Musiques

Octobre 2013



Adam Laloum joue Schumann, un disque Mirare,


par Joseph Lena




Début 2011, Adam LALOUM arriva sur la planète piano avec un enregistrement d'œuvres de BRAHMS : et ce fut un choc !


Ce jeune pianiste de 23 ans interprète vraiment ces pièces sombres de la maturité du compositeur ; en lisant sa bio, on réalise qu'à 3 ans 4 ans et même 8 ans, il ne jouait pas de piano ; il a commencé à 10 ans ; ce n'est pas un petit "génie " mis devant un clavier en couches avec la suce !


En septembre 2013, parait son deuxième cd : il confirme, le bougre, qu'il peut oser aborder des œuvres réputées difficile à Interpréter : SCHUMANN , la grande humoresque opus 20, et la sonate opus 11.
Il y a peu de versions d'ailleurs au catalogue.

Adam a grandi plus vite que la moyenne ; à 27 ans il est totalement dans l'esprit tourmenté de l'auteur ; beaucoup de finesse, de sensibilité, et de la véhémence lorsqu'il le sent ; un très grand artiste, tel que POLLINI, ARRAU, LUPU, et une pianiste qui a fait une intégrale remarquable en 1974 / 1975 : Reine GIANOLI, ou encore, dans les versions récentes, Eric LESAGE ;

Adam Laloum, un artiste à suivre et à voir sur scène : je l'ai vu à la Folle Journée dans PROKOFIEV, il m'avait subjugué .
 

18/10/18

Ambrose Akinmusire Quartet

Alors que sort son nouvel album, « Origami Harvest », le très novateur trompettiste Ambrose Akinmusire a entamé une tournée européenne avec ses complices habituels, à savoir Sam Harris : piano, Harish Ragahavan : contrebasse, Justin Brown : batterie.

« Origami Harvest » ayant une orientation très multiforme, maelstrom calme où se croisent jazz(s), quatuor à cordes, rap et poésie, œuvre complexe et très audacieuse, un rien cérébrale peut-être, nous étions ce soir de concert bien plus dans la veine de son live au Village Vanguard. Avec les mêmes musiciens je crois.

Soirée formidable dans le doux confort de la petite salle Paul Fort.

Formidable parce que le niveau de musique était élevé, Ambrose Akinmusire particulièrement inspiré, et ses musiciens à fond à défaut d’être joyeux car il y avait un côté très sérieux dans tout ça…

AA ouvre le bal par une longue introduction solo saisissante faite de variations subtiles de timbres et hauteurs autour d’une série de notes contiguës répétées en salves dans un souffle quasi continu, impressionnante entrée en matière qui aurait pu n’être que démonstration de virtuosité et technique pure, mais pas du tout : la hardiesse de l’idée disparaît tout simplement derrière la beauté, la poésie et l’intelligence aussi…

Ce sera ainsi toute la soirée, alors que la musique malaxe complexité, sensualité et turbulence, d’inspirations les plus diverses mais toujours totalement idéalisées, stylisées, personnelles. La trompette d’Ambrose gardera imperturbablement le cap d’une rigueur narrative concentrée ; et si la dextérité est indéniable, point sur lequel je ne l’attendais pas - plus intéressé depuis ses débuts par l’inventivité permanente de son univers que par une éventuelle virtuosité technique -, jamais elle n’est gratuite ; à quelque moment que ce soit de son discours, direct ou alambiqué, à peine insufflé ou luisant de puissance dans des enchaînements stupéfiant d’adresse et d’idées, Ambrose raconte une histoire et s’y tient. Ce n’est pas si fréquent cette agréable sensation d’être en face d’un homme qui, dans une langue qui vous est totalement inconnue, vous raconte une histoire avec une passion telle qu’il vous subjugue par son intensité infusant un sens profond au propos mystérieux.

Même le lyrisme ne dévie pas de la narration, n’existe jamais par pur esthétisme. Festival de nuances et de couleurs, la trompette délivre éclat, murmure, sensibilité, tout et son contraire, et nous entraîne dans ses délires en clarifiant habilement le texte des idées qui les sous-tendent. Quel bonheur.

La puissance rythmique ou virtuose de ses partenaires suit l’entrain du patron qui leur laisse beaucoup de place et Justin Brown est possiblement plus présent, au moins aussi riche d’adresse, de timbres, de plans et de variété de jeu, que le boss, avec une liberté créative qu’une incroyable vitesse et précision de frappe lui octroient sans jamais négliger les nuances de toucher rarement aussi incisives et variées : un batteur d’anthologie sans aucun doute…

Pourtant…

… Parlons un peu de Justin Brown justement : s’il constitue un spectacle à lui seul, si une grande partie de la folie de la soirée a reposé sur lui, la luminosité de ce génial musicien vampirise parfois ses partenaires par une affirmation de soi, une sérénité de génie, un jaillissement permanent de brio qui escamote un peu les autres acteurs, et on se demande dans quelle mesure un duo n’aurait pas suffi. A preuve ce qui est probablement l’acmé du concert, cet arrêt du temps où Trompette, Contrebasse, Piano répètent une unique note scandant une progressive accélération rythmique jusqu’à l’incandescence sur laquelle Justin Brown s’envole comme sans effort pour atteindre une vélocité dépassant l’entendement, lui donnant la vedette incontestable. Nul reproche évidemment dans cette conquête de l’espace, un constat tout simplement dans lequel il n’est pas seul responsable.

Le contrebassiste au nom compliqué n’y est probablement pour rien, il semble particulièrement vif et adroit. Mais voilà : pourtant au 7ème rang et parfaitement centré, pile en face d’Ambrose, je n’entendais de la contrebasse qu’un bourdonnement lourd sans couleur, sauf dans les moments où il jouait seul qui prouvaient un talent émérite.

Le reste du temps, du fait de la sonorisation ratée de son instrument et de la présence foudroyante de Justin Brown, je le voyais tricoter des doigts avec une sensationnelle vivacité mais entendait le pire grave magmatique que la hifi aime souvent, totalement dénué de lisibilité.

Et puis Sam Harris le pianiste…

… bah, que dire ? S’il démontrait (et c’est le mot), dans ses moments solistes, une capacité à enchaîner des accords tordus, furieusement discordants et passionnants, lui aussi à une vitesse de Kalashnikov et avec une puissance de marteau-piqueur, de ces deux outils de destruction il partageait également le sens de la nuance.

Pas de phrasé, même dans les moments soft. Pourquoi pas d’ailleurs, si c’est un choix ; mais la pauvreté du swing et la simplification des modulations à deux niveaux de jeu - doux mais sans modulation ou tonitruants -, me font douter.

Ce qui retirait beaucoup d’intérêt à ces instants qui auraient pu être magiques d’un croisement ou surimpression de timbres sur les mêmes notes que la trompette d’Ambrose.

Bien sûr, on peut imaginer une volonté derrière cette opposition de style, mais je n’y crois guère. Je pense que si c’était entièrement maîtrisé, l’idée ne serait pas systématiquement utilisée et, qui plus est, Harris aurait pu moduler son jeu dans les longues plages où il jouait seul. Mais non. Une succession d’accords certes impressionnants plaqués à grande vitesse sur un clavier qui n’en pouvait mais, accords en outre un peu répétitifs à la longue, mélodiquement et rythmiquement.

En résumé, Ambrose nous embarque avec malice dans ses histoires, saynètes ou épopées singulières, débridées ou intérieures, Justin Brown nous submerge  dans sa nova, le bassiste s’agite vainement et le pianiste massacre son clavier sans un instant de lyrisme.

Début de la tournée peut-être ? Des petites choses à caler ? J’en doute car en réécoutant le live au Village Vanguard, je vérifie que si Harish Ragahavan y avait la légitimité dont nous avons été un peu privés ce soir, Sam Harris est bien le même.

En conclusion : le génie musical d’Ambrose, interprète ou compositeur, accompagné de musiciens au talent herculéen, a offert des moments sublimes, mais la musique n’a pas été transcendée par la complicité où la grâce comme il y a quelques mois lors d’un concert réunissant Emler, Ducret, Tchamitchian et Echampard par exemple.

Qu’importe car indéniablement, j’ai passé une formidable soirée !

Sans blague.

Intégrale des symphonies de Beethoven
Osmo Vänskä
Minnesota Orchestra
Bis

Des symphonies de Beethoven ?

Pas très original ?

Eh bien si, justement !

Une vision ? Non, pas besoin d’employer de grands mots : une relecture.
Telle en littérature les grands classiques dont on s’aperçoit en y revenant 10 ou 20 ans plus tard qu’on était passé à côté de tant de choses.

Car il ne s’agit pas chez Vänskä d’une posture décapante ou révolutionnaire qui, à l’instar des baroqueux,  surlignerait l’exégèse de l’anorexie, des accents outrés, ou d’une hystérie systématique des tempi pour faire moderne ; rien de tout ça mais plus humblement une approche singulière et mesurée, harmonieuse de bout en bout, basée sur une scansion rythmique rigoureuse absolument pas survoltée, limpide, n’hésitant pas à privilégier le staccato et sachant en même temps sinuer en grâces onctueuses par des ralentissements légers ou des fulgurances incisives, d’éphémères touches de délicatesse, atténuations dynamiques ou jeux de rebonds à des instants choisis pour souligner une particularité d'écriture précise.

Lecture méticuleuse, très animée et nuancée, Vänskä obtient dans son intégrale un résultat d’une extraordinaire précision, fondée sur une flagrante complicité entre un orchestre dévoué et un chef inspiré au profit d’une intelligibilité directe de l’œuvre refusant tout pathos, approche qui sans doute ne serait pas possible avec des lourdes phalanges historiques telles que Vienne ou Berlin, trop habituées à jouer Beethoven à leur manière ; or, la façon si élégante de Vänskä d’examiner consciencieusement les structures et couleurs de la partition produit le bénéfice idéal de rappeler combien ces opus rabâchés sont d’une innovation prodigieuse, agitatrice, atemporelle et sans équivalent, même si parfois on se surprend à entendre du Schubert dans l’aération solaire imprimée par Vänskä et ses complices.

C’est une part importante de ce dont nous sommes les heureux témoins : l’entente consommée entre musiciens, la joie de jouer ensemble, de raconter une histoire subtile à l’unisson, dans un même élan fusionnel. L’orchestre du Minnesota accepte avec le sourire les variations de lumière et teintes et rythmes auxquelles le démiurge les expose inlassablement, mettant en scène chacun des musiciens à cru sans que jamais aucun ne tremble ; mieux encore : la maîtrise est maintenue jusque dans des forte d’une cohérence idéale, aucun décrochement de puissance mal dosée, c’est époustouflant de justesse.

Ainsi baigne-t-on dans l’impression amusante que Vänskä n’interprète pas mais lit la partition sans rien rajouter ou retrancher, truquer ou embellir, il enchaîne l’air de rien finauderies, idées simples idéalement à propos, suggestions inédites pour systématiquement dégager l'espace nécessaire à sa conception du propos, une virgule rythmique, un léger accent sur un pupitre ou la mise en évidence de liens harmoniques communément fondus, bref déroulant une intelligence concertante en permanente évolution et d’une rafraîchissante légèreté.

Et plus d’une fois on se surprend à se dire : mais oui, c’est ça évidemment, c'est Beethoven...

Ce qui ne retire rien aux innombrables plaisirs de centaines de versions à travers les décennies, ça n’empêche pas d’adorer Karajan ou Klemperer, Abbado ou Furtwangler, Schuricht ou Gardiner, ou Zinman ou Järvi, ou la récente offre de Chailly (un diamant brut ! Il faudrait que je prenne le temps d’écrire là-dessus) mais Vänskä nous renvoie à une matière vierge qui désigne la beauté directe de l’écriture, son inventivité permanente, sa folie parfois, ses difficultés souvent ; et l’ensemble, refusant les effets somptueux ou simplement de resservir une même idée flatteuse, donne la compréhension de la richesse intrinsèque des lignes quitte à épuiser l’auditeur en lui interdisant de se déconcentrer, se laisser aller, qui découvre stupéfait les merveilleuses facéties de l’orchestration, d’idées bouleversantes entrecroisées, de jeux diaprés de couleurs harmoniques magnifiés par Vänskä et ses sbires.

La volonté d’articulation continue au profit d’une compréhension première de l’œuvre se poursuit avec les solistes et chœurs de la 9ème où là encore la parfaite intelligence du texte et des idées mélodiques est le mot d’ordre, permettant comme jamais de savourer la façon dont les lignes de cordes ou bois soutiennent au millième près les circonvolutions du chœur.

Bien sûr, dans la neuvième on pourra préférer une emphase romantique à cette approche éventuellement martiale, mais comment en nier la puissance tant elle évoque au moins autant le génie de Beethoven.

Lu comme ça, on pourrait croire que l’offrande de Vänskä nie toute forme d’émotion pour un décryptage totalement cérébral et froid ?

Pas du tout, bien au contraire, et c’est sans doute le plus surprenant : on plonge au cœur de la musique pure, on côtoie l’esprit supérieur qui l’a ciselée, révolutionnaire et hors pair, le lien devient direct, organique, puissamment émouvant par une connexion au Maître laissant entrevoir selon les instants son intransigeance, son orgueil, son humour, sa décontraction apaisée, sa distance amusée, son mépris, et sa formidable verve imaginative, sa stature colossale… Nous offrant plus que jamais une possible vision de musicien sur ces partitions que l’on croyait usées ou seulement mises au goût du jour par des frasques rythmiques, des accumulations de contrastes tenant le plus souvent de l’exercice de style.

La captation très multi-micro correspond parfaitement à la volonté de limpidité du chef, respectée par une livraison haute-résolution 24/44 sur Qobuz , même si cela engendre que les dimensions relatives des pupitres sont parfois étranges (notamment l’impression d’un petit ensemble de violons) mais participe intelligemment à l’allégement apparent (apparent seulement) de la structure avant tout permis par la capacité merveilleuse du chef à isoler ou lier les instants suspendus de chaque pupitre ou solistes.

Et pour conclure, félicitations à l'Orchestre du Minnesota absolument sans faille dans un exercice et une approche pourtant difficiles qui exposent terriblement les musiciens. Voilà qui nous donne un aperçu de ce que des orchestres de second rang, quasiment de province, peuvent atteindre s'ils se donnent la peine – ou le plaisir - de travailler.

29 octobre 2014

Hier soir au Grand Auditorium de la Cité des Congrès, concert de « Jazz » :

Bill Frisell Quartet

&

John Scofield Trio

2 parties d’1 h 15 sur une scène joliment éclairée, avec goût et des variations élégantes.

Je ne vais pas m’attarder sur la triste performance du Bill Frisell Quartet qui passait en revue la musique de guitaristes divers, du rockabily à la country, Chuck Berry, Beach Boys ou les Shadows.

Passé un beau début atmosphérique par l’échange de longues plaintes des deux guitaristes, on rentre dans l’ennui le plus total plombé par la calamiteuse rythmique d’une moissonneuse batteuse.

Je crois que j’aurais pu étrangler le batteur qui cumulait quand même toutes les vertus du méchant d'un film gore ; totalement dépourvu d’idée, il était capable d’une seule nuance : barrater comme un bourrin, écrasant tout le monde en swinguant comme une porte et ne se sentant absolument pas concerné par les variations de ses comparses. Il ne les écoutait pas de toute façon.

Le bassiste tournait pas mal mais ne sortait pas d’un unique thème de jeu qui donnait l’impression qu’il liait ses cordes d’une main ferme de peur qu’elles tombent et avec un sourire satisfait en plus.

Côté guitares, c’était mieux évidemment, un bon second qui a tiré quelques surprenants accords mais semblait un peu travailler à la pointeuse, et un Bill Frisell qui a quand même mis un peu de temps à se chauffer les doigts (le nombre de pains…) pour offrir quelques jolis jeux de couleurs et d’enchainements d’accords, mais franchement, c’est histoire de ne pas enfoncer cet immense artiste dont on se demande ce qu'il lui a pris d’une part de choisir un tel programme mais surtout sans une once d’idée, de créativité, de variations, voire même simplement de recul ou d’humour !

John Scofield ensuite, accompagné de Steve Swallow et Bill Stewart.

Bon, allez, ces trois-là allaient tout rattraper : un grand grand moment, de talent, d’inspiration, de beauté, de musique pure.

D’accord, Scofield nous a fait du Scofield mais avec quel panache, quel brio, quelle élégance, quel plaisir et quelle sympathie, sans jamais frôler la démonstration ! Les suites d’accord étaient souvent affreusement compliquées mais d’une légèreté absolue, d’une vocalité exquise, Scofield jouait beau, se baladant d’une énergie rock à une claudication blues, il faisait babiller sa guitare dans l’expressivité humaine d’un musicien qui n’a rien à prouver et qui n’a qu’un but : la Musique.

Bon certes, on était un peu dans ce jazz « chacun son tour », mais quand il s’agissait de céder la place à ses collègues, c’était toujours pour le bonheur des oreilles et du cœur.
Bill Stewart, accompagnant ou soliste, à défaut d’imagination (un peu toujours les cinq mêmes plans) révélait un sens des nuances ou du punch très habile, un swing d’une évidence idéale, une énergie constante et si parfaitement dosée, si intensément à l’écoute, quand bien même ce code du batteur jazz quand il joue en soutient de tout baser sur le « dziguiding dziguiding » permanent cymbale / Hi-hat personnellement m’insupporte, au moins le faisait-il avec une faconde aérienne.

Et puis il y avait Steve Swallow et sa 5 cordes multifonction.

Je vais éviter tout commentaire : ses doigts gazouillent, inventent sans cesse en état de grâce, une promenade bucolique enchantée, une déambulation de ballerine, l’incarnation du groove. Un génie.

novembre 2013
 

Carla BLEY, piano
Andy SHEPPARD, tenor and soprano saxophones
Steve SWALLOW, basse

Trios

chez ECM

par Pierre-Yves dB



Revoici la longue dame pas brune avec pour seul bagage un nouvel album, paru chez ECM (une première), reprenant cinq compositions/méditations nées de sa plume et sobrement intitulé «Trios».


L’affiche ne doit rien au hasard ou à un quelconque choix esthétique. Carla BLEY, Andy SHEPPARD, Steve SWALLOW …une association dont la longévité relève, sinon du prodige, du moins de l’étonnante capacité intuitive qu’a constamment chacun, en tant qu’être-musicien, à prolonger le geste créatif des deux autres. Il y a là plus que de la simple connivence.


Arrêt sur image : Une photo parue dans Jazz Magazine en septembre dernier montre Carla et Steve posant dos à dos (une habitude chez eux), un sourire malicieux aux lèvres… Jana, Janus veillent l’un sur l’autre, comme soudés par la somme et la force de leurs partages. 


Compagnons depuis presque toujours en musique et dans la vie, elle et il ont découvert en Andy l’alter ego idéal. Celui que l’on trouve presque sans avoir cherché, celui par qui la ligne devient triangle.


Ironie des nombres ? Trios désarticulés c’est aussi :

-    Trois lagons,
-    Trois mouvements,
-    Trois parties.


Utviklingssang, censée à l’origine (1980 ?) être une « protest song scandinave » de commande, se révèle une merveilleuse mélodie introduite par une basse typiquement swallowienne, où chaque note germe, s’étire et s’ouvre… (Coup d’oreille rapide à « duets » sorti en 1988. Le même charme ressuscite, 25 ans après). Tout y est mobile, lent défilé de couleurs ponctué de respirations retenues, pavane un peu dézinguée mais superbement élégante, errances contrôlées qui se retrouvent et se confondent…           


Vashkar, clin d’œil à Paul HAINES, le poète des mots d’«Escalator over the hill». Réminiscence amusée d’un moment indien.
Une sorte de raga orientaliste balbutié au dessus d’une voix de basse imperturbable, dérapages rythmiques contenus dans un miracle de cohésion.


Jazz par Henri MATISSE (titre du recueil éponyme constitué de 20 planches) ou « improvisation et vitalité ».

Lagon 1 (planche 17). Un masque de charleston mâtiné de middle jazz laissant par endroits transparaître une dissonance pourpre ou indigo, ou bleue, comme on voudra…   
 
Lagon 2 (planche 18). Soir s’invitant par une fenêtre ouverte sur l’émeraude fauve du soleil déclinant, corps alanguis dans le silence du vent léger…

(planche 19). Ritournelle à la SATIE qui se mue en comptine cuivrée, perdue entre les touches bluesy du piano de Carla.      

Wildlife (trois mouvements).

Thème en forme de point d’interrogation avec une pincée d’ELLINGTON (Horns), possession du grave par les pattes sans griffes de Steve (Paws without claws), laissant place à une danse toute en apesanteur, presque aérienne (Sex with birds).

The girl who cried champagne (trois parties).

Chanson brésilienne, décalée comme un motif de NASCIMENTO, jouée par une fille qui rit et puis qui pleure et puis qu’on console. Intermède sur la carte du tendre.   


L’impression d’ensemble c’est un sentiment d’accomplissement, de plénitude qui s’insinue, à l’insu de soi, hors de tout artifice, hors de tout effort.
Le non pareil qu’on attend chaque jour pourrait ressembler à ça.


Allez, dernier arrêt sur image :


Une main de femme dessinée par Jean COCTEAU, survolant le temps passant…

IVO POGORELICH.

Complete recordings. D.G.

Par Joseph L

J'ai depuis longtemps l'enregistrement de la fantaisie de Mozart que Pogorelich a enregistré en 1995 ; j'avais trouvé son interprétation passionnante par les contrastes qu'il y mettait ; dans cette pièce on passe du sage petit génie (Wolfgang) au musicien fantasque, et sa version accentue vraiment ces variations ; quand je l'ai écouté la première fois son interprétation, cela m'a mis devant les yeux le film de Milos Forman : un parti-pris très personnel ; et d'ailleurs Pogorelich et Forman ont été très controversés.

Chopin pendant très longtemps m'ennuyait, en fait ce sont les interprètes qui me lassaient par trop souvent leur grandiloquence ; quand j'écoutais une pièce de Chopin j'avais l'impression d'être malade ! L’approche de Pogorelich de la sonate n°2 est simplement fantastique ; c'est plein de couleurs, la mélancolie et la révolte se côtoient et j'ai été séduit, c'est vivant voilà.

Gaspard de la nuit est mystérieux dans Ondine, angoissant le Gibet et Scarbo très « hugolien » ; une interprétation que je range avec Perlemuter et Tharaud, en autre, avec des gens bien.

Arrive juste après la sonate n° 6 de Prokofiev : je vous conseille de faire une pause entre les deux œuvres, j'ai écouté les deux à la suite, un peu groggy à la fin !

L'opus 111 de Beethoven là aussi a fait hurler les gardiens de l'Interprétation académique.

Les tableaux d'une exposition est une version très lente qui m'a plu et un peu dérouté.

J'ai découvert sa version de la sonate de Liszt hier; je ne sais pas pourquoi j'étais passé à côté d'un tel bijou ; c'est encore une fois une interprétation qui ne satisfera pas tout le monde; les choix rythmiques sont radicaux, du pianissimo parfois à peine audible au forte tempétueux toujours sous contrôle, pas du tout tonitruant; ç'est tout sauf tiède, ce qu'il faut dans cet œuvre vous me direz, mais c'est loin d'être toujours le cas.  

Je mets un bémol à ce coffret : il y a des scories, entre autre sur Chopin, aïe, ça ferraille un peu ;  les prises de son D.G. n'ont jamais été les plus belles, mais je pensais qu'à l'occasion de cette réédition, ils auraient pu faire le ménage.

Je ne boude pas mon plaisir, c'est un beau coffret, qui ne plaira pas à tout le monde, soit…
   

4 mai 2015

STANDARDS & AVATARS

Cristal Records

David CHEVALLIER : guitare électrique - compositions/arrangements

Sébastien BOISSEAU : contrebasse

Christophe LAVERGNE : batterie

Par Pierre-Yves dB

Trois artistes en déséquilibre parfait (ou presque).

Sept cordes + quatre + des cercles, des ronds, des fûts, de la ferraille, du bois ligneux presque domestiqué, des cônes déconnants = une espèce de radeau bizarroïde, hétéroclite, paré pour la course singulière...

