mouche avec un rocher.

Je ne suis pas d’accord ! Mais alors pas du tout !