Pas une course-affrontement (avec qui d'ailleurs?), pas une course-cocagne à qui c'est qui ira le plus vite, le plus loin, le plus haut, pas une course barbare où l'on s'étripe à tour de bras, cohorte sanglante et braillarde ... Pas non plus une course-champagne avec canotiers et gilets bariolés, sourires factices.

Course placide et sereine en apparence, musardeuse, mais avec des accidents plus ou moins prévus ou pas du tout, magnifique et dédaigneuse, pied de nez aux canons du style, course-odyssée soumise au hasard, comme il arrive généralement sans qu'on s'y attende vraiment.

Le paradoxe du radeau, débarrassé d'accessoires encombrants et disparates tels mâts, voiles, vergues, gouvernail, ou superfétatoires du genre sextant, c'est que, privé du moyen d'influer sur sa destinée, il est totalement prisonnier, livré aux caprices exclusifs et jaloux des vents, des courants, des marées, mais pourtant absolument libre, insouciant, captif de la seule idée première, génitrice de son existence comme de son futur. Il est avatar par nature.

En course donc.

La vague humaine roule d'un bord à l'autre de Broadway, portée par une chanson de coin de rue dans laquelle il serait question d'amour et d'espoir (ou d'attente?). Chanson ici sans paroles, susurrée plutôt que fredonnée par des milliers de gosiers et dont l’écho bourdonnant résonne encore par-delà le Manhattan des années folles.
Bribes égarées et réinventées en tourbillon jour après jour, Betty Boop transposée en Desdémone éperdue, ou l'inverse selon l'humeur du moment. Cette histoire, écrite au temps infini, ne cessera jamais.
Mutation du prisme en grand huit, cascades solaires sans issue mais sans tristesse, un zeste d'ironie dans la mise en scène et quelques tours de passe-passe en clin d’œil, à saisir vite, impromptus.
Trampolino sonore, timbres décalés d'une joute d'aléas quand le labyrinthe prend l'eau de toutes parts.

Le radeau, simple et fruste, présente l'immense avantage de pouvoir se glisser sous les ponts les plus bas, les plus modestes, et ainsi d'explorer les méandres oubliés des mémoires obscures, à distance de la vaine agitation des espaces ordinaires, d'envahir nos songes à n'importe quel moment, n'importe où. Instants revendiqués et abrupts, révélateurs de nos solitudes.                  

Curieusement, les détroits familiers (Kern, Porter), mille fois empruntés auparavant, exhibent des contours inconnus et changeants, incongrus, à rendre fous les géographes. Les lignes claires explosent en une multitude de points autonomes et revanchards, allures libertaires d’îlots épars en perpétuelle errance.
Transfiguration fortuite de cadences bien ordonnées et modification à peine perceptible des battements de cœur, états sûrement consécutifs à l'effort que provoque une quête étrangère aux volontés initiales, quasi instinctive.
Pirouettes enchaînées en grand écart, laissant entrevoir une sortie possible.            
Idiome partagé, dédale miraculeux et si nécessaire où tout devient illusion, utopie, dédain des certitudes apprises.

Navigation circulaire, déchirée d'allers-retours convulsifs, même pas désirés. Choix de l'abandon inné, refus d'une lutte inutile et présomptueuse. L'esprit s'égare dans une dimension qui lui échappe, marionnette imbécile et agitée, guidée malgré elle.      
Réponses sans questions, en champ ouvert, sur l'ordre visible des choses, sur nos sentiments.

Havre tranquille, pesanteur du silence écorné ça et là par de brusques stridences étouffées, pudiques. Absence de couleurs ou plutôt monotonie d'une teinte sépia, aigre-douce, fade, morbide, celle d'un vieux journal oublié quelque part. Pourquoi alors cette impression de moiteur plaintive, immobile, comme hantée par le cri? Convocation de peurs anciennes, enfouies dans les tréfonds de nos pensées et réveillées en sursaut? Il y a longtemps maintenant, Billie Holiday nous a parlé d'une bien étrange et amère récolte... Silence des mots.
               
Fin de l'escale, violente, exténuante. Départ tout en douceur vers l'âge d'or quand le corps se repose et retrouve son calme. Illusion de facilité aussitôt démentie par le fracas de nos doutes (Car c'est ainsi que nous allons, barques luttant contre un courant qui nous ramène sans cesse vers le passé. – Francis Scott FITZGERALD). Réminiscence d'un air de comédie musicale, lequel déjà?   

«La vie est une collection d'accidents.»   F. S. FITZGERALD (encore).

Un avatar de tableau à la Chagall...

Extérieur nuit - Une guinguette assez classeuse laisse entrevoir par ses fenêtres illuminées un intérieur qu'on devine chaud et enfumé, peuplé d'ombres immobiles. Le store distendu à rayures sans doute grises et blanches, comme un costard de mac ou à peu près, surplombe un ramassis de lampions rouges, orangés et verts, disposés en guirlande, éclairant de manière diffuse la façade fichée sur un trottoir incertain et blême. En fait (il faut le savoir), le sujet intéressant c'est le chien noir, sans collier semble-t-il (comme le radeau, quoi), qui pisse un peu plus loin contre ce réverbère passablement tordu, émergeant avec peine d'un halo tout poisseux de brume jaunâtre.        

Dominique PIFARELY

Time Geography

POROS Editions

Par Pierre-Yves DB




Compositions de Dominique PIFARELY

Ensemble Dédales

Dominique PIFARELY : violon
Guillaume ROY : alto
Hélène LABARRIERE : contrebasse
Vincent BOISSEAU : clarinette, clarinette basse
François CORNELOUP : saxophone baryton
Pascal GACHET : trompette, bugle
Christiane BOPP : trombone
Julien PADOVANI : piano
Eric GROLEAU : batterie  



D’après le dico, un ensemble formé de 9 musiciens, femmes ou hommes, est un « nonette ». Que l’ensemble en question ait pour nom Dédales ne change rien à l’affaire, c’est un « nonette ».


J’ai beau objecter que « nonette » ça sonne pas terrible à mon goût, on me rétorque que ça vient de très loin, du latin pour tout dire, et qu’il serait bien impertinent, voire outrecuidant, celui qui s’aviserait de contester nos origines langagières. Y’a pas à ergoter, c’est comme ça et pas autrement, c’est un « nonette » qu’on vous dit !

Je n’en pense pas moins (tout de même, le nonette Dédales…), mais allez discuter avec un dictionnaire.

Encore heureux que ce ne soit pas une nonnette, le petit gâteau rond super sucré fabriqué au départ par des nonnes, d’où son appellation, qui parfume encore un recoin de mon enfance, comme la madeleine à Proust quoi.

D’autant plus que, étymologiquement, une nonnette est une jeune nonne, donc une seule personne, soit le contraire d’un ensemble. Faudrait alors dire un ensemble de nonnettes, donc un couvent…
Franchement, le couvent Dédales, ce serait pas mieux du tout et, enfin, pas vraiment approprié au mélange de musiciens mâles et femelles, même ayant de la religion.


On pourrait peut-être tout bonnement s’en tenir au nombre neuf, mais là le doute m’assaille. Imaginez un peu un orchestre baptisé « Marcel JAUNET et ses neuf têtes », hydre d’un genre particulièrement ridicule ou alors…une autodérision bien salutaire par les temps qui courent, loin de l’hubris affichée par certains. Il reste que l’esthétique en prend un sale coup derrière les oreilles.

Ensemble Dédales : c’est simple, c’est élégant, ça interroge.

Pour l’anecdote, cet ensemble, fondé en 2005 par Dominique PIFARELY, n’a publié que 2 enregistrements : Nommer chaque chose à part en 2009 et Time Geography en 2013.


A priori, c’est davantage le signe de l’authenticité et d’un aboutissement artistique, même éphémère, que celui d’une pure logique mercantile…



Dominique PIFARELY : « La musique comme lieu d’exploration de notre rapport au monde n’a de labyrinthique, éventuellement, que le chemin personnel qu’on y trace. Mais le labyrinthe, de prison est aussi devenu un jeu, et chercher son chemin, un impératif… Entendre l’effort, c’est entendre le mouvement de la pensée, c’est percevoir le déplacement physique, sensible, du discours musical et donc la possibilité de faire le chemin soi-même…».    

Time Geography : 5 pièces.

Ordinary chaos

Tension grise dans le sombre. Piano gardien des portes et maître des clés.
D’instants chavirés en errances ouvertes, on cherche l’air.
Batterie comme pierre qui roule, fuite à se cogner la tête contre les murs, plaintes dures…
Tout à coup, fortuite, presque décalée, naît une badinerie amoureuse entre la basse et le sax baryton, comme un morceau de ciel permis par la libération du vent.
Exploration de l’espace conquis, illusoire, comme retenue par un fil.
L’harmonie s’installe, brève mais sublimée par l’effort.
Métamorphoses du temps présent.   


Per angusta

Intervalles étroits… Où se glisser ?
Trame tissée sur un arc de brumes éthérées, zébrées de clair et d’obscur.
Nasse des cordes emprisonnant l’oiseau. Étirements paradoxaux entre le triste et le rire.
Jeux polyrythmiques, patchworks de l’alto striant les ostinatos graves s’organisant peu à peu en ritournelle concertante, façon groove néo-orléanais.
Lutte de pupitres enfin dominés par le trombone a capella. Alliance magique voix/métal, comme dédoublée.
Complainte amère se transposant à l’envers et mourant en unisson.   


Slow science

Questions/réponses en motifs interrompus où bribes et fragments se mêlent.
Tempo juste souligné, cheminements qui se nourrissent des parcours accomplis.
Trompette Parkerienne, modulation en escalier.
Violon complètement déjanté sur des incantations sourdes…
Bruit et fureur, structuration/déstructuration d’un monde de nuances. 


Beirut work song

Jalons jetés, serpents issus du tréfonds repoussés en surface…
Emmêlements et étouffements sur une pulsation de vie, rageuse, annonçant la marche.
Embrasements et renaissances, cacophonie des haleines.
Reprise de la marche en enfermement, comme une toile ironique de BRUEGEL, où persiste malgré tout la dominance de l’humain et la concordance des temps…


Chaos, ancient noises

Eloge de l’inachevé et de la rupture.
A bout de souffle.
Jeux de rimes et espoir de danse à la manière ancienne.
Echappée belle, unique et inquiète.
Retour s’intégrant à la mémoire.



L’écoute de Time Geography ne peut être superficielle ou simplement distancée, tant l’œuvre est exigeante et demande d’implication, si l’on veut accompagner la progression de la pensée mais aussi ressentir, de façon la plus organique possible, l’occupation du temps et de l’espace réalisée par l’ensemble Dédales.

Même si la musique, intemporelle par essence, est toujours finalement occupation de temps et d’espace, sont ici continuellement perceptibles les mutations/migrations nées de l’intention et de la liberté (le mouvement de la pensée) qui lui confèrent puissance et originalité.  
Violoniste de grand talent et compositeur inspiré, Dominique PIFARELY se révèle aussi en véritable dramaturge.

Son art d’agréger les motifs, de les rendre protéiformes, de les dissocier et de les réunir, de leur insuffler cette tension et cette mobilité constantes, lui permet de tisser une sorte de canevas où s’exposent et se rassemblent, de façon quasi autonome, les séquences réunissant en miroirs pluriel et singulier, tout en exprimant leurs couleurs comme leurs apparences propres.

L’histoire ou plutôt les histoires naissent du mouvement, de l’effort, et prennent sens au fur et à mesure qu’elles se racontent. En l’absence de continuum préparé, la pérégrination peut ainsi emprunter des voies diverses, sans craindre de se retrouver au point de départ. Un peu comme si la composition n’était qu’un prétexte (l’apport du vocabulaire) et non l’alpha et l’oméga du cheminement musical.

Situé à la croisée des tessitures et des timbres, le saxophone baryton de François CORNELOUP (mais pas que lui…) illustre à merveille cette perpétuelle recherche de l’aller-retour entre formes ouvertes et écrites qui concourt à rendre tangible l’ancrage autour duquel s’articule le discours collectif ; à la manière d’un feu follet explorant sans cesse l’espace laissé libre par l’agencement des thématiques.
La dynamique issue de la conjonction des intentions et de l’expression engendre alors d’elle-même l’arc en ciel sonore qu’est la signature identitaire de l’ensemble Dédales.

Mais un arc en ciel mutant, couleurs dont le prisme varie sans cesse et sans cesse au gré des climats vagabonds, au gré du cri et du chuchotement, au gré de nos propres résonances.   

Du chaos ordinaire qui s’inscrit dans ma mémoire, je retiens le cheminement intérieur, le regard tourné en soi… Ils permettent la rencontre comme le partage, si nécessaires à la liberté de l’être.


Dominique PIFARELY : « …Sans doute un enjeu de la musique aujourd’hui : reconquérir cette capacité à vivre la musique activement, et le partage de l’effort qui la fait naître… »  

Une démarche profondément humaniste, non ?

 

Juin 2013

Tower, volume 1 de Marc Ducret, Mompou par Arcadi Volodos, Bartok, Eötvös, Ligeti par Patricia Kopatchinskaja, Blizzard par Fauve (non, ce n’est pas la sculpturale danseuse), Shannon Wright, Savages, Depeche Mode, pfiou…

Par Alain



Commençons donc par Marc Ducret et le premier volume de Tower.
Avec Kasper Tranberg (trompette), Matthias Mahler (trombone), Fred Gastard (saxophone basse), Peter Bruun (batterie).


Si j’ai bien compris ce qu’on m’a expliqué, Tower est avant tout une expérimentation de scène, sur des structures et des formations changeantes.


Et si j’ai bien compris, les compositions seraient bâties autour de divers extraits de « Ada ou l’ardeur », de Nabokov, mon Nabokov préféré soit dit en passant.


Peut-être est-ce en référence au bouquin que ce disque, pas vraiment facile, dédaléen, nerveux, bondit sur des voies sans cesse changeantes, comme un cache-cache incessant rendant l’opus complexe et passionnant, tout particulièrement la première et longue plage Real Thing 1 (21’49), faite de successions de climats et variations parfois acrobatiques mais jamais démonstratives ni gratuites !


Inventivité de tous bois, aussi bien dans les mailles fines des juxtapositions sonores que dans les foucades rythmiques, la musique de Ducret enchaine des jets d’urgence toujours impeccablement maîtrisés et incroyablement structurés en dépit d’une revendication à l’improvisation ouvrant quelques portes de liberté aux musiciens toujours sous-tendues par la présence des autres comme en tapinois. Quelques brefs segments mystérieux se rassemblent rapidement en des zones de spasmes, de folie nerveuse, tout juste entrecoupées par de fusants intervalles consonants, et repartent vers des échos de Zappa se fracassant bientôt sur des piliers Crimsoniens, dans un jeu de fausses pistes toujours intéressant, toujours surprenant et toujours parfaitement tenu par des instruments engagés, de haut vol, haubanés par un batteur très subtil glissant ses jeux de frappes pertinents dans les interstices étroits laissés par ses collègues doués aux sonorités puissantes et enchevêtrées imprimant à la fois du grain et des timbres incisifs encadrant les riffs acides de Ducret aussi inquiétants qu’une alarme d’ECG…


On peut facilement se perdre dans ce dédale sonore fait de tensions où parfois les sentiers se rejoignent mais jamais longtemps, à l’exception d’un incroyable gué vers la fin de Real Thing 1 où les instruments qui semblent beaucoup plus nombreux que la réalité, s’unissant en canon de proportion au déroulement patient, édifient par strates une herculéenne trame envoûtante et percutante.


Attention, si vous aimez le sucre classique et lénifiant façon Ibrahim Maalouf (Wind : du spécial Télérama ou comment parodier la BO « d’Ascenseur pour l’échafaud » revue par Morricone), passez votre chemin, si vous aimez les puzzles complexes qui même une fois assemblés forment un figure abstraite, foncez sur ce disque !

Tout ce que je décris ici ne vaut que sur un système de reproduction particulièrement expressif ! J'ai écouté partiellement ce disque aujourd'hui sur un ensemble plus banal quoique coûteux (en test chez nous) et je n'ai pas tout compris de ce que j'ai ressenti dans les lignes ci-dessus !

Pour les amoureux de son, la captation est très réussie, la pâte sonore précise et vigoureuse, seule la mise en espace est factice, mais somme toute créant une scène imaginaire qui permettrait à la batterie de se faufiler un peu partout entre les autres musiciens, ce qui correspond parfaitement au jeu.
 

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Côté classique, je vais enfoncer une porte ouverte :


Arcadi Volodos joue Frederico Mompou.


Ce disque adulé de partout est magnifique de bout en bout, tissant un portrait quasi-debussien pour une musique si absolument originale, pas réellement impressionniste, mais évocatrice de sentiments contradictoires, explorant les méandres de l’esprit humain, que Volodos distille avec une sensibilité frémissante, subtile, raffinée, un langage proustien, un univers poétique positif, répandant une pluie de timbres, déployant une précision rythmique ciselée de retenue, en humour, en délicatesse, c’est tout simplement beau, sans éclat inutile, sans le début du commencement d’une fioriture, d’un effet gratuit, d’un excès pondéral, c’est aussi léger que le bruissement des élytres d’un sphinx colibri !
 

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Bon, histoire d’être un peu moins raccord avec l’actualité, je vais vous parler d’un disque un peu plus ancien, à savoir le superbe programme choisi par Patricia Kopatchinskaja, que par commodité technique je désignerai par PK dans la suite, accompagnée de Peter Eötvös et le Frankfurt RSO.



Programme Bartok, Ligeti et Eötvös !


Un parcours très très pertinent et enthousiasmant, autour d’un berceau géographique commun, les Carpates !

Annonçant le caractère effrayant des trois œuvres, le Bartok est chargé de mélancolie dans ses grincements, ses plaintes, ses cris de tristesse et ses sursauts rythmiques douloureux par la fougue incendiaire et la liberté sous contrôle de PK, qui déroule l’épreuve avec la décontraction souriante qu’on lui connait, soutenue par un orchestre qui accepte de suivre l’engouement de la gamine, un chef sous le charme, d’une subtilité idéale pour illuminer l’œuvre d’harmonies évanescentes et d’un lyrisme nerveux. Liberté, certes, accompagnée de volupté et de quelques égarements de romantisme, certes, mais qui jamais ne nous éloignent de Bartok, ne paraissent incongrus, et révèlent bien au contraire une clarté du discours qui retire à l’opus cette gangue d’inaccessible distance qui alourdit ou cérébralise bon nombre d’interprétations renommées.

Le « concerto » démembré et halluciné d’Eötvös, Seven, est vraiment bien foutu, évite les facilités codées d’une musique contemporaine à répétition dans ses manies de cluster théâtraux pour au contraire proposer des espaces surprenants entre désolation et dévastation fondés sur des cadences éparses, des jeux de timbres et de vide insufflant une poésie noire, bancale mais poignante à cet hommage macabre.


Pourtant, le zénith est atteint par le concerto de Ligeti pour violon et orchestre de chambre, cinq mouvements d’une fantaisie peut-être burlesque, déroutante sans austérité, même très digeste, pétant de couleurs sombres laminées de vitriol, de contorsions malignes, audacieuses et prégnantes, d'humour grimaçant construisant une harmonieuse bâtisse faite d’immatériel et de matériaux incongrus et discordants où parfois on croit reconnaître de ces pierres déjà vues et qui ne ressemblent à nulle autre. S’immergeant dans une série de tableaux complexes, hallucinants, enragés, de bacchanales saugrenues, les musiciens nous accompagnent dans une peinture déjantée d’harmonies nouvelles et magnifiques obtenues en partie par l’interférence entre instruments accordés et désaccordés qui déploient devant les ténèbres de fond des salves d’espoir, de refus du destin, telles ces notes fusant dans la cadence infernale du violon solo !


Merci à PK, que nous avons admirée pour son ardeur, sa sensibilité, son enthousiasme superlatif, sa générosité sur scène, de nous proposer un programme riche, original et rare, et de le magnifier de bout en bout !


Le son du disque est un peu déroutant, un peu hifi, d’une précision et d’une présence artificielle, nous plaçant dans une position improbable, à une distance de l’orchestre qui n’a pas de sens et qui de fait, synthétise un peu la dynamique, mais au moins est-ce cohérent et propre à défaut d’être vraisemblable.
 

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La bizarrerie (je me trouve gentil soudain !) du mois maintenant :

Fauve : blizzard.


Mouais, ça ressemble encore à un pur produit de mercatique, ce truc, ce collectif créateur...
Woodkid aurait-il lancé une mode de produits branchouillés calibrés pour public de nantis béotiens qui achètent les Prix Goncourt pas pour les lire mais en exhiber le macaron dans la jolie bibliothèque gris taupe ?

Car la pochette est accrocheuse, un logo nickel ( symbole d'inégalité ? Quelle farce ! ), efficace donc racoleur, qui peut se décliner facilement, et la conception est axée sur une complainte, las tournant vite à l'incongrue contestation bourge d'un jeune homme épargné par la vie, dégoulinant d'une morale « hyper » profonde façon le grand philosophe Patrick Bruel, positionnement bobo qui rappelle en pas drôle ce que pastichaient les Inconnus avec « Auteuil Neuilly Passy ».


Musicalement, que dire ? Ce n’est pas vraiment mauvais, la trame de fond présente une forme d’élégance, la moelle sonore n’est pas honteuse mais la scansion pseudo-revendicatrice, le débit agité du… Du quoi ? Du narrateur ? Parce que ce n’est ni rap, ni chant, ni slam, ni réelle déclamation, bref ce trépignement de colère avec les petits poings levés « Ouuaieuh, la vie c’est PPas juste et les hommes, y sont Mééchants ! » est vite énervant, la voix de lycéen du 16ème qui se révolte en arborant un T-Shirt NTM sous une veste Yamamoto fatigue par son rien alors que, surpris par les rares instants un peu lyriques, on se demande bien pourquoi ce gringalet de l’octave ne s’est pas lancé à chanter tout le long, c’est plutôt mieux !

A cause du débit, peut-être. Oui, ben simplifie le texte, on comprendra aussi bien.

Le texte donc ? Sans doute l’intention générale est louable, porteuse d’une évidente bonne volonté compassionnelle et, de ce point de vue, il y a des passages habilement ficelés, mais si peu spontanés ; car le côté bon élève qui emploie des gros mots pour faire peuple ne vole quand même pas bien haut, voire tombe à plat en basculant dans le vulgaire par la sélection spécieuse d’un vocabulaire censé choquer et qui ici fait rire où on est quand même loin d’une revendication rap de lutte des classes.
 

A ranger dans la discothèque dans la même catégorie que Marc Lévy (ou Guillaume Musso) en littérature ?
 

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J’aime bien le dernier album de l’énigmatique Shannon Wright, trop souvent renvoyée dans l’ombre de la géniale PJ Harvey, de l’insaisissable Cat Power ou la rebelle Patty Smith : In Film Sound, jailli sur les chapeaux de roues par un uppercut fiévreux au son crade, sait aussi basculer vers une ballade en pentes raides ou des apesanteurs faussement paisibles d’une sophistication démesurée et désarmante dans la production si crue de la dame.
Dans le « même » style steak tartare, j’aime bien l’album franc du collier des quatre filles de Savages, Silent Yourself, post-punk pêchu, très rock, énergique et tranchant, ça envoie du bois, c’est brûlant mais pas violent, un son brut mais travaillé, avec un parti pris de production soigné qui s’affirme par un positionnement particulier, comme un peu en retrait dans la réverb, de la voix de Jenny Beth ; j’aime bien le dernier Depeche Mode, Delta Machine, pas franchement imaginatif ni novateur et cependant insolite ; très agréable à savourer, l’album se dévoile lentement au travers des sonorités propres à ces éternels charmeurs qui, probablement parce qu’elles s’articulent autour de thèmes blues, contournent habilement l’autocopie, voire renouvellent la ferveur du groupe dans une continuité rassurante arc-boutée sur la voix de Dave Gahan qui sera sans doute immortalisée au panthéon de la pop. C’est quand même bien meilleur que les précédents et notamment Playing the Angel.

22 novembre 2014

Einstürzende Neubauten : Lament & The Survivor’s Suite de Keith Jarrett.

Par Alain

Einstürzende Neubauten  (littéralement « nouvelles constructions en effondrement » mais je préfère l’idée de « ruines nouvellement construites ») est un groupe allemand (oh ?) de musique expérimentale à tendance industrielle, fondé en 1980, et qui s’est d’abord caractérisé par des sons très, comment dire, concrets ?, dus à l’utilisation d’« instruments » fabriqués par les membres du groupe, percussions diverses ou autres obtenues à partir du recyclage de matériaux peu orthodoxes, tubes de fer ou de PVC, caddys de supermarché, tuyau de clim, perceuses ou marteau-piqueur.

Mais au-delà de cette anecdote technique, le groupe a produit une musique anti-conformiste, fascinante, navigant de phrases heurtées à de longue séquences legato répétitives, des sonorités pures ou herculéennes inventant un univers très engagé sans équivalent direct et à tous points de vue puisque le groupe a flirté du côté des mouvances anarchistes, prenant souvent une distance ironique à l’art (Silence is sexy), structurée par la voix voluptueuse, gutturale ou nasale, c’est selon, expressive et solide d’un des leaders, le dandy Blixa Bargeld (c’est pas son vrai nom) qui, soit dit en passant, a aussi accompagné Nick Cave à la guitare dans les Bad Seeds pendant 20 ans.

Lament est semble-t-il une commande dans le cadre des célébrations de la guerre 14-18.
Les musiciens d’EN, après avoir hésité, se sont emparés du projet avec une abnégation totale, et le résultat est intense, intelligent, captivant, épuisant, impliquant, hypnotisant…

Sans doute les fans de la première heure ne s’y retrouveront pas complètement, mais qu’importe, chaque morceau est un univers additionnel dans une mappemonde cohérente de la folie destructrice ; ainsi l’introduction évoque l’abomination de la machine de guerre par une agglomération bruitiste de grincements et torsions métalliques qui vont violemment crescendo, cheminant comme un incontrôlable rouleau compresseur chthonien, confus et impitoyable, broyant l’humanité sur son passage, l’ascension irrépressible d’une sauvagerie fracassante glaçant le sang…

Sans rentrer dans le détail, cet oratorio figuratif superpose les styles, incluant des figures anciennes telles que le lamento ou le motet, les ambiances, les langues et langages, allemand, anglais, néerlandais, ainsi le second morceau, mixture d’hymnes nationaux en plusieurs dialectes à la fois drôle et provocant.
Le texte mélange des litanies d’origines diverses, lettres du front, messages enregistrés, tout fait ventre à une « magnifiquement crépusculaire» pantomime à la fois baroque et poisseuse, qui prend aux tripes, interminable et douloureuse, sans pourtant négliger les grincements de l’ironie brechtienne.

Ainsi cette sorte d’horloge mystérieuse qui égrène les 1500 et quelques jours de guerre en accélérant jusqu’à tourner folle sous les jalons temporels au rythme des atrocités scandés par les voix féminines et masculines annonçant les années, les pays impliqués, les champs de bataille qui dessinent une étrange carte boréale nous rappelant avec une froideur journalistique, mécanique, implacable, l’horreur qui a engloutit tant de nations dans un maelström sanglant.
Ou encore cette longue plage dont l’introduction brumeuse ciselée par un instrument à percussion si intelligemment maîtrisé évoque une bataille vespérale reculée, des tirs sporadiques, cette sensation que le front n’est jamais loin, accélérations fugitives des échanges de coups de feu, un canon de campagne parfois peut-être, invoquant avec un talent fou et une simplicité éloquente le ressenti probable de cette guerre pour beaucoup, le sentiment étouffant, épuisant, affligeant, que la bataille rode, dans un champ trop proche, écho menaçant en permanence, sauvagerie insidieuse, impalpable, invisible, en approche feutrée, promesse d’abîme.

Il y a le morceau titre, Lament, en 3 parties, immédiatement émouvant, sans fard, sans exagération, une scénographie simple et lancinante, une histoire ponctuée d’éclats ferraillant, un chœur mêlant des voix diverses en un canon mouvant, le temps suspendu, un thrène sans mot qui vogue du côté de l’universel sacré des limbes (repris de Perpetuum Mobile ?), un intermède cinglant évoquant à nouveau la machine de guerre et l'écroulement vers l'enfer et le final Pater Peccavi, construit sur le motet du même nom composé au 16ème siècle (Jacobus Clemens non Papa) sur lequel ont été greffés des enregistrement de prisonniers de guerre sur cylindres de cire, là encore un instant perturbant, déstabilisant, dérangeant…

Il y a aussi cette performance extravagante et si percutante de Blixa Bargeld animant un texte de Joseph Plaut, jeu d’acteur sidérant d’ironie, austère et mordant, usant de l’expressionisme outré d’un opéra de Kurt Weill et se terminant sur les cris « Hitler, Hitler ! », pour apostropher toutes les nations complices d’un conflit ô combien meurtrier qu’elles ont par cette guerre et la gestion funeste de la suite contribué à créer l’abomination ultime, l’apocalypse, le triomphe du mal, le mouvement perpétuel de la barbarie…

Lament est une œuvre pure, c’est gonflé, c’est assumé, c’est un véritable devoir de mémoire dans sa plus grande noblesse, c’est dramatique, c’est beau comme hélas parfois l’horreur peut le devenir quand elle est peinte par des artistes supérieurs !

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Keith Jarrett, the Survivor’s suite

ECM 1976

Suite en deux parties composée par Keith Jarrett, enlevée par Keith Jarrett (piano, saxo, flûte, célesta), Dewey Redman (saxo ténor), Charlie Haden (contrebasse) et Paul Motian (batterie et percussions)

Bon d'accord, 1976, on n'est pas dans la nouveauté…

Mais avouez que « the survivor’s suite » après la célébration de la guerre 14-18, ça a du sens.

En outre, pourquoi devrais-je m’interdire de parler de disques un peu anciens après tout ?

Ancien mais pas daté.

J’ai ressorti le vinyle pour le présenter à notre ami grand spécialiste du jazz, celui qui écrit des chroniques exotiques dans nos pages, qui à ma grande surprise ne connaissait pas l’œuvre en question.
J’ai installé la galette sur l’Acoustic Solid Wood MPX (préamp phono Vida Aurorasound, ampli By staCCato, enceintes Living Voice, câbles Absolue C) et nous avons savouré, dévoré en symbiose l’opus majuscule du début à la fin, sans un mot ou un commentaire mais en discernant bien que nous partagions une émotion essentielle.

The Survivor's Suite est un chef d’œuvre souverain.
Dans mon monde d’élection passionnelle, c'est « Le » Keith Jarrett, celui qui a relativisé quelques-uns des nombreux autres, celui qui a placé si haut la barre de ma perception du jazz que j’ai eu du mal à trouver mon bonheur ailleurs dans ce « genre » souvent autocélébré par une répétition navrante de codes fatigués.
Et probablement le disque de jazz, si c’en est, que j’ai le plus écouté à travers les années.

Après une intro mystérieuse, exotique et lancinante à la flûte à bec basse (jouée par Jarrett), percussions et contrebasse, commence le cœur du voyage fusant et indistinct de cartes postales allogènes, animées et féeriques ; et pas un instant l’élocution comburante d’une méditation éveillée ne faiblira, l’imagination, dopée par l’alliance de musiciens au-delà de la connivence, ne cessera d’asséner l’enchantement primitif au cours des deux plages de cette suite époustouflante au sens littéral du terme, envoutante, prenant à la gorge au plexus au cœur, conduisant l’auditeur dans les détours d’une ballade intrépide et absconse à travers toutes formes d’excitations, tourmenté, illuminé, irradié, secoué, étourdi, enivré, abasourdi, de couleurs, de sensations exquises, de contrées réelles ou inventées.

Fresque dense, touffue, coloriste, labyrinthique aux rythmes et enluminures variés, la Suite ondule de l'âpreté à la poésie, du sombre au lumineux, des enchantements de l'orient à la démonstration conceptuelle de l'occident via des transitions imperceptibles, des variations délectables en pure sensation comme l’eau d’un chaud orage d’été s’écoulant onctueuse des cheveux sur le visage, le cou, la peau, sensualité tourmentée stimulée par quatre artistes au zénith de leur verve.

Dewey Redman, au saxo ténor d’une esthétique si particulière qu’on se demande vraiment pourquoi ce musicien si intense sur cet opus hors norme, est trop rarement considéré à sa juste valeur, ici revisite allègrement toutes les influences, les essences, les styles avec une aisance tranquille et une beauté sonore, une dextérité sereine et un phrasé solaire d’une rare souplesse, alternant murmures sensuels et éclats barrés parfois abrasifs du free dans un même élan, des fulgurations qui s’enchainent sur tous les tons, les cadences, les envolées, et un porté de notes si singulier qui explique peut-être qu’après le quatuor américain, Keith Jarret formera son quatuor européen avec Ian Garbarek.
Jarrett, que ce soit à la flûte, au saxo et évidemment au piano, brille de toutes ses flammes, difficile de séparer sa vaillance animée, sinueuse ou piquante, mystique en quelques instants d’illumination inénarrable, de celle de Dewey Redman tant les errances sidérantes des deux musiciens se couronnent, se poursuivent, s’entrecroisent, s’illuminant l’un l’autre, un enchaînement superbe de liberté féconde, flamboiement d’une musicalité sans un instant de facilité, passages d’une architecture végétale, florale, minérale, cérébrale et animale complexe, enchevêtrement de puissance ignée et de flux d’une légèreté aérienne divine…
D’ailleurs, on ne peut séparer aucune des prouesses des quatre musiciens tant elles s'interpénètrent magnifiquement, un sommet de l’Interplay cher à Bill Evans : Paul Motian, très en verve et évitant tous les codes du genre, garnit tous les espaces libres, sa batterie aux timbres si reconnaissables chante et danse, tisse des ornements exotiques dans une lancée au moins aussi lyrique que ses trois complices, virevolte sous les roulés d’un fruité frissonnant ou les frappés glissés bâtissant en volubilité fourmillante une structure rythmique en évolution permanente, Charlie Haden détaché dans un tourbillon d’idées et de teintes, de nuances, de boisés sublimes, tourne, valse, groove autour du tempo, nous emportant dans une chorégraphie funambulesque qu’on aimerait ne jamais voir s’arrêter…
Et puis, il y cet instant de poésie pure, cette excursion frémissante où le temps arrête sa course, Charlie Haden en état de grâce, accompagné par le célesta tout en délicatesse angélique de Jarrett, nous maintient suspendus sur la lisière du vide à chaque note posée d’une inspiration vibrante, si sensible, oblongue, directement liée au cœur, la beauté du boisé sur un sillon de velours, pour nous retenir par la suivante, précipices oniriques qu’une Fée Clochette nous aide à franchir en apesanteur.

The Survivor’s Suite est l’expression adamantine d’un art atemporel, un classique aristocratique, bien au-delà des genres, qui ne subira jamais la moindre ride car chaque époque lui apportera son éphémère perception.

Sad and Beautiful

Andy EMLER piano
Claude TCHAMITCHIAN contrebasse
Eric ECHAMPARD batterie

Label La Buissonne

Par Pierre-Yves dB

Sur la table, une page blanche, immaculée, vierge de toute cicatrice, ignorant les lignes et  leurs secrets…

Plus loin, mais pas trop, la boîte à mots où l’on pêche au hasard le tout venant qu’il faut, à force, triturer un peu pour l’adapter à ce qu’on a tiré de la boîte à songes posée juste à côté.

Comme par un fait exprès, certains mots retravaillés, reconstruits avec application, ont une propension malsaine à se carapater, à se replacer n’importe où, de préférence dans les coins les moins visibles, les plus sombres et ça provoque un sacré désordre.


A portée de main, la boîte à signes divers : guillemets, tirets, parenthèses, cédilles, accents graves et drôles, circonflexes, génuflexes, virgules, points virgules, points tillés, points tout court, doubles, triples, stratégiques, points d’exclamation, d’interrogation, d'opination du chef, de suspension, de chute, de vue, de côté, d’orgue, de ralliement, embonpoints, bons points, mauvais points, points à point, points à point nommé, contrepoints, pointsalaligne, pointsfinals…

Et encore, la boîte à citations dont il ne faut guère abuser sous peine d’avoir l’air plus crétin que cultivé.

Et encore encore, la boîte à locutions du genre « et cetera » que l’on utilise à tours de bras dans tous les contextes, que l’on met à toutes les sauces, indiscutablement devenue une propriété de langage très chère aux mass médias et présentant l’énorme intérêt de n’en avoir aucun.

Donc deux boîtes à éviter si possible.

 
PERNAMBOUQUE

Un lieu magique situé quelque part au-delà des îles. Petite terre circulaire en forme de dôme léger, sur laquelle se succèdent, dans sa partie la plus basse, le Bairro Triste et, dans sa partie plus élevée, le Bairro Belo. A ce qu’on dit, les habitants du quartier triste sont souvent joyeux et ceux du beau quartier quelquefois tristes. A ce qu’on dit, ce serait comme ça depuis toujours.  


Bercé par les alizés, c’est le pays où poussent les archets.

Curieusement, les archets les plus longs, pour violoncelle et contrebasse, ne prennent racine et croissent que dans le Bairro Triste (J’ai interrogé Monsieur Tourte sur cette bizarrerie sans avoir de réponse), alors que ceux pour violon et alto on les trouve dans les deux quartiers. Peut-être est-ce une affaire de climat, mais allez savoir…


Sur les hauts de Pernambouque, il y a un endroit dénommé « Elégances ». Un genre de kiosque ouvert à tous, où l’on peut converser, boire un coup, même faire de la musique en se projetant sur le bleu et le blanc du ciel.

Ce jour là, Andy, Claude et Eric se retrouvent pour échanger des impressions, des humeurs, des doutes et des rêves. Comme le premier est pianiste, le second contrebassiste et le troisième percussionniste, ce sont des voix de bois, de métal et de peaux qui s’enlacent, s’entremêlent, se fondent, portées par la chair et le crin.


D’abord l’archet s’aventure sur la corde longue, manière d’arlequin équilibriste le nez dans les nuages, un pas en avant et un pas en arrière, figure à ravir le public oublieux de la plainte. Tout se joue sur les écarts, les résonances natives, les transparences juste ébauchées.

Après, c’est comme si une petite pluie, assez douce au début, brumisait l’âme avant de se muer en cataractes tellement lourdes et denses qu’on pourrait presque les malaxer, les pétrir. Réflexe de jardinier instinctif ayant la tête ailleurs.

Clair-obscur sur fond d’octaves bruissantes, se déclinant en spirales volubiles, en accords métisses jusqu’au hurlement.

Retour de l’arlequin triste précisément là où l’archet hésite et finit par s’évanouir au cœur de ses myriades.


- Arlequin trismégiste, Apollinaris genetrix, à la fois père et mère des étoiles -

Quelques poses rythmiques, très étudiées, de gymnastes ou de danseurs en noir et blanc passant vite sur un vague paysage.
La beauté innée des gestes se vit en consonances, en échos qui perdurent au-delà du gris. Comptine susurrée, à peine osée.
Petite suite en valse esquissée, tendre et fragile dans sa superbe.
Le féminin s’inverse au masculin.  

Réminiscences du vol tranquille des oiseaux amoureux du large.
Discussion à bâtons rompus, rompue par l’archet/arlequin pourpre qui glisse et glisse…
Se relèvera-t-il ?
Paroxysme du frénétique fantasmé et affirmation des genres.
De toute façon, c’est une histoire faite de ruptures, de revirements, d’apaisements endormis, de plaies et de bosses.


Elégances asymétriques qui nous effleurent comme le parfum d’une femme, pourvoyeuses de chimères dans un décor de spleen.
Elégances passagères, illusoires, nous gravant dans l’esprit le désir de leur renaissance.
Elégances amères aussi, hantées par l’arlequin triste quand l’archet se fait instrument de la révolte des hommes.

A ce qu’on dit, à PERNAMBOUQUE ou ailleurs, le beau est parfois triste et le triste parfois très beau.

A ce qu’on dit, ce serait comme ça depuis toujours.           
 

3 juillet 2013

ONPL dirigé par John Axelrod pour son dernier concert au titre de Directeur Musical et, compte tenu de l’ambiance entre l’orchestre et le chef, possiblement son dernier tout court.

Programme Wagner (Richard) et Carl Orff.

Les mauvais esprits y verraient évidemment un programme célébrant une sale période de l’histoire mondiale et donc une évocation peu subtile des rapports tyranniques entre un orchestre et son chef, tout en se demandant qui est le tyran. Mais pas moi, ça n’est pas mon genre.

Chevauché des Walkyries pour commencer.

Tiens, curieux, on ne m’avait pas dit qu’il existait une version sans les hélicoptères et les vierges hystériques qui crient très fort !

Oui, d’accord, je suis taquin.

Bon, proposé comme ça, un peu abruptement, cet extrait bodybuildé d’un opéra majeur devient un peu une scie pas vraiment bouleversante (et qui donne un peu raison à Woody Allen*), mais la proposition de Mister John se tient, nerveuse, rapide, puissante, je regrette un peu que la pluie des violons équins manque des effets vertigineux qu’osent les plus grands, de même que les cordes au sens large soient encore submergées par les cuivres malgré un avantage numérique avéré. Rien de rédhibitoire.
Une page d’orchestre foisonnante jouée avec brillant et précision.

Ensuite la Mort d’Isolde, ou Yseut ou comme vous voulez.

Début absolument superbe ! Le tapis de cordes ronronne magnifiquement, la tension s’installe idéalement, les tenues longues et croisées parfaitement agencées et le premier très lent crescendo est délicatement maitrisé, l’unité de l’orchestre rassure, la beauté sonore enfin au rendez-vous, c’est majestueux, frémissant, émouvant !

Bon, ça se gâte un peu ensuite et quelques flottements au milieu de cette homélie admirable rappelle que nous sommes à Nantes face à l’ONPL.
Pas grave, Axelrod reprend la main très vite, la battue ( très élégante, y avais-je jamais fait attention ? Ah oui, il n'utilise plus la baguette ! ) resserre les rênes conduisant avec gravité vers la fin tragique, certes pas aussi somptueuse que la première ascension, qui nous renvoie quand même à cette douleur paradoxalement triomphante ( Tranfisguration ! ) d’une femme emblématique du sacrifice amoureux !

L’inexcusable sonnerie d’un portable vient hélas couper la note finissante qui aurait dû précéder un beau silence…

Puis arrive le gros morceau ( il y a encombrement sur la scène, entre un orchestre pléthorique, un chœur complet, un chœur d’enfant et 3 solistes ! )

Carmina Burana de Carl Orff, cantate scénique profane et gaillarde, polyphonie dans sa plus simple expression mais orchestration euh… flamboyante ?

John Axelrod comme souvent amorce le O Fortuna comme un Grand Prix, mais l’option se défend évidemment !

La mise en place est impeccable, le chœur tiendra pendant toute l’œuvre les promesses du début : somptueux, limpide, enjoué, engagé !

Les tempi rapides sont rapides. Les tempi lents sont… rapides ! Enfin pas vraiment mais, quand même, je regrette que les quelques passages assez élégants d’une œuvre plutôt éléphantesque manquent de nuances, de contrastes, mais bon, l’ensemble est solide, pas de fausse note, un maintien de la cadence sans faille ; à défaut du raffinement (vous me direz, sur Carmina Burana… Pour autant, Jochum Prévin, Shaw, Mehta l’ont réussi !) on a le spectacle et je suis un peu affligé de constater qu’il faut en arriver à une pochade difficile (Carmina Burana) et les adieux de John pour que l’orchestre donne l’impression d’être vraiment uni, en place, chatoyant et heureux !

Interventions remarquables de joie paillarde de Thomas Mohr, baryton truculent, plus dans la comédie que dans la justesse, cautionnées par les sourires que le ténor décoche sans compter aux foucades de son collègue !

Agustin Prunell-Friend, le ténor en question, est tout aussi engagé, détimbrant à loisir pour atteindre le fausset grivois écrit par Orff, c’est casse-gueule, mais très réussi.

Myrto Papatanasiu (dans l’ordre d’apparition), soprano, est moins souriante (et si belle), plus austère, mais délivre le travail avec sincérité, une voix ferme et animée, un aigu qui corne un peu dans les passages difficiles, balayée par une impressionnante tenue de note sans la moindre perte de densité en dépit d’un quasi murmure ! Stupéfiant !

Final puissant, qui, à l’image de tout ce qui a précédé, est porté avec panache, la cadence a été soignée de bout en bout, les balancements rythmiques irréprochables (c’est quand même un des points forts de John), et les élans fougueux quasiment jubilatoires !

Tonnerre d’applaudissements. Faut dire qu’avec une programmation de ce genre, il n’y avait pas beaucoup de risque, mais la démonstration a vraiment été éclatante.

On arrive alors au moment de vérité où, après les longues salutations d’usage, John, en communicateur formé aux Etats-Unis, tend le bouquet de fleurs à une enfant puis, décidé sans doute à donner une petite leçon à l’orchestre en imposant un record probable de durée d’applaudissements, histoire de dire que son public le regrette déjà ( et ça, on ne saura jamais… ), entreprend de serrer la main de chacun des musiciens !

Heureusement qu’il nous a épargné les choristes, on est vieux quand même, on fatigue vite.

Le geste de John Axelrod est un peu emphatique, certes, provocateur probablement, mais pour autant, si on est content de voir que certains musiciens sont émus de l’adieu, je tiens à dire à ceux qui ont boudé le geste, quels que soient vos griefs, quel que soit votre talent, que c’est aussi un affront au public, qui, dois-je le répéter, via ses tickets, abonnements et impôts, représente quand même votre gagne-pain !

*vous ne connaissez pas la citation de Woody Allen ?

Il y en a une autre, dont j’ai oublié l’auteur et qui dit en gros : l’orchestration de Wagner, c’est écraser une mouche avec un rocher.

Je ne suis pas d’accord ! Mais alors pas du tout !

6 février 2017

Les Folles Journées 2017 dont le thème était LE RYTHME DES PEUPLES

Vaste programme.

J’ai personnellement trouvé qu’un aussi beau thème avait été un peu sous-exploité et que la programmation s’était égarée dans quelques complaisances, mais j’admets aussi la difficulté paradoxale de devoir ratisser large en audience et musiques et artistes.

Et puis je suppose que la jauge finale donne raison aux organisateurs.

J’ai toutefois l’impression d’une légère baisse de régime et d’humeur, y compris dans les équipes et les couloirs, les coursives. Problèmes politiques entre mécènes et organisateurs ?

Petite année pour moi, en quantité de concerts au moins, j’ai eu un peu de mal à pointer des instants qui auraient pu m’intéresser, exercice d’autant plus compliqué que je dois respecter les horaires du magasin.

Premier concert le samedi soir, dans la salle 800 places que j’aime beaucoup :

Percussions japonaises, par Eitetsu Hayashi et l’ensemble Fu-Un no Kai.

L’art du Wadaiko à son sommet !

Dès l’entrée dans la salle, on est immédiatement fascinés par ces grands tambours, trois taïko(s), deux Nagado Daiko disposés sur la scène encadrant un énorme Odaiko (euh...).

Les cinq percussionnistes, en tenue traditionnelle revisitée, entrent dans la pénombre portant leur Okedo Daiko et commence un spectacle total: sonore ou visuel, musical et scénographique ; il sera envoutant de bout en bout. La complexité musicale, par les types d’instruments, les timbres, les rythmiques, les enchaînements abruptes, initiés ou ponctués par des exhortations vocales diverses, de murmures à cris, qui rapprochent cette science des arts martiaux, tout autant que la chorégraphie très souple et gracieuse des percussionnistes, ne laisse pas un instant de répit.

La précision et la minutie des quatre condisciples de Maître Hayashi sont fascinantes, résultat d’une discipline extrême, permettant à ces percussions très riches des variations dynamiques incroyables, du bruissement du vent à la déflagration du tonnerre, offrande à un panthéisme poétique et expressif d’une grande intensité physique et spirituelle.

La prise de possession de l’espace, les ancrages au sol des artistes sont époustouflants, particulièrement lorsque Hayashi assaille son Grand Tambour dans des gammes de puissance et couleurs infiniment déclinées, révélant la nécessité d’une santé athlétique (et une impressionnante musculature, partagée par les disciples) pour frapper comme à coups de haches parfois la peau tendue sur la barrique géante, les bras levés pendant plus de dix minutes et en faisant sur certains impacts reculer l’instrument qui doit peser au bas mot deux cents kilos et je crois que je vise bas.

Au-delà de la beauté musicale, de la plasticité de l’ensemble, comment ne pas être admiratif de la performance physique des interprètes, avec une mention pour Mikita Hase, dont l’ampleur des gestes, les positionnements de tête, les aphélies chorégraphiques sont des plus élégantes.

Ici le rituel offert à un autel de nature et tradition est parfaitement respecté, évitant l’écueil de certaines représentations pour touristes et je retrouve le plaisir et la fascination que j’avais éprouvés la première fois que j’avais assisté à telle démonstration dans la cour d’un temple au Japon il y a, ouh là… plus de trente ans, avec ici un contraste accru entre la grâce et la violence du fait de vivre cette musique « indoor » et une particularité dont je n’avais pas le souvenir dans ce genre de musique : la sensualité d’un swing captivant.

Est-ce l’évolution d’un art remontant à si loin qu’il a précédé tous les autres dans sa matière formelle et figée ?

Un très grand moment ! Un souvenir fort pour longtemps.

Quatuor Psophos ensuite, nous proposant deux œuvres radicalement différentes, à savoir le Quatuor n°2 opus 56 de Szymanowski et des extraits du John’s Book of Alleged Dance de John Adams que je ne connais pas.

Superbe opus de Szymanowski, l’œuvre est ici magnifiquement servie par des musiciens sachant parfaitement opposer l’alacrité sombre d’instants forts et modernes osant la dissonance et l’arythmie à d’autres d’une mélancolie accablante en ouvrant toujours sur un paysage de timbres d’une grande beauté. Formidable ! L’entente entre les musiciens est souveraine et l’équilibre des expressions absolument idéal, l’œuvre bien sûr, mais aussi la mécanique huilée d’un groupe complice et soudé.

Le John Adams me passionne moins ; amusant, sautillant, très typé, soit, mais je me prends moins au jeu, sans que le Quatuor Psophos y soit pour quoi que ce soit. Rien à reprocher à leur belle performance.

Enfin, samedi soir tard, après une belle cavalcade dans les couloirs pour atteindre le grand auditorium où nous attend une succession de scies populaires qu’on connaît parfois par cœur sans se souvenir où et quand on les a entendues, proposées par l’Orchestre (et le Chœur) National de Lettonie (dont quelques musiciens sont venus me rendre visite au magasin jeudi matin, très sympathiques !) sous la direction de leur chef, Andris Boga, un jovial bonhomme qui transmettra sa prévenance débonnaire à ses interprétations détendues et enjouées.

Mais le long spectacle commence par une œuvre pour percussions proposée par un ensemble de musiciens à géométrie variable baptisé AdONF (très drôle), écrite par l’un d’entre eux, Didier Benetti.

Oui, bon… Le problème, c’est qu’on sort de l’hallucinant et poignant spectacle des japonais dont la méticuleuse discipline renvoie ce sympathique quartet au rang d’amusement, d’autant que l’œuvre, plutôt intéressante, est jouée sans le début du commencement de swing… On écoute sans déplaisir évidemment, les cheveux blonds et défaits de la dame illuminent la scène, soit, mais mon épiderme vibre encore de la perfection du début de soirée…

Puis commence la succession des « tubes » du classique qui sans doute ont pour but de bien expliquer le thème de l’année, « Le Rythme des Peuples », excellente initiative donc que de rassembler des pièces d’horizons divers, mais dommage dans ce cas de ne pas avoir inséré une page de Bernstein par exemple.

Allons-y :

- Saint Saëns, Bacchanale de Samson et Dalila, interprétation diserte et voluptueuse, soulignant avec saveur le mélange allègre d’influences exotiques bariolées, de l’Espagne au Maghreb, et révélant un orchestre joyeux, parfaitement synchrone et luisant de belles couleurs.

- Du même Saint Saëns, un Rondo capriccioso pour violon et orchestre un peu moyen, sans doute parce que Alexandra Conunova plante quand même dans nos nerfs fatigués des banderilles de fausseté à divers instants très exposés alors que, paradoxalement, elle franchit en toute aisance les passages virtuoses. Il semblerait que cette soirée dite de « répétition » ait été suivie le dimanche d’une représentation idéale.

- Khatchatourian (ne boudons pas le plaisir, ce sont des hits qu’on ne nous propose pas tous les jours) ensuite : la Valse célébrissime de Mascarade et la Danse du Sabre (Gayaneh ? J’ai un doute…). Ici aussi, une cadence endiablée, une exaltation communicative, des teintes éclatantes, un bonheur partagé, et ce moment très bref de calme dans la danse, porté par un saxophone anachronique, eh oui, j’avais oublié précisément ce « paradoxe » culturel !

- Liszt, une Totentanz majestueusement servie par Nelson Goerner au piano, une frénésie musicale rugissante, redoutable de virtuosité, de nerf, de cœur, j’aime décidément beaucoup ce chef débonnaire et « son » orchestre dont on sent à chaque instant le plaisir de faire plaisir.

- Brahms, des Danses Hongroises prise avec distance, un brin de plaisanterie, plus Tex Avery que Brahms et c’est une excellente idée de garder le sourire, trouver des glissements rythmiques, accentuer une phrase, en rajouter un peu pour dans les mesures suivantes contenir le ton, lui donner par contraste une grâce délicate, procurant de forts moments de bonheur épicurien encore.

- Et, pour finir, Borodine, les danses polovtsiennes, prises, comme tout le reste d’ailleurs, à un rythme d’enfer, éclatant de couleurs, de teintes mordorées, d’éclats de bijoux, tout brille ici, cordes, bois, cuivres, percussions et le chœur n’est pas en reste. La puissance déchainée n’empêche pas l’orchestre d’imposer des nuances tonales superbes, des gammes de couleurs de pastels à intenses…

Quitte à donner dans la musique de variété, il fallait aller jusqu’au bout : l’Orchestre de Lettonie ne s’en est pas privé, allant même jusqu’à nous offrir l’introduction de Carmina Burana en premier bis et une reprise d’une Danse Hongroise en second.

Générosité, détente, humour et talent au rendez-vous ce soir, ramenant à l’esprit premier de La Folle Journée, faut-il les Lettons pour le rappeler ?

Dimanche, deux concerts seulement.

Nouveau rendez-vous avec AdONF.

Passé un Tombeau de Couperin arrangé pour xylophones joué par 3 percussionnistes deux hommes et une (jolie) femme (la dame blonde d’hier soir mais dont cette fois les cheveux sont relevés), pas vraiment passionnant, qui semble surtout un moyen pour les musiciens de sortir l’instrument de ses carcans mais n’apporte pas grand-chose à l’œuvre, nous aurons droit à des moments de musique voguant de :

- élégant : Toccata d’Anders Koppel, à

- drôle et original : Musiques de Table de Thierry de Mey où 3 compères (pas tous les mêmes qu’au début) deux hommes entourant la (jolie) dame dont nous ne connaissons pas le nom, assis devant une table en bois, vont nous « jouer » avec beaucoup de concentration mais sourire aux lèvres une performance ardue composée de frottements, coups d’ongles pointés et diverses frappes de la paume ou du dos de la main dans des combinaisons complexes, cocasses, impressionnantes, en suivant scrupuleusement une partition que j’aimerais bien voir pour admirer les signes utilisés.

- entraînant, agile et pour le compte empreint de swing : Trio per Uno de Nebojsa Zivkovi, performance à trois encore (dont la dame) autour d’une grosse caisse bordée de diverses petites percussions, caisse claire et idiophones. Chouette

- amusant, exigeant et décontracté avec une dernière œuvre pour claquements de mains à rythmes croisés enlevée dans la bonne humeur et la complicité car la dame semble varier ses frappes sans doute pour éviter la douleur, au grand amusement de ses camarades.

Ça aussi, c’est le ton de la Folle Journée : on ne se prend pas nécessairement au sérieux, on partage tout, on participe. Bravo et merci pour ce moment de gentillesse et générosité.

Et pour finir, Olivier Charlier au violon, Nicolas Baldeyrou et Emmanuel Strosser nous ont interprété :

- Stravinsky, L’histoire du Soldat, qui s’appuie idéalement sur un violon grinçant ne nous épargnant pas quelques erreurs de justesse toutefois, une clarinette virevoltante et un piano harmonisé un peu rond pour cette œuvre où on l’aurait voulu plus percussif mais c’est aussi le jeu à jouer sur ce genre de manifestation où l’interprète ne choisit pas forcément son instrument. Le jeu de Strosser cependant est à la fois guilleret et justement mutin.

- Bartok, Danses populaires, le violon reste un peu trop sur le crin, ce qui est moins justifié ici que dans le Stravinsky et accentue le contraste entre violon et piano enterrant un peu ce dernier. Dommage

- Leo Weiner, deux pièces pour clarinette et piano où je vais regretter que l’aspect « tzigane » ou en tout cas folklorique ne soit pas totalement assumé, certes au profit d’une virtuosité incritiquable, mais à laquelle manque l’étincelle rustique qui transformerait la performance en plaisir fort.

- Bartok, Contrastes pour violon, piano et clarinette, où là au contraire tout est parfaitement à sa place, une œuvre majeure de Bartok, difficile, ardue même, brillante, d’une inventivité de tous les instants, flamboyante, colorée, et exigeante, un instant de génie musical sans concession à la facilité que les trois musiciens vont enlever dans une ardeur irréprochable.

Une excellente façon de clore une année en demi-teintes.

Novembre 2010

La flûte enchantée par René Jacobs, NIN et Johnny Cash, DM Sith…

Par Alain

Ce n’est pas si fréquent qu’une jeune femme seule pousse la porte des magasins de hifi.

Hélas.

La technique ne les intéresse pas, dit-on. Je ne sais pas, c’est possible. Le matériel surement pas pour la plupart en effet, ce en quoi elles ont bien raison : ce n’est pas intéressant. Seul le résultat devrait compter.
Pour autant, peu de jeunes femmes admettent qu’il est nécessaire quand même d’avoir un beau système de reproduction pour comprendre la musique ou, à tout le moins, ne pas trahir le sens voulu par l’interprète. Je les aime beaucoup (les femmes… ah oui les interprètes aussi, surtout quand ce sont des femmes !), mais je ne suis pas forcément toujours d’accord avec elles. Même si je déteste les généralisations…

Donc, s’il est rare qu’une jeune femme pousse la porte d’un magasin de hifi, c’est encore plus rare que ce soit une très charmante demoiselle !
Suis-je avare... Une jeune femme craquante à faire douter un bataillon de moines !

- Et Mozart alors ?
- Ça vient, ça vient !

Ce n’est même pas moi qui l'ai accueillie, cette vertigineuse demoiselle (vraiment très grande !) accompagnée d'un tout petit chien, elle qui m’a ému, mais mon vieil ami qui vient tous les jours me donner un coup de mains ou partager des instants de musique....

Lui :
- Il est mignon votre... euh... Votre... euh...
Elle :
- Un chien, c'est un chien !
Lui :
- Ah oui, euh...
Elle :
- Ce n'est pas un rat ! Un tout petit chien, certes, mais pas un rat !
Lui :
- Ah, hum, oui, bien sûr... Évidemment... Hum...

... Et qui a aussi été ému !
Avant moi, donc.

Aussi et inévitablement, parce que nous les mecs on ne se refait pas, quand il s’agit de proposer un système à une jeune femme fine, drôle, très séduisante et d’un mètre quatre-vingt cinq au bas mot, accompagnée d'un délicieux toutou, évidement, on en fait trop.
C’est sa faute aussi, pousser la porte en disant : « je viens chez vous parce qu’on m’a dit que vous êtes les meilleurs », bon d’accord, c’est vrai ! Mais c’est pas des trucs à nous dire…

Pas à moi !

- Et Mozart alors ?
-  Ça vient, ça vient !

Bref, quand après quelques disques déjà assez inhabituels dans les choix d’une jeune femme de… moins de trente-cinq ans en tout cas, la demoiselle superlative (et si jolie et si drôle et si… oui bon, ça suffit) déclare soudain :

- le prochain morceau, si ça ne vous ennuie pas (elle est exquise !) sera de Johnny Cash.
- Ah bon ?
- Euh… oui… Ça pose un problème ?
- Non non, je suis juste un peu surpris : je ne me serais pas attendu à ce que vous aimiez Johnny Cash, pas vraiment de la musique de votre génération.
- En fait, je ne connais pas Johnny Cash, c’est seulement un morceau que j’ai entendu à la radio et qui depuis me bouleverse à chaque fois que je l’écoute…

Et là… Ben oui, c’est là qu’on ne peut pas s’empêcher de frimer, briller, pavoiser ! Une ouverture enfin :

- Ah, alors il doit s’agir de Hurt, n’est-ce pas ?

Effet garanti !!!

- Euh… En effet, comment le savez-vous ?
- Bah, s’il ne doit y avoir qu’une chanson de Johnny Cash quand on n’est pas spécialiste, c’est probablement celle-là… Ma préférée !
- Vraiment ?
- Oui, sans aucun doute, ne serait-ce que pour son histoire !...
- ...
- Connaissez-vous l’histoire de ce titre ?
- Non…
- Voulez-vous que je vous raconte ?
- Avec plaisir !

Pas un truc à me dire non plus !

Alors je me lance, explique, pérore : derniers enregistrements de Johnny Cash gravement affaibli, produits par Rick Rubin, producteur de Rap et de Metal, avec qui JC va sortir la série American Recordings, majoritairement faite de reprises, dont American IV : the man comes around, au sein duquel on peut entendre : Personnal Jesus de Depeche Mode et…
… Hurt de Trent Reznor…
… Qui sera aussi le point d’orgue de la magnifique compilation posthume de JC : Unhearted !

Je raconte à la demoiselle majuscule qui est Trent Reznor, ce perturbateur du rock indus gothic ou plus précisément du Métal indus, via Nine Inch Nails dont les lecteurs de cette chronique ont déjà vu parler (ben oui !) et savent que je suis total fan !

- Et Mozart alors ?
- Ça vient, ça vient !

Je relate mon amusement teinté de dépit (je raconte bien, non ?),  le jour où, au cinéma, je m’aperçois que la chanson en question, chantée par Johnny Cash, est exploitée par Nike, ou la capacité de récupération par le système de deux rebelles caractérisés !

Alors nous écoutons ensemble, très émus, la superbe et très désarmante version de Cash…
… Je vous la recommande, c’est une chanson de référence, vraiment…

Je suis comblé de cet instant et remercie la demoiselle singulière de m’avoir fait redécouvrir cette chanson par Cash, ses derniers albums, même si ce n’est pas ma culture naturelle… La voix de ce grand chanteur - une icône de la country, du folk, rockabilly, blues, que sais-je encore ? – tremble, vibre ; faible, épuisée, incantatoire, elle est si chaude, si évocatrice, si puissante en un sens. I’ll find a way dit la dernière phrase, une phrase qui pourrait être d’espoir, ou une façon de dire à celle qu’il a tant aimée : je vais te retrouver… Un grand moment de musique !

La plus belle chanson du siècle dira un animateur allumé sur France Musique quelques semaines plus tard.
Ça me permettra de m’apercevoir de quelques infimes changements de textes entre la version Reznor et la version Cash…

… écoute suivie – avec accord empreint de curiosité de la noble demoiselle - de la version apocalyptique de NIN…

La vraiment très jolie demoiselle acceptera alors (et appréciera sincèrement, avec des mots qui ne mentent pas !) de découvrir un titre plus… euh… vertigineux, extrait du même album, The Downward Spiral (cf plus bas), en l’occurrence : Eraser…

Je suis secoué parce que ce partage en musique n’est pas si fréquent, pas sur cette musique-là, offensive et déchirante, pas avec une inconnue, pas venant d’une inconnue…
Un beau moment. Il n’est pas si fréquent que j’ose Nine Inch Nails dans mes présentations.
Puis la demoiselle sortira à ma grande surprise la B.O.F de West Side Story !

- Ah bon ?
- Euh… oui… Ça pose un problème ?
- Non non, je suis juste un peu surpris, je ne me serais pas attendu à ce que vous aimiez ce…

Je me répète ??? Oui !
Mais quand même, je lui ai raconté la belle version tardive par Bernstein lui-même, un cadeau de Deutsche Gramophon, les prises de bec avec Carreras…

Parce qu’il fallait bien que je continue d’essayer de briller…

Voilà : de beaux instants de communion, la vertu qui brise la passivité parfois égoïste de l’écoute de la musique.
Bon, la superlative demoiselle a sans doute une vie, elle a choisi une fort jolie chaîne , (pour ses qualités musicales en tout cas !) et, après son départ me restera la musique…

Allez, soyons sérieux, parlons-en de la musique :

Ah ! Mozart enfin, et sans aucun lien avec ce qui précède, au détail près de l’enchantement !
Une Flûte Enchantée donc ?

Comment ? Il va nous parler de cet opéra bavard (et, hum un rien misogyne et raciste, non ?), loin d’être le meilleur de Mozart en plus ?

Oui !

Dans la récente et rafraîchissante version de René Jacobs chez Harmonia Mundi.
Daniel Behle, ténor, est Tamino, Marlis Petersen, soprano, est Pamina, Daniel Schmutzhard, baryton, est Papageno, Sundae Im, soprano, est Papagena,  Anna-Kristina Kaappola, soprano, est la Reine de la Nuit, Marcos Fink, baryton-basse, est Sarastro, etc…

On le voit, pas de stars à l’affiche, et c’est tant mieux : on sent une troupe rodée donnant beaucoup de joie de vivre à une œuvre qui est quand même un peu une scie et qui, débarrassée de tout combat d’ego(s) de stars, laisse la place au pur bonheur d’écouter Mozart «comme si on y était !».

Ici pas de coupes amaigrissantes dans les longs dialogues et pourtant ça glisse tout seul dans l’oreille et le cœur, musique sautillante, chants enjoués, dialogues quasi lyriques, c’est revigorant et riche et facile et léger ; sans doute les bruitages amusants et quelques interventions musicales dont je n’avais pas souvenir n’y sont pas pour rien.

La vivacité, voire l’urgence de l’ensemble participent évidemment de l’expressivité générale autour d’un orchestre ardent, coloré, animé, énergique et délicat à la fois, un orchestre décidément magnifique au son particulièrement extraordinaire et transparent ici ! Le piano-forte qui vient lier l’ensemble de l’œuvre est surprenant mais très agréable, renforçant cette impression délicieuse de baigner dans un instant d’histoire.
Un coffret luxueux, à la présentation soignée et la documentation fournie (de ces choses qu'on perd en téléchargeant des fichiers), une prise de son précise, lumineuse et dynamique (quelques minimes duretés sur un système vraiment transparent peut-être ?) font de cette production une sorte de référence !
Bon, je n’ai sans doute rien dit d’autre que les critiques officielles, mais j’en avais envie.

Allez, changement de genre.

DM Stith, Heavy Ghost.

Les connaisseurs vont se moquer : c’est paru il y a quelques mois déjà. Ouais, certes, mais ça ne retire rien à la qualité, n’est-ce pas ? Je vous parlerai du dernier Tricky ou de Timber Timbre plus tard.
    
Un album varié et pas toujours facile (d’un américain peu connu), curieux car, comment dire… peu prévisible, erratique, d’une densité noire, une succession d’atmosphères habitées de spectres sombres, Heavy Ghost révèle en outre une voix charnelle d’une qualité oubliée : David Michel Stith.
Un album de chants délicats, profonds et pourtant enrichis d’arrangements sobres en apparence et riches à l’arrivée ; on peut penser parfois, dans des compositions nébuleuses, labyrinthiques, à Radiohead mais sans le côté synthétique, ou à quelques classiques modernes, Chosta ou Britten par exemple.
Textures bigarrées, univers hétéroclites parfois dans un même morceau, une voix accablée survolant le tout, façon Bowie dans l’inclassable Outside, les variations d’orchestration de Stith semblent s’inspirer de sources diverses mais s’en éloignent en quelques mesures pour au final ne ressembler à personne.
Hautement recommandé !

Et puis après avoir évoqué The Downward Spiral de NIN plus haut, il faut bien que j’en parle un peu :

Opus paru en 1994, enregistré dans la maison où Sharon Tate fut assassinée par les disciples de Charles Manson (déjà, ça met dans l’ambiance !), The Downward Spiral est une perle de précision où chaque millième de seconde, chaque souffle, chaque virgule, et surtout chaque couleur sonore a fait l’objet d’une attention obsessionnelle, possiblement cathartique !

Album souvent violent, ténébreux, désespéré, d’une densité de peu d’équivalent et qui ne laisse nulle place à la respiration de l’auditeur dérouté, il raconte le tourment, la douleur et l’enfermement suicidaire, nous engonce dans un univers névrotique, suffocant, sale, et souvent dérangeant, surtout si on se concentre sur les textes.
On y parle quand même de meurtre, de suicide, de sexualité comburante, de l’abyme intérieur, de la mort symbolique de Dieu, de la plongée noire en soi-même dans la dépression et la peur, de la perte de la pureté de l’enfance… Une violence organique donc et non pas dirigée vers l’extérieur, foin de toute apologie meurtrière contrairement à ce que quelques mous du cerveau avaient dénoncé à l’époque…

Les sonorités viennent de partout ; le Steinway côtoie sans souci des frappes de guitares abrasives, le disco barré bascule vers l’incantation décollant en vrille, Closer est particulièrement significatif avec son refrain assenant une sexualité provocatrice conduisant à la sublimation de soi : "My whole existence is flawed / You get me closer to God"

Chaque instant de cet album prison, symphonique, rapproche de la déchéance et l’abandon de tout !
Ainsi, The Downward Spiral implose de cris de désespoir et de douleur et conduit pas à pas vers le sublime Hurt, chanson proche d’une ballade (euh… dans la version Cash en tout cas), plus dépouillée, névrosée, évoquant l’automutilation libératrice et l’enfermement dans la drogue…

Bon, raconté comme ça je comprends que ça ne donne pas envie, on est loin de la fraîcheur de la Flûte enchantée par Jacobs et de toute façon ce n’est probablement pas pour le même public.
Mais c’est clairement un album puissant, inventif, léché, au son énorme, obsédant, impliquant, physique et émotionnellement chargé, que personnellement je place sans hésiter aux côtés de mes chers classiques…

Bon… Salut et à la prochaine ! Je vais essayer de trouver le temps de parler des derniers quatuors de Beethoven par Tokyo chez Harmonia Mundi, sublimes et ouvrant une modernité remarquable à ces opus tardifs, ou encore les très singuliers quatuors de Viktor Kalabis chez Praga, ou encore «Original Pimpant» d’Emile Parisien, formidable disque de Jazz, parfois un peu âpre ou acrobatique mais novateur et passionnant, une déstructuration des codes où tous les musiciens vont enfin dans le même sens ! Bien foutu techniquement qui plus est !…

Novembre 2010

La flûte enchantée par René Jacobs, NIN et Johnny Cash, DM Sith…

Par Alain

Ce n’est pas si fréquent qu’une jeune femme seule pousse la porte des magasins de hifi.

Hélas.

La technique ne les intéresse pas, dit-on. Je ne sais pas, c’est possible. Le matériel surement pas pour la plupart en effet, ce en quoi elles ont bien raison : ce n’est pas intéressant. Seul le résultat devrait compter.
Pour autant, peu de jeunes femmes admettent qu’il est nécessaire quand même d’avoir un beau système de reproduction pour comprendre la musique ou, à tout le moins, ne pas trahir le sens voulu par l’interprète. Je les aime beaucoup (les femmes… ah oui les interprètes aussi, surtout quand ce sont des femmes !), mais je ne suis pas forcément toujours d’accord avec elles. Même si je déteste les généralisations…

Donc, s’il est rare qu’une jeune femme pousse la porte d’un magasin de hifi, c’est encore plus rare que ce soit une très charmante demoiselle !
Suis-je avare... Une jeune femme craquante à faire douter un bataillon de moines !

- Et Mozart alors ?
- Ça vient, ça vient !

Ce n’est même pas moi qui l'ai accueillie, cette vertigineuse demoiselle (vraiment très grande !) accompagnée d'un tout petit chien, elle qui m’a ému, mais mon vieil ami qui vient tous les jours me donner un coup de mains ou partager des instants de musique....

Lui :
- Il est mignon votre... euh... Votre... euh...
Elle :
- Un chien, c'est un chien !
Lui :
- Ah oui, euh...
Elle :
- Ce n'est pas un rat ! Un tout petit chien, certes, mais pas un rat !
Lui :
- Ah, hum, oui, bien sûr... Évidemment... Hum...

... Et qui a aussi été ému !
Avant moi, donc.

Aussi et inévitablement, parce que nous les mecs on ne se refait pas, quand il s’agit de proposer un système à une jeune femme fine, drôle, très séduisante et d’un mètre quatre-vingt cinq au bas mot, accompagnée d'un délicieux toutou, évidement, on en fait trop.
C’est sa faute aussi, pousser la porte en disant : « je viens chez vous parce qu’on m’a dit que vous êtes les meilleurs », bon d’accord, c’est vrai ! Mais c’est pas des trucs à nous dire…

Pas à moi !

- Et Mozart alors ?
-  Ça vient, ça vient !

Bref, quand après quelques disques déjà assez inhabituels dans les choix d’une jeune femme de… moins de trente-cinq ans en tout cas, la demoiselle superlative (et si jolie et si drôle et si… oui bon, ça suffit) déclare soudain :

- le prochain morceau, si ça ne vous ennuie pas (elle est exquise !) sera de Johnny Cash.
- Ah bon ?
- Euh… oui… Ça pose un problème ?
- Non non, je suis juste un peu surpris : je ne me serais pas attendu à ce que vous aimiez Johnny Cash, pas vraiment de la musique de votre génération.
- En fait, je ne connais pas Johnny Cash, c’est seulement un morceau que j’ai entendu à la radio et qui depuis me bouleverse à chaque fois que je l’écoute…

Et là… Ben oui, c’est là qu’on ne peut pas s’empêcher de frimer, briller, pavoiser ! Une ouverture enfin :

- Ah, alors il doit s’agir de Hurt, n’est-ce pas ?

Effet garanti !!!

- Euh… En effet, comment le savez-vous ?
- Bah, s’il ne doit y avoir qu’une chanson de Johnny Cash quand on n’est pas spécialiste, c’est probablement celle-là… Ma préférée !
- Vraiment ?
- Oui, sans aucun doute, ne serait-ce que pour son histoire !...
- ...
- Connaissez-vous l’histoire de ce titre ?
- Non…
- Voulez-vous que je vous raconte ?
- Avec plaisir !

Pas un truc à me dire non plus !

Alors je me lance, explique, pérore : derniers enregistrements de Johnny Cash gravement affaibli, produits par Rick Rubin, producteur de Rap et de Metal, avec qui JC va sortir la série American Recordings, majoritairement faite de reprises, dont American IV : the man comes around, au sein duquel on peut entendre : Personnal Jesus de Depeche Mode et…
… Hurt de Trent Reznor…
… Qui sera aussi le point d’orgue de la magnifique compilation posthume de JC : Unhearted !

Je raconte à la demoiselle majuscule qui est Trent Reznor, ce perturbateur du rock indus gothic ou plus précisément du Métal indus, via Nine Inch Nails dont les lecteurs de cette chronique ont déjà vu parler (ben oui !) et savent que je suis total fan !

- Et Mozart alors ?
- Ça vient, ça vient !

Je relate mon amusement teinté de dépit (je raconte bien, non ?),  le jour où, au cinéma, je m’aperçois que la chanson en question, chantée par Johnny Cash, est exploitée par Nike, ou la capacité de récupération par le système de deux rebelles caractérisés !

Alors nous écoutons ensemble, très émus, la superbe et très désarmante version de Cash…
… Je vous la recommande, c’est une chanson de référence, vraiment…

Je suis comblé de cet instant et remercie la demoiselle singulière de m’avoir fait redécouvrir cette chanson par Cash, ses derniers albums, même si ce n’est pas ma culture naturelle… La voix de ce grand chanteur - une icône de la country, du folk, rockabilly, blues, que sais-je encore ? – tremble, vibre ; faible, épuisée, incantatoire, elle est si chaude, si évocatrice, si puissante en un sens. I’ll find a way dit la dernière phrase, une phrase qui pourrait être d’espoir, ou une façon de dire à celle qu’il a tant aimée : je vais te retrouver… Un grand moment de musique !

La plus belle chanson du siècle dira un animateur allumé sur France Musique quelques semaines plus tard.
Ça me permettra de m’apercevoir de quelques infimes changements de textes entre la version Reznor et la version Cash…

… écoute suivie – avec accord empreint de curiosité de la noble demoiselle - de la version apocalyptique de NIN…

La vraiment très jolie demoiselle acceptera alors (et appréciera sincèrement, avec des mots qui ne mentent pas !) de découvrir un titre plus… euh… vertigineux, extrait du même album, The Downward Spiral (cf plus bas), en l’occurrence : Eraser…

Je suis secoué parce que ce partage en musique n’est pas si fréquent, pas sur cette musique-là, offensive et déchirante, pas avec une inconnue, pas venant d’une inconnue…
Un beau moment. Il n’est pas si fréquent que j’ose Nine Inch Nails dans mes présentations.
Puis la demoiselle sortira à ma grande surprise la B.O.F de West Side Story !

- Ah bon ?
- Euh… oui… Ça pose un problème ?
- Non non, je suis juste un peu surpris, je ne me serais pas attendu à ce que vous aimiez ce…

Je me répète ??? Oui !
Mais quand même, je lui ai raconté la belle version tardive par Bernstein lui-même, un cadeau de Deutsche Gramophon, les prises de bec avec Carreras…

Parce qu’il fallait bien que je continue d’essayer de briller…

Voilà : de beaux instants de communion, la vertu qui brise la passivité parfois égoïste de l’écoute de la musique.
Bon, la superlative demoiselle a sans doute une vie, elle a choisi une fort jolie chaîne , (pour ses qualités musicales en tout cas !) et, après son départ me restera la musique…

Allez, soyons sérieux, parlons-en de la musique :

Ah ! Mozart enfin, et sans aucun lien avec ce qui précède, au détail près de l’enchantement !
Une Flûte Enchantée donc ?

Comment ? Il va nous parler de cet opéra bavard (et, hum un rien misogyne et raciste, non ?), loin d’être le meilleur de Mozart en plus ?

Oui !

Dans la récente et rafraîchissante version de René Jacobs chez Harmonia Mundi.
Daniel Behle, ténor, est Tamino, Marlis Petersen, soprano, est Pamina, Daniel Schmutzhard, baryton, est Papageno, Sundae Im, soprano, est Papagena,  Anna-Kristina Kaappola, soprano, est la Reine de la Nuit, Marcos Fink, baryton-basse, est Sarastro, etc…

On le voit, pas de stars à l’affiche, et c’est tant mieux : on sent une troupe rodée donnant beaucoup de joie de vivre à une œuvre qui est quand même un peu une scie et qui, débarrassée de tout combat d’ego(s) de stars, laisse la place au pur bonheur d’écouter Mozart «comme si on y était !».

Ici pas de coupes amaigrissantes dans les longs dialogues et pourtant ça glisse tout seul dans l’oreille et le cœur, musique sautillante, chants enjoués, dialogues quasi lyriques, c’est revigorant et riche et facile et léger ; sans doute les bruitages amusants et quelques interventions musicales dont je n’avais pas souvenir n’y sont pas pour rien.

La vivacité, voire l’urgence de l’ensemble participent évidemment de l’expressivité générale autour d’un orchestre ardent, coloré, animé, énergique et délicat à la fois, un orchestre décidément magnifique au son particulièrement extraordinaire et transparent ici ! Le piano-forte qui vient lier l’ensemble de l’œuvre est surprenant mais très agréable, renforçant cette impression délicieuse de baigner dans un instant d’histoire.
Un coffret luxueux, à la présentation soignée et la documentation fournie (de ces choses qu'on perd en téléchargeant des fichiers), une prise de son précise, lumineuse et dynamique (quelques minimes duretés sur un système vraiment transparent peut-être ?) font de cette production une sorte de référence !
Bon, je n’ai sans doute rien dit d’autre que les critiques officielles, mais j’en avais envie.

Allez, changement de genre.

DM Stith, Heavy Ghost.

Les connaisseurs vont se moquer : c’est paru il y a quelques mois déjà. Ouais, certes, mais ça ne retire rien à la qualité, n’est-ce pas ? Je vous parlerai du dernier Tricky ou de Timber Timbre plus tard.
    
Un album varié et pas toujours facile (d’un américain peu connu), curieux car, comment dire… peu prévisible, erratique, d’une densité noire, une succession d’atmosphères habitées de spectres sombres, Heavy Ghost révèle en outre une voix charnelle d’une qualité oubliée : David Michel Stith.
Un album de chants délicats, profonds et pourtant enrichis d’arrangements sobres en apparence et riches à l’arrivée ; on peut penser parfois, dans des compositions nébuleuses, labyrinthiques, à Radiohead mais sans le côté synthétique, ou à quelques classiques modernes, Chosta ou Britten par exemple.
Textures bigarrées, univers hétéroclites parfois dans un même morceau, une voix accablée survolant le tout, façon Bowie dans l’inclassable Outside, les variations d’orchestration de Stith semblent s’inspirer de sources diverses mais s’en éloignent en quelques mesures pour au final ne ressembler à personne.
Hautement recommandé !

Et puis après avoir évoqué The Downward Spiral de NIN plus haut, il faut bien que j’en parle un peu :

Opus paru en 1994, enregistré dans la maison où Sharon Tate fut assassinée par les disciples de Charles Manson (déjà, ça met dans l’ambiance !), The Downward Spiral est une perle de précision où chaque millième de seconde, chaque souffle, chaque virgule, et surtout chaque couleur sonore a fait l’objet d’une attention obsessionnelle, possiblement cathartique !

Album souvent violent, ténébreux, désespéré, d’une densité de peu d’équivalent et qui ne laisse nulle place à la respiration de l’auditeur dérouté, il raconte le tourment, la douleur et l’enfermement suicidaire, nous engonce dans un univers névrotique, suffocant, sale, et souvent dérangeant, surtout si on se concentre sur les textes.
On y parle quand même de meurtre, de suicide, de sexualité comburante, de l’abyme intérieur, de la mort symbolique de Dieu, de la plongée noire en soi-même dans la dépression et la peur, de la perte de la pureté de l’enfance… Une violence organique donc et non pas dirigée vers l’extérieur, foin de toute apologie meurtrière contrairement à ce que quelques mous du cerveau avaient dénoncé à l’époque…

Les sonorités viennent de partout ; le Steinway côtoie sans souci des frappes de guitares abrasives, le disco barré bascule vers l’incantation décollant en vrille, Closer est particulièrement significatif avec son refrain assenant une sexualité provocatrice conduisant à la sublimation de soi : "My whole existence is flawed / You get me closer to God"

Chaque instant de cet album prison, symphonique, rapproche de la déchéance et l’abandon de tout !
Ainsi, The Downward Spiral implose de cris de désespoir et de douleur et conduit pas à pas vers le sublime Hurt, chanson proche d’une ballade (euh… dans la version Cash en tout cas), plus dépouillée, névrosée, évoquant l’automutilation libératrice et l’enfermement dans la drogue…

Bon, raconté comme ça je comprends que ça ne donne pas envie, on est loin de la fraîcheur de la Flûte enchantée par Jacobs et de toute façon ce n’est probablement pas pour le même public.
Mais c’est clairement un album puissant, inventif, léché, au son énorme, obsédant, impliquant, physique et émotionnellement chargé, que personnellement je place sans hésiter aux côtés de mes chers classiques…

Bon… Salut et à la prochaine ! Je vais essayer de trouver le temps de parler des derniers quatuors de Beethoven par Tokyo chez Harmonia Mundi, sublimes et ouvrant une modernité remarquable à ces opus tardifs, ou encore les très singuliers quatuors de Viktor Kalabis chez Praga, ou encore «Original Pimpant» d’Emile Parisien, formidable disque de Jazz, parfois un peu âpre ou acrobatique mais novateur et passionnant, une déstructuration des codes où tous les musiciens vont enfin dans le même sens ! Bien foutu techniquement qui plus est !…

25 avril 2015

Liesa van der Aa : WOTH, Prokofiev par Muti, Schoenberg par Barenboïm(s), A Perfect Circle…

Par Alain

Liesa van der Aa : WOTH.

 

Attention : Monument !

Ceux qui lisent régulièrement ces chroniques savent combien j’avais été enflammé par le premier album proposé par la jeune Liesa Van der Aa, alors âgée de 25 ans, Troops, que j’avais qualifié de cathédrale hybride.

Qui a aimé Troops s’y retrouvera aisément dans le deuxième Opus : WOTH, même si le nouveau projet est colossal, grandiose, pharaonique, un ouvrage à la hauteur des Pyramides que la dame évoque indirectement.

Et si profondément humain…

En effet WOTH est l’acronyme de Weighting of the Heart thème unique d’un (triple) album concept inspiré par le mythe égyptien de la pesée des âmes, qui nous raconte le jugement d’une femme (Liesa en l’occurrence qui tient le rôle de la narratrice) dont le cœur et l’âme seront pesés trois fois, exposant ainsi les visages antithétiques d’un individu pris dans les griffes des contradictions qui façonnent l’humanité, le premier Maître de la cérémonie étant Toth, le Seigneur du Temps, pas moins !

Les 3 parties du triptyque - plus difficiles à déterminer quand on télécharge le fichier même pas disponible en HD ni accompagné du moindre livret (gggrrrrr !) -, sont ponctuées par des prologues et épilogues confiés à un vaste chœur, variations autour d’une écriture baroque (le style artistique) qui légitiment l’immense culture de la musicienne par les idées qui s’y bousculent pour ne pas tourner à la pauvre parodie, mais aussi sa capacité de faire fi de tout principe établi, jouant des codes sans jamais tomber dans le granguignolesque bien au contraire, alternant dans un même souffle d’une inspiration Renaissance vers une portion d’Arvo Pärt, ou autre geste contemporaine plus acrobatique encore, et dans un langage qui est indéniablement le sien.

Psalmodies d’extraits du Livre des Morts égyptien, les 42 juges introduisent et concluent donc les 3 chapitres qui vont revisiter à chaque fois les mêmes titres arrangés de façons très variées, mélodies, orchestration, atmosphères, visions troublantes de l’âme, et dans un ordre différent.

1er Chapitre : cœur lourd

Ce premier volet évoque le désir, la volonté, l’ambition dévorante et, par bribes incisives, l’enfance troublée, les peurs et les angoisses et installe d’emblée l’audace visuelle d’un film noir, passionnant, envoutant qui déroule sur l’écran invisible de nos émotions, les peines, joies, frayeurs, passions et plaisirs, réels ou factices.

Partie particulièrement sombre et suffocante, les inventions sonores très indus, renouvelées jusqu’à l’ivresse, pleuvent en rafales lourdes et déchaînées issues du laboratoire de Boris Wilsdorf (qui est aussi producteur d'Einstürzende Neubauten), et font pâlir les meilleures inspirations de Bjork, NIN ou the Swans, …

Cette première partie prend aux tripes par ses scansions bruitistes et engonçantes, novatrices et saisissantes, cet étouffement dans le bitume liquide, oppression biscornue magnifique qui regorge d’une poésie noire, appuyée sur des rythmiques inattendues en évolution pilonnant à coups de marteaux cardiaques parfois désordonnés ou très charpentés la nécessité d’atteindre le sommet, vociférée dans une envolée hystérique glaçante conduisant à la vanité et l’échec les ambitions de toute sorte incluant l’amour, nous renvoient vers nos propres questionnements souvent refoulés sur nos erreurs, nos fautes, le poids du temps et de l’époque déviant nos choix ou espoirs premiers, bref un premier acte où LvdA nous interdit d’entrevoir la paix, en dépit d’une fin de chapitre irisé de pure grâce mystique.

2ème volet : cœur léger

Obscure dans son intro (la comptine chantée par une petite fille arpégée de cris des choeurs et borborygmes musicaux, clochettes et carillons comme dans un cauchemar dessinent des images d’un film d’horreur qui fait froid dans le dos), cette deuxième partie troque l’atmosphère accablante du premier acte pour une figure plus solaire en acceptant l’indéfinissable ; elle est en effet plus impénétrable, jouant le mystère sans genre affirmé, laissant la sensation d’un jazz pop troublé ou variant, parfois percuté de passages sur instruments anciens si aisément maitrisés,, langueurs aériennes, pianos nomades, cuivres et bois en échos, une batterie légère apparait soudain pour poser une lente ballade paisible presque lascive, des errances contemplatives, plus apaisées, sans jamais pourtant vraiment quitter la gravité dans les deux sens du terme, à l’exception peut-être d’un angélique titre où le chant erre dans l’évanescence acceptant la mort, c’est tout simplement beau ! Ainsi, les 21 grammes de l’âme vibrionnent, bucoliques, au gré de plages plus longues, structurellement inouies, jamais stables, déployant des trésors d'idées dont on se demande comment elles ont pu être écrites, pensées, apprivoisées, orchestrées d'instruments alambiqués venus de partout à la fois, cultures, époques, matériaux, des chants plus épanouis annonçant l'acceptation de la mort, mais sans bien longtemps quitter la concentration majeure qui amène au jugement.

3ème acte : cœur équilibré

Ou l’acceptation, le renoncement à l’individualité, la fusion dans le cœur collectif, le chœur collectif, le chapitre probablement le plus incertain, le plus lumineux certes, mais aussi le plus erratique et insaisissable, ambivalent dans ses rebonds de style, déambulation d’une franche légèreté pop totalement incongrue et faussement joyeuse (toujours cette voix basse) vers de longues aubades jazz à nouveau atmosphériques où le timbre rauque et grave de LdvA impose une élégance folle, et ces chœurs parlant au pluriel où la femme jugée adjoint sa voix sans pour autant donner l’impression que cette conscience collective apporte la paix, le bonheur, rien n’est moins sûr en effet, les contrastes incessants de formes et de tonalités en attestent, renvoyant à l’incompréhension, à l’incertain, pas par les sonorités venues d’outre-tombe du premier acte, mais par l’errance hésitante des contours, le refus d’une ligne continue.

C’est toute la richesse ambiguë faite des contradictions de l’être humain qu’expose Lisa Van Der Aa dans cette œuvre philosophique, luxuriante et équivoque, jamais alambiquée,  que j’ai d’abord écoutée ingénieuse, sidérante et cérébrale pour entrer dans une perception ouvertement émotionnelle dès la deuxième écoute et la troisième et la quatrième…

Car, pour résumer, vadrouillant du baroque à l'électro en passant par l’indus, la pop et le jazz, la jeune flamande (n’oublions pas qu’elle n'a pas 30 ans !) invente, affirme et innove sans cesse une architecture d’anthologie transcendante enchevêtrée, ne laissant pas un instant de répit, de repos, même dans les espaces un peu plus détendus, dérisoires (rares et jamais longs), et grave un album à l’arrivée essentiellement mélancolique, surtout la première partie et curieusement la dernière, mais d’une telle puissance invocatrice et prenante comme un thriller poétique, le film défile sous nos yeux, farfouillant dans nos âmes, inquiétant, entêtant, abasourdissant, rituel ou ritournelle, des enfants chantent des choeurs célestes mais aussi des comptines horrifiques, un travail rythmique d'une intensité et d'une violence physique éprouvantes (sur les Ada de ppfff ce sont des coups au bide répétitifs, presque étourdissants dans la première partie toujours !).

Et mieux encore, la demoiselle réussit la performance de façonner méticuleusement un évident chef-d’œuvre sans jamais aucune posture, sans jamais donner l'impression de se prendre au sérieux nonobstant la majesté de l'ensemble, et même assène l'autodérision dans les instants puissants qui pourraient basculer vers la démonstration ou l'arrogance, ainsi ce formidable passage a-cappella d'un choeur hautain dérivant de la Renaissance vers la comédie musicale accompagnée de permanents rires dérangeants en arrière fond.

WOTH est Un Monument disais-je…

… si vaste et puissant que je me demande comment cette jeune femme a trouvé les moyens de constituer un tel monstre, 80 musiciens ai-je lu quelque part, une production minutieuse, inévitablement régie dans la chronologie abstruse du cinéma - à savoir les scènes tournées dans l'ordre de la présence des comédiens et décors -, engagée et soignée, tissée de couches entremêlées si précisément audibles, un travail de mixage par des doigts d’orfèvre au service de la grande entrepreneuse qui a dû coûter une fortune pour une probabilité commerciale incertaine, un urbanisme musical élitiste peut-être, en tout cas très énigmatique et probablement pas intégralement compréhensible alors qu’il suffit d’accepter de se laisser porter pour qu’aussitôt cette symphonie magistrale parle au cœur, au sang, à la peau, et vous embarque dans un tourbillon angoissant ou souriant ou grinçant, vous fait virevolter dans ses contrastes saisissants, l’intensité conceptuelle entrant alors en prise directe avec l’âme et tournant au pur ressenti : l'abandon mystique devient sien.

Un tel disque ne pouvait sans doute qu'être réalisé à Berlin, la seule ville où l'Underground est un serment direct, pas une contenance de mode décalée, tout ce dont l’artiste belge semble se moquer éperdument dans ses doutes jetés sur partitions.

Du Grand Art tout simplement, immortel comme il se doit, à l’aune de certains grands Requiem.

Et elle n'a pas 30 ans !!!

Vulnicura de Bjork, WOTH de LvdA, la musique conceptuelle, intelligente et en même temps émotionnelle se porte bien en ce début 2015.

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Petite déception :

Prokofiev, la suite de Roméo & Juliette par le Chicago Symphony Orchestra dirigé par Riccardo Muti.

J’ai acheté ce fichier HD sur la recommandation du magazine anglais Hifi-News, une œuvre haute en couleurs et contrastes que j’aime beaucoup, c’était tentant.

Le résultat n’est pas exécrable, bien sûr, les timbres de l’orchestre que Muti essaye de dégager le plus souvent possible sont remarquables, la vision est guillerette parfois.

Mais un peu pompeuse le plus souvent, enguirlandée à l’excès, ni russe ni italienne mais viennoise comme certaines pâtisseries un peu trop chargées.

Ornementations parfois minaudantes, passages sirupeux créant des longueurs où Maazel dans son intégrale, nous emballait toujours dans des bondissements festifs ou des horreurs sombres mais si évidentes, si compréhensibles, si naturellement lisibles dans ce récit de passion et de mort. Celle de Tybalt par exemple n’a sous la baguette de Muti aucune dimension dramatique mais se prend les pieds dans un somptueux tapis tissé par un orchestre plus écrin qu’expressif.

Le bonheur du son au moins ? Pas vraiment, car si les timbres sont précis et légers, si la dynamique est démonstrative, la compréhension de la scène est très incertaine, artificielle et d’autant moins excusable qu’il s’agit d’un live sous le label Chicago-resound.

On ne peut décidément pas faire confiance aux magasines hifi pour parler musique, ni son d’ailleurs, c’est déprimant…

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Arnold Schoenberg

Concerto pour Violon & Orchestre, op 36 & Concerto pour Piano & Orchestre, op 42

Michael & Daniel Barenboïm, Pierre Boulez

Wiener Philharmoniker

Intéressant regroupement de deux œuvres rares enregistrées à quelques années d’écart sur ce curieux disque.

L’opus 36 joué par Michael Barenboïm et dirigé par son père est remarquable et fascinant de bout en bout.

Le père et le fils suivent une voie fusionnelle où le violon, refusant l’apparat, s’intègre au discours général et ne brille pas plus que chacun des partenaires.

J’adore !

Œuvre délicate et parfois abrupte, technique dodécaphonique oblige, les blocs alternent et s’entrecroisent avec une intelligence parfaitement maitrisée par les musiciens, jeux de couleurs et écheveaux sériels, curieuses fantaisies lyriques, ruptures nettes et enrobages sinueux, l’œuvre nous ballote dans un paysage sans formes définies ou repères surs, comme un voyage dans 4 dimensions improbables, c’est un délice de se laisser emporter dans tels méandres, sans avoir besoin de les comprendre, aucune raison de vouloir analyser la pensée complexe de Schoenberg pour goûter cette proposition brute.

L’enregistrement live est une réussite parfaite, précis, une scène sonore cohérente et profonde, le violon se fond impeccablement dans l’orchestre et les débats de timbres définissent une lisibilité irréprochable de tous les acteurs.

Je ne connaissais ce concerto que par Hilary Hahn et Salonen, beau disque également, plus lumineux, Hilary Hahn au meilleur de sa forme prouvait qu’elle avait parfaitement compris l’œuvre et offrait une version plus axée sur la performance étincelante du violon, mais Salonen donnait une tonalité un peu badine à l’ensemble. Recommandé toutefois, d’autant plus que le Sibelius est majestueux.

En revanche sur le disque Barenboim / Boulez, j’ai été moins séduit par le concerto pour piano, possiblement parce que l’œuvre m’a moins porté, donc je m’abstiendrai de parler de l’interprétation.

*******************************************

Enfin pour finir un peu de rock / métal alternatif avec deux disques de « A Perfect Circle ».

Un groupe fondé par Maynard James Keenan, un type qui réussit bien ses projets en général.

Ayant récemment, dans le cadre de la conversion numérique de ma discothèque CD (nous en sommes à plus de 3500 disques soit un peu plus de la moitié je suppose… C’est long et fastidieux mais utile) redécouvert le deuxième disque du groupe, Thirteenth Step, je me suis rendu compte que je n’avais pas eu la curiosité de voir ce qu’ils avaient fait depuis.

Pas grand-chose, mais j’ai quand même téléchargé eMOTIVe, datant de 2004.

Ce sont vraiment deux chouettes disque de rock, efficaces, malins, très léchés, même élégants, sans aucune facilité ou concession (euh, tout compte fait sur eMOTIVe un peu quand même), simplement guidés par le refus de rester dans des cadres et s’évertuant à alterner le chaud et le froid avec des transitions habiles, bien pesées, un bon gros son asséné par des musiciens puissants qui n’ont pas besoin d’être démonstratifs, c’est pur et raffiné, costaud et subtil.

Pourtant, Thirteenth Step est très supérieur à eMOTIVe, car l’album au-delà d’être vigoureux et bien charpenté n’hésite pas à nous émouvoir, nous embarquer sur des lignes mélodiques riches dans une promenade entre beauté, douceur, mélancolie, violence, sans jamais nous perdre ou nous ennuyer.

Une bonne redécouverte, un grand disque.

eMOTIVe, essentiellement fait de reprises, est plus inégal, moins personnel et inventif, moins indispensable, voire pas vraiment indispensable.

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J’aurais aimé vous parler de l’excellent disque de David Chevalier : Standards & Avatars, mais je crois que Pierre-Yves nous prépare un papier de son cru.

octobre 2013


Dans un billet il y a quelques mois, j'essayais de vous faire partager mon enthousiasme pour le formidable Tower Vol 1 de Marc Ducret.

Voici la perception du projet Tower et son aboutissement par un ami du magasin.

 

Marc Ducret, Tower vol. 3,
 

par Pierre-Yves DB.


Un concept peut-il être à la fois abstrait, figuratif et narratif ?

Peut-être une amorce de réponse au travers du seul « nomen » désignant les 3 premiers étages de cette 3ème tour : « Real Thing 1, Real Thing 2, Real Thing 3 ».

Real Thing … Vraie Chose ou Chose Vraie ?

La langue anglaise, par ses subtilités, permet à l’esprit baladeur de s’aventurer au-delà du formalisme habituel qui aurait tendance à l’étriquer un tantinet.
L’imaginaire se moque bien de la vérité mais ne répugne pas à habiller ou à parer ses inventions de toutes « choses » propres à donner, à chacune d’elle, une réalité reconnaissable entre toutes.

Pour les chanceux qui ont pu s’imprégner d’un concert de l’ensemble Tower- Bridge (salle Paul Fort le 21/11/2012 entre autres) et ont écouté en direct ou sur disque les autres propositions - concrétisations du projet « Tower », il apparaît assez nettement je pense que la « chose vraie » peut, selon le contexte et la perception qu’en ont les artistes associés à ses diverses réalisations, prendre des identités variables sans renier sa nature originelle.
En quelque sorte, l’objet thématique, fût-il abstrait, survit immanquablement à la mutation de ses apparences même s’il nous entraîne sur des territoires bien différents.
   

Depuis longtemps, Marc Ducret aime les labyrinthes et les poètes (qui parle – sketch). Il s’en nourrit et les fait vivre dans des univers qui lui sont si personnels et pourtant nous semblent si familiers.

Avec le projet « Tower », l’épure prend encore de la force et se suffit pratiquement à elle-même.
Puisque maintenant l’histoire est complètement intégrée au geste musical, chaque groupe apportant sa marque créatrice, la « chose vraie » se raconte au gré des rencontres et au fil des émotions. Considérer en les séparant les 3 groupes qui se la sont appropriée (real thing 1 et 2 pour le 1er, real thing 3 pour le 2ème, real thing 1-2-3 pour le 3ème) reviendrait à tronçonner une cathédrale (pardon si l’image est un peu exagérée).

Le paradoxe cependant  demeure: chaque version de la « chose vraie » est une vraie découverte, avec ses propres épices, odeurs, formes et couleurs ( ni tout à fait la même, ni tout à fait une autre...).


La 3ème mouture, en sextet, réunit donc les 3 « Real Things » dans une vision - interprétation excluant toute redite formelle.
L’instrumentation choisie : trombones, piano, célesta, vibraphone, percussions, guitare, démontre à l’envie que le concept fonctionne, parfois dans une approche quasi chambriste (au diable les genres).     
Densité des propos, clarté de l’expression, fragments de beauté presque indicible, jamais de vains « effets de manche » (pour Ducret s’entend, même si le bougre…), tension prégnante à la limite du stress, magie de l’équilibre harmonique et rythmique (malgré la complexité), respiration des timbres, grâce du dessin qui s’élabore et se régénère sans cesse…



Le dernier passage symbolise l’effondrement de la tour composée des 3 « choses vraies ». Comme si le fragile ensemble ne tenait qu’à un souffle ou à un quart de ton, comme si la « chose vraie » n’était qu’éphémère, comme si la « chose vraie » n’était pas en fait une « vraie chose ».



 Tower vol. 3 de Marc Ducret : un très beau disque, « vraiment ».           

novembre 2013

 

MOUTIN FACTORY QUINTET

Lucky People

Plus Loin Music



Par Pierre-Yves DB




Deux : c’est déjà géométrique et les jumeaux MOUTIN, François (contrebasse) comme Louis (batterie), scientifiques de formation, sont des experts reconnus dans l’art de se situer l’un l’autre par rapport à tout objet musical, de préférence coloré et percussif.

L’objet en question ici prend la forme d’un pentagone qui tenterait tantôt de circonscrire un cercle, tantôt de venir s’y nicher en prenant toutes les tangentes possibles et imaginables, au gré des envies ou des impulsions.

La « rythmique des frères », ainsi qualifiée par le milieu interlope du jazz hexagonal, s’est donc adjointe trois partenaires : Manu Codjia (guitare), Thomas Enhco (piano), Christophe Monniot (saxes alto et sopranino), aptes à tracer de nouvelles figures, à dilater l’espace-temps sans trop bousculer la perspective d’ensemble.

Sous cet angle, la greffe semble avoir bien pris.

Le carburant thématique est totalement fourni par Louis et François mais, rassurez-vous, les trois autres comparses ne se privent pas d’y faire infuser leurs décoctions personnelles, histoire d’en enrichir encore la teneur.

D’ailleurs, pas de « compositions » au sens convenu du terme. Plutôt des motifs relativement sobres, épurés, sans doute plus facilement malléables. Parti pris assumé d’une expression parfaitement libérée mais centrée sur le collectif car constamment ouverte à tous dialogues/interventions.

La Fabrique Moutin ne fonctionne pas sous le signe de l’ego, pas davantage sur un mode improbable du genre « François, Louis et les autres ». Elle est la somme de 5 voix égales dans des registres singuliers.   

Que dire maintenant d’une 1ère production tout juste sortie d’atelier ?

Surtout pas d’exégèse censée calibrer au millimètre 10 propositions mutantes et fluctuantes par définition, s’adressant autant à notre part sensorielle qu’à l’imagination. J’en suis incapable...

D’abord qu’une constante sans variable sous-tend toute l’écoute : aucune surexposition des idées (serait-ce l’héritage de Monk ?)

Ensuite, qu’il vaut mieux peut-être, dans ce genre d’exercice, m’en tenir à des impressions même fugaces, bribes de mémoire évadées un moment, quitte à les livrer pêle-mêle. Les titres indiqués ne sont à prendre que comme des repères, un fil d’Ariane en quelque sorte :

-    Saxe alto sinusoïdal, méandres aquatiques hésitant entre furie et douceur, guitare rêveuse… (lucky people)

-    Pas de danse de la basse, subtils unissons piano/basse puis saxe sopranino/guitare, cymbales superbes ouvertes aux arabesques d’un piano lumineux contrastant les étirements d’une guitare habitée, saxe en vol libre… (dragonfly)


-    Chanson du souffle, tendresse d’un piano tout en retenue coloriée par une basse qui s’émancipe au fur et à mesure… (soul)

-    Citations pleines d’humour sur fond de groove, en ping-pong, tomorrow is the question ?... (ornette’s medley)

-    Climats aventureux, inquiétude, incertitude fiévreuse, tension permanente, guitare écorchée, walking bass comme un retour vers le be-bop… (relativity) peut-être le titre le plus riche en variations/séquences

-    Superbe intro du piano, un poil mélancolique, lever du gris sur un ciel d’intervalles… (forgiveness)

-    Basse à la Jaco Pastorius, joli clin d’œil à Weather Report, ombre de Wayne et de Joe… quand tu nous tiens !… (busy day)

-    Miroirs amusés et double regard sur un jazz « old school », jeux d’aller-retour en mouvement perpétuel. Pourquoi Manu Codjia me fait-il penser à John Scofield? Le son, le phrasé?... (moving on)

-    Vraie alchimie du verbe électrique, utilisation archi pensée des effets (delay/volume), opération à vif de la note jusqu’à sa déstructuration, thème bâti comme un riff sur le déséquilibre entre contretemps et syncope, pulsation apaisée de l’instant sur un pas de glisse… (you’ll be fine)

-     Saxe colemanien, combat d’une mouette contre un big band… (conflict)  



Une conclusion ?

L’ouvrage est plus que séduisant, hypnotisant même par moments.
Manifestement, le pentagone a trouvé son centre de gravité dès sa 1ère sortie.

Un souhait ?

Que la fabrique Moutin ose encore davantage. Quand on sait le talent des musiciens qui la constituent, le risque n’est pas bien grand.

En tout cas, l’envie de les entendre en concert.

ONPL le 10 juin 2015

-    Haydn, symphonie n°1
-    Ravel, Concerto en Sol
-    Chostakovitch symphonie n°10

Bertrand Chamayou au piano
Thierry Fischer, direction

Certains se sont étonnés que j’écrive de moins en moins ce genre de chronique.

Est-ce que je vais moins souvent au concert ? Pas sûr, ai vu et entendu quelques jolies choses en jazz et pop/rock, mais pas eu envie d’écrire ; est-ce dû à la sensation de me répéter ? Possible ou alors pas envie d’être tiède à propos d’artistes que j’aime beaucoup par ailleurs.
Moins de concerts, globalement non mais ceux de l’ONPL sans aucun doute oui, ça devient insupportable cette banalité moyenne rasante, Dusapin est probablement un compositeur talentueux mais pas toujours bouleversant quand même et son pote Rophé décidément ne fait pas décoller notre Orchestre chic mais pas choc. Pour l’instant l’ère Rophé est une mi-temps plan-plan. J’aimerais savoir si cet orchestre connaît toujours le plus fort taux d’abonnement du pays alors que souvent considéré dans la profession comme, disons… perfectible ; mais j’en doute ; pour l’année prochaine il ne faudra pas compter sur moi, sur nous, car nous sommes quelques-uns à nous décourager.

Toutefois, ce que j’ai entendu hier m’a donné envie de reprendre le clavier pour remercier au moins Bertrand Chamayou et Thierry Fischer et les musiciens de l’orchestre qui ont donné sincèrement. Pas tous.

Passée une fadasse 1ere symphonie de Haydn (on aurait tendance à oublier qu’il a bien fallu qu’il y en ait eu une première !), fadasse parce que cette musique de cour était jouée gentiment mais sans enthousiasme, sans élan ou allant, sans finesse ou liberté (le programme stipule rythme endiablé pour le dernier mouvement ? Les diables avaient sans doute trop copieusement dîné !) arrive ce qui probablement m’intéresse le plus ce soir : Le Ravel avec Chamayou.

Qui ne m’a pas déçu ! Elégance permanente sans la moindre posture (ouf !) son jeu est en phrasé continu, liquide, si insensiblement fluent, les doigts caressent le clavier susurrant une musique limpide et délicieuse, des pastels d’une pureté harmonique au-delà du poétique, et l’homme, regardant souvent ses collègues musiciens,  a la gentillesse de suivre ses camarades, préférant pardonner les faiblesses de l’orchestre, se recalant si nécessaire pour corriger la dérive temporelle d’un hautbois, une flûte ou une clarinette au lieu de jouer les divas, distillant des nuances imaginatives comme pour mieux cacher le manque totale d’icelles dans l’orchestre.

L’interprétation générale, si elle ne renouvelle pas le genre, est enthousiaste et enlevée avec un sens du rythme préféré par Thierry Fischer à celui des nuances dynamiques, ayant probablement choisi de ne pas chercher l’impossible, à savoir les deux, car la finesse, Chamayou s’en charge tout seul en se fondant dans la masse le plus souvent, s’en extrayant avec grâce quand il le faut, transformant ce bel exercice, cet écrin dévertébré en un concerto pour orchestre avec piano ce qui personnellement me convient parfaitement, principalement dans le deuxième mouvement jamais dégoulinant mais simplement très beau, très pur, infusant une vénusté attendrissante d’une saveur rêvée. Une caresse sur la peau d’une femme pendant une danse sensuelle, du jazz au slow, la chaleur des corps, un piano affectueux dans un orchestre se démenant sur une scène doucereuse.

Fischer favorise donc de suivre les jeux de teintes du pianiste, les errances jazzy du texte plutôt que de chercher à imposer une impossible réserve à ses mauvais élèves et le résultat, sympa mais pas transcendant quand même, est de nous avoir proposé un généreux moment en compagnie d’un artiste majeur, humble et discret, procurant une douceur fluide à son clavier impressionniste à souhait ! Un bon moment, d’autant qu’à défaut de légèreté, l’orchestre a fait preuve d’une manifeste bonne volonté et d’un ensemble qui fait hélas souvent défaut, ne trahissant jamais l’esprit du texte si inventif que, en dépit d’une instrumentation étonnamment légère, Ravel assène de puissants effets sonores.

Ce Fischer me plaît ! Magnifier la musique française avec l’ONPL, c’est une performance !

Splendeur pianistique transcendante dans Jeux d’eau offert en bis par Chamayou, qui imprime dans une œuvre plus techniquement difficile qu’il n’y paraît des accents lisztiens parfois, bartokiens encore, avec une évidence et un humour tendre absolument émouvants. Et toujours, ce courant doré, fontaine liquide, éclats d’orage et gouttelettes en suspension, un tableau, une peinture de maître, Chamayou recrée du Monet sous nos yeux et oreilles émerveillées par les faunes en goguette…

Un grand monsieur je crois, pourvu qu’il continue à travailler avec patience, intelligence et distance. Si le métier lui en donne l’opportunité et ne le ruine pas, s’il sait garder la distance de l’humilité.

10ème de Chostakovitch frappée dans une sorte d’urgence violente et sidérante, qui fonctionne plutôt bien même si le second degré ironique, les zones sensibles ou mystérieuses que sait dégager Sanderling par exemple, sont zappées au passage.

Les quatre mouvements se ressemblent un peu trop, le monumental et complexe premier est plus impressionnant et miroitant que sombre et intérieur donnant un ton général un peu bourrin qui, n’en déplaise aux amateurs de spectacles zim boum boum, n’est pas la seule option pour jouer Shosta.

Dans le deuxième, la progression est plutôt bien agencée et le troisième enfin assez varié, orné de ruptures habiles.

Le quatrième, tout en paradoxes, voit sa structure, flottante, comme en attente d’un paroxysme qui ne viendra jamais vraiment, un désenchantement entre peur et provocation, correctement respectée en dépit de l’absence quasi-totale de mystère et clairs obscurs indispensables …

Curieusement, dans ce déferlement tonitruant, Fischer s’autorise et réussit quelques belles parenthèses figées, de rares instants où le temps est suspendu, et l’orchestre devient délicat, beau travail des cordes soit dit en passant, offrant une ductilité à laquelle nous ne sommes pas habitués ici, et des couleurs « somptueuses » (j’exagère un peu mais la perception du boisé est si rare à Nantes), les bois pourtant très applaudis ayant avant tout réussi l’exploit d’être un peu trop bruyants à mon goût, ce qui n’est pas gênant dans Shosta mais était un poil plus énervant dans le Ravel.

Une bonne soirée donc, niveau minimum de ce qu’on devrait attendre d’un tel orchestre de province, soit, et une vraie découverte :
Pas Chamayou évidemment qui dans son triptyque génial des Années de Pèlerinage prouvait sa maturité inouïe, sa technique irréprochable, son sens des pastels et son intelligence conceptuelle…

… Mais Thierry Fischer, très efficacement expressif dans sa gestuelle jamais guindée, qui a parfaitement su composer avec les qualités et failles de l’orchestre d’un soir tout en affirmant une envie de couleurs et une qualité de swing de haut niveau !

Je le proposerais volontiers comme chef permanent.

27 novembre 2014

Concert à l’ONPL, soirée Symphonie Romantique du mercredi 26 novembre.

Debussy, 3 études apparemment orchestrées par Michael Jarrell

Mahler, Lieder eines fahrenden Gesellen

Véronique Gens, soprano 

Bruckner, symphonie n°4

Direction Pascal Rophé

Rien à faire, vouloir donner des soirées à thème, ça me fait toujours un peu sourire, et réunir dans un même programme sous l’idée du romantisme Mahler, Bruckner et Debussy, mouais, c’est vraiment histoire de trouver un thème.

Cependant la musique "romantique", théoriquement je suis preneur...

Les premières notes de Debussy s’annoncent bien, égrènement les frétillements lyriques d’une légèreté aérienne de bon aloi sans toutefois atteindre l'apesanteur debussienne idéale, quelques jolies touches de couleurs tissent cette toile qui synthétise assez bien l’univers diaphane et impressionniste de Debussy, ce M Jarrell a bien appris ses leçons.

Mais rapidement l’ensemble manque un peu de ces nuances limpides de glissandi murmurés qui évaporent la magie sensible de Claude D.

Une introduction pas désagréable mais pas indispensable non plus.

Orchestre pléthorique pour la suite, ce magnifique et court cycle de lieder de Mahler.

D'emblée le même constat s'impose : pas de nuances dans les attaques de notes, surtout les vents. Néanmoins quelques pastels raffinés font plaisir à entendre et puis surtout l’écriture méticuleuse de l’orchestre-écrin de Mahler est si accaparante que la musique passe en dépit de l’approximation.

Véronique Gens - que j’aime beaucoup par ailleurs - ne me paraît pas tout à fait à son aise dans ce registre (et cette langue ?) et son timbre reste un peu banal notamment dans les ardeurs quasi-wagnériennes où la voix blanchit plus encore et l’articulation, déjà pas très nette d’où je suis, disparait complètement. En outre, si le chant est là, élégant et puissant, on a connu des conteuses plus inspirées, plus volubiles pour narrer ces poèmes bucoliques sillonnés de douleur toute goethienne.

Bruckner enfin.

Un début de cordes imperceptible très vite écrasé par le déferlement des cuivres qui transforme ce premier mouvement en concerto pour cordes et fanfare de carnaval.

C’est inaudible et incompréhensible, sans intention détectable, si ce n’est qu’on suppose que toutes les notes sont bien là et j’en arrive à redouter, dans les échos répétitifs de Bruckner, les instants où l’armée va à nouveau attaquer sabre au clair. Les cuivres se calment un peu à la fin du mouvement et aplatissent un peu moins les pauvres piétons sous leurs assauts, mais trop tard, le mouvement est fichu, on n’y croit plus, personnellement je songe même à m’éclipser.

Certes, Bruckner lui-même parlait de cavaliers sur de fiers chevaux, mais pas de charge d’une horde barbare déferlant sur de frêles vierges…

Je pars ? Allez, non, je reste…

Très beau deuxième mouvement ! Quelle splendide surprise... Un remarquable travail des cordes, délicates et quasi sensuelles, beau jeu d’aquarelles entre les registres, c’est presque frémissant ! Presque... mais formidable quand même !

Troisième mouvement réussi, même si un peu mécanique dans sa scansion et ses répétitions, les boucles brucknériennes s’accumulent plus qu’elles ne s’enchaînent, pour autant les cuivres à la fête dans cette verve de chasse à courre procurent de beaux éclats sidérants. Pas mal en dépit, toujours, d’un manque de nuance des attaques de note, particulièrement le flutiste au sein d’une petite harmonie par ailleurs colorée. Travail soigneux des cors, suaves et réservés.

Evidemment ça se gâte dans le dernier mouvement.

Car il est énoncé comme un rabâchage exact de la succession de blocs systématique du 3ème mouvement.

Et du coup appauvrit l’œuvre par une construction uniquement machinale et répétitive, médiocrement prosaïque, où les variations se succèdent comme un défilé militaire.

Non, la rhétorique brucknérienne ne doit pas être, ne peut pas être ainsi : ce dernier mouvement fonctionne sur un élan perpétuel, un enchainement virevoltant de tourbillons, la mobilité infinie d'un bal enivrant, pas une répétition systématique de manies métronomiques et bruyantes. Ajoutons encore le manque de souplesse des bois et cuivres (sauf les cors) sapant la ductilité des cordes excellentes mais un peu submergées et on rate ce dernier splendide flot puissant, à l’exception de l'ultime crescendo gracieux et mesuré, quelques mesures de vraie compréhension et bonheur.

Une honnête soirée, pas une catastrophe, loin s’en faut, ni évidemment une découverte où un moment de frissons.

Peut-on attendre mieux de cette phalange très irrégulière ? On finit par en douter… Au moins ce soir, ils jouaient ensemble.

Toutefois, en sortant, on se demande quand même pourquoi cette symphonie de Bruckner est qualifiée de « romantique ».

AC

26 ctobre 2014

Emile Parisien Quartet, Tricky, Neneh Cherry, Schubert par Philippe Cassard

Par Alain

Emile Parisien Quartet, Spezial Snack
Julien Touery (piano), Ivan Gélugne (contrebasse), et Sylvain Darrifourcq (batterie).
Label ACT

J’avais brièvement évoqué il y a quelques années le deuxième opus de ce saxophoniste déjanté et son quartet jazz : « Original Pimpant ».

Qu’en est-il quelques années après cette formidable découverte, ce disque qui revisitait la musique du XXème siècle, une sorte de déstructuration de concepts divers ?

Emile Parisien, on le voit partout depuis quelques temps, Humair, Peirani, Portal, Céléa…

Ne va-t-il pas se brûler les ailes à force de s’exposer ainsi ?

Pas sur cette nouvelle parturition en tout cas !

Après un passage intermédiaire par un très chouette « Chien-Guêpe » qui affinait les sonorités du groupe, notamment la magnifique harmonisation piano/saxo, « Spezial Snack » semble boucler la boucle en restructurant le discours, enfin, si on peut parler d’explosions restructurantes.

D’ailleurs, doit-on absolument considérer qu’on a affaire à du jazz ?
Certainement pas : c’est de la musique d’aujourd’hui au sens large, contemporaine au sens exact, si vigoureusement imaginative et enthousiasmante, loin des foins idiomatiques, convoquant Shorter et Coleman peut-être, mais pourquoi pas Berg et Varèse ?

Cinq plages, cinq fleurons inventifs, malins, extravagants, erratiques et atmosphériques, en perpétuelles oscillations, rythmiques parfois, chromatiques souvent (au sens visuel, les couleurs fusent en feu d’artifice), des variations brutales, sortes de heurts maîtrisés, jamais chaotiques, d’interruptions brutales mais drôles, engendrant, selon moi, un album de photos aux motifs serrés dont les ambiances sont indescriptibles mais plutôt faciles à lire, plus qu’à jouer toutefois car les compositions accidentées demandent une complicité que ne peuvent porter que des virtuoses qui se connaissent par cœur, d’instinct, qui jouent inlassablement ensemble, tellement l’exécution acrobatique est maîtrisée et jamais démonstrative.

Musiques quelquefois un peu techniques, conceptuelles, riches de thèmes et de développements, avec une réussite particulière pour la composition de Julien Touery, un climat oppressant qui s’installe graduellement puis s’emballe dans un long suspens à vif, geyser de folie puissante où les musiciens sont plus que 4 tant l’intensité déployée burine un réseau de fièvre et de transe.
Un batteur qui n’hésite pas à flirter avec le funk, le rock, percussionniste transgenre, il varie ses effets avec une aisance qui tourne au panache, un son de pied puissant qui impose le tempo profond, un bassiste fluide et élégant, un pianiste aux couleurs troublantes ou déglinguées, utilisant toute la gamme du piano et n’hésitant pas à superposer ses doigts agiles à ceux volubiles d’Emile Parisien créant en duo la volupté magnifique d’un instrument nouveau, et bien sûr Emile Parisien particulièrement affuté, brillantissime, dont le son est toujours aussi beau (mais comment fait-il ?) et les dérives lyriques toujours aussi animées, devenant sa marque de fabrique sans pour autant qu’on puisse vraiment déterminer s’il y a un leader au groupe car la fusion est idéale, la place de chacun fondu dans un tout unique, musiciens unis, tendus vers un but qu’ils servent à la perfection, sans jamais oublier l’humour, la distance, la capacité à plaisanter qui donnent cette verve si « speziale » à cette formation plus qu’attachante : décapante, puissante, virtuose, ensorcelante…

Petit regret personnel et burlesque : je me suis pris plusieurs fois à attendre le chant de Marjolaine Reymond sur les dévergondages du Quartet tant la structure mentale, libre, onirique, sidérante semble créer un lien immédiat entre les créativités richissimes de ces artistes supérieurs.

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Tricky
Adrian Thaws

Je suis fan de Tricky, je n'y peux rien, c'est comme ça.

Pour ceux qui ne connaissent pas l’enfant de Bristol, Tricky Kid est un des initiateurs de ce style difficile à définir, le Trip-Hop ; il a collaboré avec Massive Attack (pas longtemps, il était mal à l'aise avec le succès et la dérive commerciale du groupe), avec Björk et d'autres et a produit l'extraordinaire premier album de Martina Topley-Bird qui est un instant majeur de ma discothèque, « Quixotic », beau, sensuel, délicat, magique, enchanteur, je le recommande chaudement.

Ça ne m'empêche pas de reconnaître qu'il y a parfois du moins bon chez Tricky, genre Blowback, voire du très discutable (Mixed Race) mais je préfère retenir les puissants Maxinquaye, Pre-Millenium Tension, Nearly God, je ne garantis pas la chronologie.

Qu'en est-il de l'éponyme Adrian Thaws ?

Dans la mesure où on attend parfois d'un artiste important qu'il se renouvelle sans cesse, on va classer cette nouvelle offre dans la bonne moyenne, un assemblage un peu fourre-tout des différentes facettes du galopin ; mais dans la mesure où on accepte de Tricky qu'il tombe un peu dans les manies de Tricky, c'est un disque formidable.

La faille est sans doute qu'il commence très fort, un enchaînement de 4 titres absolument sans faiblesse qui vont sans doute faire pâlir un peu la suite ; le 4ème titre, « Keep me in your shake », n’est pas super original mais Tricky donne le tournis avec la trouvaille stupéfiante d'un effet violent et vertigineux dans les fréquences graves qui est un climat à lui tout seul (à condition que le système de reproduction suive).

Notez que le registre grave est particulièrement travaillé sur l’ensemble du disque, gros son garanti mais dans une composition de timbres soignée !

Alternances de morceaux simples mais groovant à souhait, de ballades sombres, de jets d'énergie ou de fuseaux de tension épuisante (« My Palestine Gril » : du Tricky de la meilleure veine, ce débit inimitable qu’on aimerait entendre plus souvent dans l’opus, une chanson sévère, ensorcelante, inquiétante !), l’enchainement des couleurs du bonhomme, originales, précises, cinglantes ou enveloppantes, tient la route ; en dépit, ça et là, de chenaux sans grande saveur, on parcourt la galaxie Tricky en un seul disque irrégulier, qui définit bien le style du Kid: des sonorités personnelles, des arrangements quasi-minimalistes, un titre, un thème (2 rarement), une couleur !

Pour ceux qui ne connaissent pas ce thaumaturge du son, ce peut être un bon album de découverte, de belles idées, une forme de synthèse, un peu orientée danse, même si on peut regretter de ne pas entendre plus longuement la voix vraiment « space » de Tricky au profit certes d'une bande d'invités attirants.

Un bon cru qui vous donnera, j’espère, l’envie de découvrir plus loin le parisien d’adoption.

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Et si on restait dans le trip-hop, tiens…

Neneh Cherry, Blank Project.

Oui bon, ça a quelques mois déjà, mais pour une artiste essentielle de la soul qui n’a rien sorti de majeur en 15 ans (quelques participations ça et là notamment avec CirKus qui n’est quand même pas bien passionnant), et enchaîne en quelques mois deux projets totalement originaux, the Cherry Thing en hommage à papa et Blank Project histoire de prouver qu’elle a beaucoup à dire et qu’elle ne craint pas les petits jeunes, je ne vais pas me priver…

Vous ne connaissez pas Neneh Cherry ?
Honte sur vous.

D’abord parce qu’elle est une belle femme, dans tous les sens du terme, et une chanteuse singulière dotée d’un « move » sans équivalent, Manchild (Raw like sushi) quelques souvenirs érotiques en prime sur cet album (Myryam où es-tu ?) puis l’absolument sublime Homebrew avec les titres beaux à pleurer, « Move with me » :

move with me, I’m strong enough
to be weak in your arms
move with me, I’m strong enough
to be real in your arms

… quand même ! et l’apocalyptiquement pudique « Red Paint » suivi de l’inégal album « Man » et le super tube « 7 seconds » avec Youssou N’dour qui éclipse malheureusement  les extraordinaires « feel it », « golden ring » (un lyrisme curieux de guitare espagnole survolant un sfumato de cordes comme une brume issue du désert) et le puissant, très puissant « carry me », et partout le chant sans aucun, je le répète, aucun équivalent de Neneh Cherry.

Blank Project  donc

Enregistré par Four Tet dans une église.

On ne peut pas imaginer une seconde ce que cet album non identifiable va donner, qui s’inscrit en fluidité introvertie dans une sorte de, de quoi, hip hop lent, soul détorse, pop déstructurée ? Comme Parisien désorganise le contemporain, on est ici en mouvement dans une errance fluide, parfois inquiétante, prise d’une passion assagie, assumée, slam, électro, pop et fusion. Les sons plutôt minimalistes, les rythmes, la solennité quasi religieuse sont déstabilisants à souhait.

Il y a dès la première chanson, grave, lente, scandée, posée, au tempo profond, une forme de mysticisme qui s’installe au premier pied de batterie,

Mais aussitôt apparaît le problème de l’ensemble du disque. Le tempo est profond mais jamais on ne va au fond d’icelui. Curieusement, si l'ensemble de l’opus est beau, inventif, ça ne groove pas, il y a quelque chose de plat, un phrasé hypnagogique dans le swing, un rien mécanique, et la sublime chanteuse soul ne parvient pas vraiment à voguer au-dessus de cette machine sophistiquée (l'univers somptueux et poétique de « 422 »), sauf peut-être dans le tourmenté et inspiré « spit three times ».

Le chant de la belle est sincère sans aucun doute, vient du cœur et en frissone, même si la voix semble fatiguée alors qu'elle était parfaite sur l'étrange Cherry Thing, pour autant la vibration est simplifiée, la ligne un peu trop lisse.

Bon, il ne faut pas exagérer non plus : il y a tout de même dans le chant une fragilité sublime, une tendresse bienfaisante qui pose un contraste ambivalent entre la rigueur plastique des arrangements et l’humanité décalée du lyrisme émouvant de la dame.

Donc il faut bien évidemment acheter ce Blank Project parce que c'est original, beau et c'est Neneh Cherry.

Un petit mot de the Cherry Thing : un album hommage à (beau-)papa, en compagnie de musiciens suédois de free jazz (the Thing) (la dame est suédoise), qui donne un truc bizarre, inédit, la juxtaposition réussie de la voix soul et poétique de Neneh sur les dérives emballées du trio. Pourtant, l’ensemble est un peu répétitif à cause des codes du free jazz que des musiciens très talentueux sans aucun doute ne parviennent pas à sublimer vraiment.
L’album est trapu, charpenté, déterminé voire fou par instant, mais ne sort pas d’une sorte de ligne un peu grasse dont on peut se lasser vite en dépit de la frénésie d’un saxo ultra-technique, d’un batteur aux bras d’acier et d’une rythmique structurée comme les fondations d’une centrale nucléaire.

C’est un exercice sans repère, sans équivalent, porté par une chanteuse dont la vocalité irradie la sensualité et l’ironie dans un même mouvement lyrique puissamment empoignant et qui fait regretter 15 ans d’absence d’une artiste absolument irremplaçable.

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Schubert

Par Philippe Cassard
Sonate piano D959
En duo avec Cédric Pescia
Rondo D951
Allegro D947 "Lebensstürme"
Fantaisie D940

Dolce Vita

Un disque consacré à l’année 1828, dernière année de composition d’un Schubert très affaibli mais qui, comme libéré de la présence de Beethoven ou pressentant une fin proche, écrit fébrilement et dans une affirmation de soi abrupte : il jette tout et son contraire dans ses figures acrobatiques, ruptures brutales de forme, emballements dynamiques, jets de couleurs, une audace inouïe dont on comprend sous les doigts de Cassard la violence impérative, la peur peut-être.

Car Cassard joue ce jeu à fond, martèle les ruptures, ose les éclats, glisse subtilement dans les écarts d’émotions croisées, jamais les passages tendres ne sont mièvres mais tendus par une sorte de fièvre permanente qui n’est pas précipitation mais urgence, Cassard prend en charge cette brusquerie, cette vision du chaos, et déploie comme un éclairage interne d’une folie soudaine, sculpteur du clavier, sous ses doigts l’esprit et le cœur deviennent matière, il ne craint pas de révéler la chair meurtrie d’un Schubert frénétique, rageur que dévoilent certains passages fusant comme des coups de flingues nous laissant aussitôt au bord du précipice dans des silences interdits ou de longues ondes d’apaisement sans pour autant en faire une figure systématique une posture, il sait exactement quand cette démesure doit céder la place aux nuances, aux reflets du passé proche d’un compositeur jeune, rêveur mais épuisé et meurtri.

Je n’ai pas le souvenir d’avoir écouté ce dernier épisode schubertien et ses contradictions enfiévrées aussi franchement assumé.

Bravo !

Un petit bémol : la prise de son un peu lointaine gomme légèrement la folie hébétée qui anime les musiciens mais sans que ce soit rédhibitoire pour autant.

Mai 2013

Peirani, Van der Aa, Ligeti, Youn Sun Nah, Woodkid

Par Alain

Ça fait un petit moment que je n’ai pas eu l’occasion de m’exprimer côté musique ou billets d’humeur (j’étais coincé par un problème technique sur mon ancien site !), aussi, par crainte d’avoir un peu perdu la main, vais-je recommencer en douceur.


Et donc par un instant de douceur :


Thrill Box de Vincent Peirani (accordéon), digne héritier de Galliano ou Mille, surpassant parfois ses pairs sur les jeux de couleurs et sa façon très poétique d’étendre la note avant de l’éteindre.


Pour son premier disque sous son nom (je crois) il est accompagné du pianiste Michael Wollny et du contrebassiste Michel Benita, ainsi que deux guests : Michel Portal et celui dont nous adorons les fantaisies audacieuses avec sa formation, Emile Parisien !


Le premier morceau, lente variation sur un thème des Chants d’Auvergne de Canteloube, donne le ton : un travail chromatique et rythmique exquis, très émouvant, s’exprimant dans un programme varié s’inspirant de sources divergentes, même si Baïlero reste isolé pour passer ensuite à des structures d’arrangement un peu plus habituelles mais toujours singulières.


Le piano très libre, très inventif, souvent très puissant de Michael Wollny garde tout au long des morceaux une place prépondérante, s’appuyant sur des éclats de doigts vigoureux, des contrastes habiles, et surtout sur une façon très déliée de se décaler du tempo, les notes souvent attaquées un peu en avance, rendant d’autant plus sensible la douceur posée, étirée des climats atmosphériques de Peirani. Le mélange des deux instruments crée un jeu de couleurs délectable, tout simplement beau, même dans les moments de lâcher-prise où les musiciens s’emballent soudain avec une urgence créant des climax magnifiques. La contrebasse de Benita, singulièrement solide, tendue, profonde, sait chanter chaude et libre et s’accorder aux moments puissamment tendres comme aux rondes exubérantes, aux danses chargées d’ivresse voluptueuse ou aux instants de distance humoristique telle que la pratique couramment le saxophoniste Emile Parisien, dont l’intervention dans cet album superbe et riche de bout en bout, prouve une capacité au lyrisme qu’il met rarement en avant.


Portal inspiré mais sobre grave dans les flux multicolores de Peirani le grain profond de sa clarinette basse comme un inoubliable témoignage du respect accordé à un jeunot !


Magnifique.


Prise de son plutôt réussie même si la mise en espace semble incertaine et la contrebasse de Benita un rien trop musclée, les timbres sont riches, délicats ; du bonheur !


Thrill Box, publié par ACT

 

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Ensuite, un album moins facile sans doute, une succession d'expériences éparses qui pourraient sembler dans le désordre tant les couleurs et idées ne se ressemblent pas d’un segment à l’autre, formant des univers dérivant :


Troops de Liesa Van der Aa.


Violoniste de formation (et clairement la maîtrise musicale est solide !), ayant participé de près ou de loin à quelques expérimentations du laboratoire Einstürzende Neubauten, la jeune chanteuse belge Liesa, voix basse et expressive, nous propose 10 morceaux explorateurs, des instants métissés qui se bousculent entre progressif, pop-rock et espaces sonores étranges et somptueux, atmosphériques, parfois électro, racontant la vie, amour et mort liés par l’absurde, des extravagances festives débouchant sur une parade de zombies indus.


Le tout ne semble pas vraiment construit pour faire un ensemble cohérent, mais chaque pièce de l’opus est puissante et ensorcelante, une curiosité biscornue, bourrée d'idées et de couleurs mystérieuses, oscillant de plages mélodieuses et poétiques vers d’autres jouant sur les nerfs, irritantes ou hypnotiques, artyhmiques et inattendues, élans gouailleurs dans lesquels grincent les sourires de Kurt Weil, la demoiselle torture quelquefois son violon jusqu’à en sortir des couinements plus crispants encore qu’un violon baroque mal joué, ou empile des combinaisons de merveilleuses sonorités chromatiques (ou pas !), complexes pas toujours faciles, parfois dissonantes, pas forcément neuves mais qui à l’arrivée créent un monde lui appartenant bel et bien et une sorte d’unité finale qui laisse perplexe. Pas un instant de répétition, pas une mesure sans idées nouvelles, rupture de rythme, de couleur, des couches supplémentaires sans jamais frôler la surcharge, bien au contraire, c'est tout en subtilité, en foisonnement pétillant !


Une atmosphère souvent obscure, une cathédrale hybride, brechtienne, pas franchement humble mais parfaitement aboutie, frappadingue sans être barrée ou inaccessible non plus forment un opus d'une intensité totale et indéniable, même si on n'est pas forcé d'aimer.

Mais on se demande qui pourrait ne pas aimer : autant d'idées lyriques ou chromatiques ou rythmiques si originales et réussies, n'est-ce pas la définition du chef-d’œuvre ?
 

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Un autre disque ?


Soit :

Pour rester dans le travail sur les couleurs et les dissonances, je propose du György Ligeti, une « compil » Deutsche Grammophon associant des œuvres pour orchestre, Atmosphères (1961) et Lontano (1967) par le Wiener Philharmoniker et Claudio Abbado (si si ! Et en live : rien que pour ça, ça vaut le coup !) ou encore Melodien par le London Sinfonietta et David Atherton, œuvres pour orgue, Volumina et Harmonies par le complice de Ligeti : Gerd Zacher, pour chœur, Lux Aeterna par Norddeutschen Rundfunks, et Ramifications pour orchestre à cordes par l’Intercontemporain et Boulez.


La version d’Atmosphères par Abbado justifie à elle seule l’achat du disque, ce jeu de pures teintes sonores amoncelées sur des motifs très brefs organisés en une accumulation sur une même hauteur de différents instruments est ici magnifié par les parfaites sonorités de Vienne et la lente diction orchestrale impeccable menée par Abbado qui sculpte les superposition de timbres comme issues d’un seul instrument polyphonique et balance les clusters comme autant de dramatiques éclats telluriens.


Lontano, lente avancée mahlérienne d’une aube musicale sortant des ténèbres dans un accord détiré et fluctuant entonné par les vents puis les cordes, qui resplendit bientôt, sous une brume d’étrangeté, et progresse patiemment, enchainant d’oblongs crescendos et décrescendos, une dérive onirique basculant vers une supplique quasi douloureuse de plus en plus forte et aiguë avant le retour aux mouvements étirés offrant une richesse chromatique totalement surprenante, un enchaînement de couleurs difficile à décrypter mais si ensorcelant, toujours sublimé évidemment par Vienne et Abbado.


Je ne vais pas détailler tout le disque mais il n’y a pas un instant d’ennui et la qualité de captation est irréprochable sur des univers musicaux pourtant difficiles autant à enregistrer qu’à reproduire, tournant surement au comique sur bon nombre d’orgueilleux systèmes hifi.

 

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Les déceptions maintenant ?


Lento de Youn Sun Nah.

Ouh là, va y avoir des plaintes ! Pas touche à la petite protégée des médias...


Ce n'est évidemment pas nul : la voix est superbe, les moyens vocaux inouïs, un style très marqué par le maintien en réserve permanente d'une puissance qu'on devine impressionnante dans un ambitus étroit, le chant frémissant, sensible, certains instants sont émouvants, mais... ça manque d'idées je suppose, et parfois ça passe un peu à côté de l'essentiel, ce qui fait que le résultat est ennuyeux à la longue.

Par exemple la reprise de Hurt de Nine Inch Nails me fait quand même un peu sourire : le texte parle de suicide, de douleur comme preuve de vie, d'enfoncement dans les limbes de la désespérance ; Johnny Cash la chantait à sa manière, le pathos au zénith de sa vérité, un testament : un rebelle épuisé par la vie, mourant, vaincu, clamant une sincérité de chaque instant, incrustait son épitaphe dans la cire du vinyle...

Là on dirait que la jolie demoiselle s'est cassé un ongle !!!!

La chanson n'est pas mal racontée par la dame majuscule, évidemment, mais le choix d'une incongrue retenue à peine ornementée du vibrato d'un léger sanglot suggérant une peine toute romantique tourne à vide je crois.

Mais bon, pas un mauvais disque, n'exagérons rien. C'est même joli, évidemment, mais c'est comme si on nous maintenait délibérément à distance, un refus d'empathie quand même regrettable.
J'espère que cette grande artiste prendra un peu plus de risque la prochaine fois.
 

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La daube du mois ?


Woodkid, the Golden Age


Un faux évènement, euh non, pardon, un vrai évènement sur-médiatisé, surproduit, bourré de mignardises codées et si parfaitement prévisibles, sur-racoleur, prétentieux et au final lisse et ennuyeux comme le serait une pub glamour de 20 mn ! Et ça dure 50 mn...

Quand je pense que certains osent présenter ça comme l'Album de l'Année !

Sont déjà en vacances jusqu'en décembre ?

Le samedi 5 novembre 2016, le Quatuor TANA nous a fait l’honneur d’un concert à l’occasion de la première édition du Salon staCCato, dit staCCato– La Rosière et ce grâce à Serge Thomassian, directeur artistique du label Megadisc-Classics et ardent promoteur de la musique contemporaine.
    
Je tiens d’autant plus à les remercier que Jeanne Maisonhaute (Violoncelle), Antoine Maisonhaute (Violon), Ivan Lebrun (Violon) et Maxime Désert (Alto) arrivaient en automobile de Clermont-Ferrand où ils avaient joué la veille.

Au programme, celui de leur disque remarquable sous label Megadisc-Classics consacré à deux œuvres essentielles de Steve Reich : WTC 9/11 et Different Trains. Toutes deux demandent une installation technique puisque le Quatuor réel « accompagne » des enregistrements préalables d’autres pages pour quatuor et des « bandes sons » faites de bruitages et voix.

Antoine Maisonhaute précise que, contrairement aux habitudes, les enregistrements des parties de quatuor ont été faits de bout en bout sans utiliser de boucles, afin de préserver la « vie » de ces portions, et que pour l’enregistrement final du disque - que je vous recommande évidemment -, le Quatuor a joué devant des enceintes qui passaient les pré-enregistrements. Autrement dit une prise live par opposition à une superposition par mixage. Exploit technique donc, marquant la volonté de plus d’engagement musical, et pari gagné.

Qui dit installation technique dit ingénieur du son et c'est Diego Losa du GRM, compositeur, qui a eu la gentillesse de faire le déplacement pour tenir le rôle de cinquième membre.

Le concert de ce soir représente pour moi une expérience d’autant plus intéressante que j’avais assisté à la première de WTC 9/11 au Pershing Hall le 11 septembre 2016 par le même Quatuor TANA, et avais été sidéré par l’intensité émotionnelle de leur proposition.

Je vais vous éviter un décryptage pas à pas pour raconter l’œuvre, je préfère toujours recevoir la musique au premier degré. Et puis je ne vais pas prétendre m’y connaître.

Evidemment, le concert de ce soir va me replonger dans la même tension nerveuse qu’au premier choc, à la limite de la crispation tant l’intensité dramatique de l’œuvre est transcrite avec une énergie implacable par le Quatuor TANA.

Mais j’irai plus loin ce soir dans ma perception sensitive et musicale de cet opus majeur car, est-ce une question d’intimité dans cette salle où nous sommes pourtant plus de 80, est-ce l’équilibre plus sensible entre la partie jouée et les parties reproduites (sur des Atohm GT2 HD et GT3 HD comme lors de la prise de son, via les blocs AM400 Atoll) ?, qu’importe : je me sens plus proche, mieux nourri de la partie directe et vis au plus près les… Quels mots employer sans dire une bêtise ?... Les contre-champs (au sens photographique) comme les superpositions, les dialogues comme les chorales entre les divers sous-ensembles des quatuors où la ductilité aérienne des musiciens ce soir crée un climat tout aussi bouleversant mais plus imprégnant, empoignant, nous obligeant à accompagner le mouvement continu dans une sorte de détresse contradictoirement dansante, une entrainante fascination .

On est emportés, on est pris, mais cette fois moins à la gorge qu’au corps et, bien placé pour pouvoir observer le public, dans une transe collective, tribale.

Les mots ou cris des spectateurs de la blessure mortelle infligée à cette tour symbolique un 11 septembre où tout bascule, victimes, pompiers, l’incrédulité douloureuse transmises par les textes et les bruits éclatent en bulles d’angoisse portées par les archets inspirés de TANA, autant de battements d’ailes d’anges ou de coups de couteau de Lucifer selon les instants, transformant cette pièce courte, j’allais dire heureusement, en un tableau de Hieronymus Bosch.

C’est d’autant plus puissant qu’il y a un plaisir fort à observer la concentration des quatre jeunes musiciens, dégageant une beauté peu commune, jusque lors d’une brève parenthèse de doute si bien maîtrisée lorsque la technique les trahit (perte des « clics » qui dictent chaque pas dans le déroulement), dont personne ne s’apercevra dans l’évolution lyrique.

Et comme à chaque fois que j’écoute la dernière partie de WTC, pourtant portée par l’idée de « World To Come », je perds l’équilibre quand intervient la coda brutalement interrompue, le vide, le choc sur la deuxième tour, la fin. Ou le début ?
Le silence.

Sidérante première partie  de soirée donc, justement ovationnée pour saluer l’effort car l’œuvre est aussi difficile pour les musiciens qu’elle est douloureuse pour l’auditeur quand elle est racontée avec autant d’intelligence et de cœur, éloignant cet instant de musique évocatrice, quasi figurative, d’un rapport journalistique objectif, façon Kronos, pour nous impliquer viscéralement et émotionnellement dans le souvenir.

Ou pourra évidemment me reprocher la flagornerie de l’hôte dans ma « critique », peu m’importe car la suite du programme m’en dédouanera : pour avoir naguère assisté à une présentation intéressante de « Different Trains » par le Quatuor Diotima, je vais pouvoir comparer deux approches radicalement différentes au concert d’un opus qui, guidé par des clics et des parties enregistrées, pourrait donner l’impression d’un carcan inaliénable.

Eh bien non ! Le Quatuor TANA va nous en faire une démonstration flagrante.

Le démarrage de Different Trains porté par des sifflets de locomotive est toujours aussi magique ; quel beau son, ces sifflets qui à eux seuls engagent dans le trouble…

Mais immédiatement apparaît le ton inattendu que TANA va apposer sur ce tableau fondamental de la musique contemporaine, mise en parallèle des trains que, enfant, Steve Reich prenait pour de longs voyages de la côte est vers la côte ouest des Etats-Unis, passerelle obligée entre ses parents divorcés, et ceux qui en Europe, sous le fouet et les crocs, transportaient les enfants juifs vers l’abomination

TANA sinue sur une souplesse du trait, une lisibilité humaine par un toucher délicat épanouissant les timbres, mais surtout libère un swing, voire du groove, qui va transformer les machines en instruments sublimes, aussi bien dans la beauté que dans l’horreur.

Cette élasticité des lignes nous emporte dans un tourbillon, une valse asynchrone irrésistible, alors comment ne pas tanguer en frémissant à la façon permanente dont le Quatuor TANA va faire virevolter les notes, ou tourner autour, nous amenant parfois à l’ambivalence de magnifier la douleur comme sous opium, l’anesthésier sans pour autant l’oublier, une distance étrange et dérangeante qui renvoie à une forme de culpabilité, celle du témoin impuissant, indirect par la force des choses, obligé d’accepter ce qui s’est passé, ce à quoi il a échappé, la menace lourde qui pèse sans cesse sur l’humanité tel un ultimatum d’apocalypse.

Jaillissements d’émotions métissées, de heurts contradictoires, la voie choisie par TANA embellit la narration, impose à la compréhension émotionnelle la dualité partageant et réunissant la mélancolie naïve d’un enfant protégé et le journal d‘Anne Franck, lue par un comédien d’exception, enfonçant l’évidence du vécu dans les couches profondes de la mémoire…

Des moments exaltants de musique pure nous éloignent par fulgurances de cette chape prégnante pour nous conduire sur une ligne musicale incandescente, telle en dernière partie ( ? j’ai un doute) la formidable accélération de la ou des locomotives dans un ouragan mécanique fou mais ici si coloré, si riche en harmoniques, si étourdissant dans les distorsions temporelles, la désynchronisation ivre qui jaillit des instruments soudain extravagants donnant une dimension symphonique à ce poignant instant !

J’en tremble encore. Jamais je n’aurais attendu tant de variations rythmiques, de boisé, d’envolées puissantes ou contenues dans une même pulsation vers le cœur.

J’espère sincèrement, chers amis du Quatuor TANA que le public a été à la hauteur, mais en tout cas il vous a justement acclamé, et j’aimerais vous faire partager les témoignages d’émotion qui me sont faits depuis ce grand jour.

Merci encore chère Jeanne (Mademoiselle M… comme désormais je vous surnommerai), merci Antoine, Ivan et Maxime pour votre fraicheur, votre engagement et votre sincérité, merci pour la soirée et sa prolongation autour de mets fins mais pas à la hauteur de votre gentillesse.

Et bien évidemment un immense merci à Serge.

Et à Diego !

AC

Décembre 2015

Stravinsky, Sacre du Printemps, Neeme Järvi (Chandos) & Teodor Currentzis (Sony),

Arthur H Trouble Fête.

Spécial « vieilleries » ? Oui un peu.

Nous sommes en pleine opération ripage de ma discothèque et les petits bonheurs qui surgissent çà et là lors de la longue épreuve abondent, rendant la besogne un peu moins ingrate.

Ainsi, cette redécouverte des Symphonies de Martinu par Vaclav Neumann totalement oubliées et c'est bien dommage car nombreux sont les passages dignes d’un intérêt essentiel dans cette somme méconnue.

Mais je retiens surtout l’occasion d’avoir fait partager à mes visiteurs d’un jour, lors d’une discussion concernant le Sacre du Printemps, une version majeure par Neeme Järvi et l’Orchestre de la Suisse Romande (eh oui !) que pour d’inexplicables raisons j’avais un peu laissée de côté depuis quelques années alors qu’au milieu d’une bonne trentaine de versions elle fait partie de mes préférées, si ce n’est ma préférée aujourd’hui encore bien que j’aie depuis (elle date de 1995 ( ???)) continué d’allonger la liste

La concurrence noble ne fait pas défaut, notamment parmi les historiques, Ansermet, Boulez, Stravinsky lui-même, Karajan (oh oui !), Ozawa, Dorati (version Decca en tout cas avec hélas un orchestre un peu moyen (Detroit) mais d’une barbarie sans équivalent !), Solti peut-être…

Et parmi les modernes, la liste est bien fournie aussi, Salonen, Rattle (une curiosité avant tout), Zinman ou Dudamel avec son approche exotique, Jordan récemment et son étrange intériorité et j’en oublie évidemment.

Mais l’approche de Neeme Järvi (Paavo l’a enregistré aussi) est tout à fait exceptionnelle.

D’abord elle s’amorce par un tempo lent (comme Maazel avec Cleveland) et s’affirme inexorablement par une cadence tenue d’une main de fer.

Ainsi Neeme imprime un relief saisissant aux instants nerveux et poignants par  la solidité d’un tempo immuable (ou presque) qui donne lors des premiers éclats énergiques l’impression troublante qu’il ralentit encore, et permet ainsi de basculer de phases mystérieuses voire voluptueuses à des foucades d’une violence  physique par la figure imposée d’un martellement constant accentué ou discret de la rythmique systématiquement présente, une ligne constante relayée quasiment d’une phrase à l’autre par un pupitre différent, mais toujours là, obsessionnelle, enivrante ou harassante.

Les discours, narratif et philosophique, pictural et psychologique, sont passionnants, captivants ou poignants de bout en bout, éloquemment racontés par un orchestre idéal à chaque musicien duquel Järvi trouve le moyen de dégager des moments privilégiés, la phalange parfaite déroule la rythmique comme une horloge, rutile et rugit, ductile, réactive, ne perd jamais la concentration même dans ces moments où souvent en d’autres lieux la lisibilité se transforme en chaos : on entend abasourdis la perfection d’une intelligibilité façon Boulez mais imprégnée de poésie, de noirceurs, de profondeurs d’âme, de limbes effrayantes d’une ampleur spirituelle unique.

Et lorsque Järvi décide de lâcher la bride, les explosions sont saisissantes, époustouflantes, impactant directement au plexus !

Sombre ou solaire, jouant de toutes les illuminations, ombres et couleurs, contrastes et nuances grâce à une maitrise inexpugnable du tempo, Järvi nous offre une référence par la sommation des contraires, la lisibilité du texte, l’expressivité chatoyante des pupitres, la délicatesse mystérieuse, et la barbarie païenne.

Bravo.

Se laisser embarquer par la vision de Neeme Järvi est d’autant plus intéressant qu’est sortie ces jours-ci une version remarquée, voulue décapante du Sacre, à savoir celle de Teodor Currentzis avec MusicAeterna dont le principe volontairement iconoclaste revendiqué avait tout pour me séduire…

Pensez donc, "déconstruire pour mieux reconstruire", "sacrifice cruel et vertical !"

Jaquette sous forme de grille pointilliste où le nom de Currentzis s’interpénètre géométriquement avec celui de Stravinsky les plaçant à égalité. Soit, je ne suis pas de ceux qui considèrent l’humilité comme une preuve de qualité.

Tout cela est vraiment prometteur !

Ben non…

Il y a « une » idée et une seule et elle est exploitée jusqu’à l’usure sans la moindre variation imaginaire, c’est amusant au début et vite ennuyeux tant l’option est systématique, engoncée dans une vaine vision de l’esprit qui ne débouche sur rien d’autre que de vouloir être différent, éventuellement provocateur. Soit mais à condition d’avoir quelque chose à dire.

J’ai lu quelque part que cette version fait ressortir une dimension implacable ! Ecoutez Dorati 2 ! Puissante ? écoutez-en quelques autres !

Tellurique ???? Non certainement pas, la tectonique a plus d’émanation que cette proposition toute cérébrale. Ici, c'est simple : il n'y a pas de musique mais du son bien ordonné.

Même la prise de son rebute (en 24/96 quand même), pourtant millimétrée, collant aux timbres, ceux-ci ne se déploient pas donnant une sensation de vide, d’absence de vie, elle a même un côté absurde par un manque de cohérence des dimensions relatives, gâchant les effets volontaires qu’elle est censée défendre. Artificielle soit, c’était un choix, mais désincarnée aussi ?

Le résultat artistique et technique est précis, méticuleux, travaillé, léché par des musiciens impeccables mais comme régis par un ordinateur suivant minutieusement un ordonnancement sans âme, sans autre aspiration qu’une scansion systématique et prétentieuse qui ne sait pas créer de tension, de nervosité, de souffle ou d’intensité. Un Sacre totalement mécanique, vaguement spectaculaire et sans essence, qui ne parvient même pas à convaincre qu’il est novateur.

Vraiment dommage. J’en attendais sans doute trop, j’aurais dû deviner que ça s’adressait avant tout à une paresse d’esprit contemporaine dont même la pensée révolutionnaire est ultra-codée, où l’intention prévaut sur le résultat.

La captation du Järvi – j’ai failli oublier – est plutôt correcte en dynamique et en timbres ne gâchant pas le plaisir sans basculer dans le spectaculaire inutile, le disque publié chez Chandos est donc chaudement recommandé !

D’autant que les œuvres de complément, à savoir Requiem Canticles et Canticum Sacrum, opposant au rite païen un recueillement religieux d’une grande inspiration, outre qu’elles présentent un complément idéal, sont ici magnifiquement présentées, avec des chœurs superbes, au point peut-être de mériter le titre de référence, au milieu certes d’une discographie nettement moins riche que pour le Sacre.

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Parmi les disques dépoussiérés par l’opération ripage, j’ai aussi ressorti « Trouble-Fête », opus d’Arthur H datant de 1996.

Un artiste que j’apprécie régulièrement, mais a-t ’il jamais retrouvé la puissance de la sombre magie poétique et sensuelle de « Trouble-Fête » ?

Je ne crois pas.

L’intégralité de l’album, comme toujours chez monsieur H, est empreint d’une douceur bienveillante, d’un humour délicat, ici portés par une imagination musicale, mélodique certes mais aussi des arrangements, des fantaisies rythmiques, des gouaches indéfinissables, sans aucune faiblesse ou facilité dans cette suite d’idées toutes plus troublantes les unes que les autres, jamais répétitives ou insistantes mais impeccablement cohérentes, qui façonnent comme dans un rituel de magie noire un album mystérieux, réfléchi, nous engluant dans un sfumato alanguissant.

Les textes, pourtant détendus, sont imprégnés ici d’une poésie vespérale, Salammbô certes, mais dans un paysage issu des humeurs crépusculaires d’Edgar Poe ou des démons cyniques et décalées d’une BD de Tardi, une atmosphère rigoureuse et scrupuleuse, irréelle, souvent obscure et tendrement dramatique qui tisse un noble écrin aux pépites de mots alambiqués et si émouvants, signant une danse fantomatique d’une folle élégance.  

C’est poignant, beau, d’une invention musicale de tout instant.

A classer dans les « Intemporels ».

octobre 2013
 

Scelsi, Bach, Brahms, NIN et Brian Eno

Par Alain

 

Giacinto Scelsi : Aîon, Pfhat, Konx-Om-Pax

Orchestre et chœur de la Radio-Télévision Polonaise de Cracovie, dirigés par Jürg Wyttenbach


Je sais, une fois de plus ce n'est pas une nouveauté. Le disque date de 1988.

Soit !


Un couple de visiteurs, d'une érudition sidérante, a, au cours d'une démo sympathique et au milieu de disques tous plus intéressants les uns que les autres (et inversement), sorti ce disque de Scelsi.

Nous écoutons alors Aîon, je trouve l'œuvre envoutante et passionnante et songe à l'acheter quand un petit carillon au fond de ma tête - à ne pas confondre avec celui qui indique que ça sonne creux -, me prévient : tu devrais quand même vérifier dans ta CD-thèque parce que ça me dit quelque chose...

Eh oui, bien vu !

Donc je dépoussière la jaquette de ce CD oublié, le pose dans un lecteur et me dis que, parfois, on néglige des choses essentielles.


Commençant par Aîon, écrit en 1961 pour un grand orchestre privilégiant les cuivres (particulièrement dans les tonalités graves) et sans violon.

Aîon se déploie lentement en 4 mouvements de longueur inégale, somptueusement devrais-je dire, évoquant 4 épisodes dans une journée de la vie de Brahma, laquelle durant 90 000 journées humaines, amène à la conclusion que le compositeur a passablement abrégé, même si en dépit d'une durée assez courte de l’opus il a su recréer une notion troublante de longueur quasi brucknerienne, qui impose dès les premières notes un mystère abyssal par l'emploi de notes graves (essentiellement structurées autour des cuivres) et se déploie patiemment sans jamais passer par les éclats codés d'une musique contemporaine pas toujours imaginative, bien que ce premier mouvement (le plus long) passe par un climax éclair de percussions métalliques pour s'éteindre aussi calmement qu’il a commencé.

Le second mouvement unit des alternances de nervosité rythmique et lignes mélodiques des violoncelles et vents, pour lui aussi se terminer dans le calme et enchaîne sur un troisième mouvement possiblement le plus surprenant, utilisant à profusion des jeux de micro-intervalles serrés en quarts de tons entre Mi et Mi bémol (c'est écrit dans le mode d'emploi) et culmine dans un final éclatant et brutal ! Superbe.

Le dernier mouvement retourne vers une lente progression rappelant le premier mouvement mais quasiment sur une seule note, et explose dans une sombre bizarrerie comme balbutiante des percussions.

La réalisation est prenante, haletante en dépit de la lenteur de développement, facile d'accès je vous rassure et qui plus est la captation est soignée et précise.


Pfhat (1974) et Konx-Om-Pax (paix) (1969) sont au moins aussi intéressants !

Un orchestre plus complet, un orgue et un chœur enrichissent encore la pâte sonore.


Pfhat est un ouvrage très court, enchaînant 4 brefs mouvements.

Le premier mouvement est fait de longues clameurs répétées encore axées sur des notes graves, monodiques, ponctuées et surlignées par les phonèmes chantés de respiration du chœur et des brefs éclats voix / percussions.

Le second mouvement, pour le moins original et puissant, est composé d'un seul et très long fulgurant cluster, qui s'épuise lentement mais semble figer l’éclat dans un temps infini !

Le troisième mouvement peut évoquer Ligeti par l'utilisation d'un chœur vibrant et inquiétant entouré des successions de notes longues encore centrées sur les cuivres, graves évidemment, légèrement angoissantes rappelant le Monolithe de 2001.

Le finale est un long tutti répétitif de clochettes secouées par presque tous les instrumentistes, provoquant une sorte d’abrutissement parasite d’insectes accordés !


Enfin Konx-Om-Pax est probablement la plus forte des 3 compositions présentées ici, un bloc grandiose, ardent et puissamment poignant, ouvrant sur des sonorités enflammées, d'une richesse harmonique  qui caractérise toute l’étude, marquée par les tessitures graves et faite de montées graduelles en glissandi très lents, d'une intensité spirituelle bouleversante pour les deux mouvements extrêmes (le titre signifie "Paix" en assyrien, sanskrit et latin).

Le second mouvement, sorte de court pivot, débute sur de lentes notes pour se tendre rapidement en éclats frémissants.

Le chœur n'intervient que dans le dernier mouvement, apportant une profondeur d'abord méditative puis quasi extatique, articulant sur des rythmes et longueurs oscillantes une unique syllabe : OM !… nous faisant basculer dans la sensation sidérante de s'emplir de résonances contradictoires définissant l'univers entier, autant par sa beauté mystérieuse que par ses menaces sous-jacentes !

C'est d'une beauté glaçante mais tournée vers l'espoir et de fait troublante.

 

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Un peu moins d'enthousiasme pour la pourtant superbe version récente de René Jacobs de la Passion selon Saint Matthieu chez Harmonia Mundi.

Werner Güra (quel évangéliste !), Johannes Weisser (le Christ), Sunhae Im, Christina Roterberg, Bernarda Finck, Marie-Claude Chappuis, Topi Lehtipuu, Fabio Trümpy, Konstantin Wolff, Arttu Kataja, RIAS Kammerchor et l'Akademie für Alte Musik Berlin.


Distribution pléthorique, passionnante précision musicologique (mais les options audacieuses sont-elles justes ? ça... ), une louable volonté clairement perceptible de mettre en évidence le moindre détail d'une partition que l'on croit connaître et dont on découvre des couleurs et des effets inhabituels (mais sont-ils justes ?...), pas seulement redevables à la disposition particulière mettant si clairement en scène le dialogue (conforme à l'original ou théoriquement à la volonté de Bach) entre les deux chœurs et les deux orgues (Dieu et son Eglise), mais au moins autant aux si incisives couleurs de l'orchestre et à un évangéliste parfait, un Christ à la hauteur et, à quelques égarements près, des solistes irréprochables, accompagnés d'une distribution superlative et de chœurs plutôt expressifs, l’ensemble servi par une production technique non exempte de quelques duretés çà et là mais rendant un admirable hommage à la scénographie.


Pour autant, derrière cette précision millimétrique, cette justesse de ton indéniable, cet apparat des couleurs, des chœurs et des solistes, je n'adhère pas complètement, je ne suis pas bouleversé, pas transporté. L'impression d'un effort de concentration pour honorer ce qui relève plus d'un exercice de style que d'un réel engagement.

Est-ce le résultat d'une totale humilité devant le grand Bach humble devant Dieu qui conduit à une prudence exagérée ?

Ou au contraire d'une prétention de vérité musicologique telle qu'il ne reste plus qu'une perfection rhétorique toute théorique ?


Un peu comme ces gros films hollywoodiens de plus en plus nombreux où on apprécie sincèrement la beauté formelle, l’intelligence, mais où on reste curieusement spectateurs, à l’extérieur, sans empathie.


Bref, j’ai dégusté avec intérêt, sans un instant d’ennui, mais sans… passion.


Mais peut-être suis-je en petite forme spirituelle.


Car bizarrement, j’ai envie d’y retourner, comme aimanté par l’expérience sonore nouvelle…

Et aussi retourner vers Leonhardt ou Herreweghe, comme ça, pour comparer, opposer un plaisir du cœur à une aventure cérébrale.

 

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Un rapide passage par le 1er concerto pour piano de Brahms (opus 15) par Hélène Grimaud (à qui, pour des raisons personnelles, je voue quasiment un culte (mais non, c'est une blague)), accompagnée par Andris Nelsons, chef dont je recommande le Firebird de Stravinsky et un beau programme Tchaïkovski en compagnie de Baiba Skride.


L’ennui s’installe dès les premières mesures du fait d’un orchestre poussif sans éclat, sans enthousiasme, comme enroué et qui ensuite ne semblera pas vraiment jouer la même œuvre que la pianiste engagée jusqu’à l’excès…

Nous ( car nous sommes plusieurs à cet instant ) persistons pourtant sur une longue portion du concerto qui ne nous donnera vraiment pas envie d’essayer ce que ces deux grands musiciens proposent avec le second concerto et un autre orchestre (je ferai quand même l’effort, bien sûr), mais plutôt celle de réécouter l’opus 15 par la même figure de mode il y a 15 ans en compagnie de Kurt Sanderling et qui laisse pantois et ému tant c’est inventif, énergique, superlatif de couleurs et d’idées. Dommage que la jolie dame n’ait pas aussi enregistré l’opus 83 à l’époque dans les mêmes conditions.


Nous ne quittons pas Brahms et enchaînons ( après-midi calme, premier jour des vacances sans doute, on a le temps ) avec la première symphonie du même Johannes par Claudio Abbado (Deutsche Gramophon) que je redécouvre également, ébaubi par une version à la fois d’une noblesse infaillible et pourtant si imaginative par ses jeux de couleur et son refus de toute figure figée, de toute pesanteur guindée.

 

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Et enfin, penché sur mon Pad pour écrire la chronique qui conclura ce billet, je décide, de m’accompagner d’une autre vieillerie (2011, pensez donc) de Brian Eno : Drums between the bells.


Cette fois, le brillant touche-à-tout s’est acoquiné avec le poète anglais Rick Holland.


Drums Between the Bells se coltine donc à l’exercice périlleux de la prosodie sur les textes plutôt austères de Rick Holland, en variant le ton via diverses voix, souvent féminines, vierges ou déguisées par l’électronique, qui visent souvent à une sensualité doucereuse, un accompagnement dulcifiant.


Le disque démarre pourtant très énergiquement avec le très compact (intensité sonore percutante voire sifflante) Bless This Space, articulant une mélodie brutale sur une batterie hard-bop confrontée à des hachures de guitares façon Robert Fripp. Glitch, au moins aussi solide et séducteur évoque le parfum du superbe Bright Red de Laurie Anderson, et l’ensemble des morceaux qui suivent rappelleront tous des compositions ou participations antérieures d’Eno !


Pour autant jamais on ne tombe dans la redite ou la sensation lassante du déjà-vu. Certes, les connaisseurs y entendront parfois du radotage mais, pris dans l’absolu, l’album est varié, magique, nomade et enchanteur, les enchainements sont souvent inattendus, les idées brillantes, l’univers cohérent et très riche, nappé de sons et de couleurs tout simplement beaux, organiques parfois, enrobant souvent, y compris les passages électro-chics un peu faciles, cette sauce délicate composant une œuvre avantageusement expérimentale.


 

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Bon, allez, je m'attaque au passage obligé de cette chronique :
 

Hesitation Marks de Nine Inch Nails

Pourquoi obligé ?

Ceux qui lisent ces chroniques depuis le début savent que Trent Reznor, un des maîtres de l'Industrial Rock depuis plus de 25 ans, est à peu près le seul musicien à qui je voue si ce n'est un culte (n'exagérons rien) au moins une sincère admiration et que depuis quelques albums on ne peut pas dire que je bondis de joie.


Et si vous allez fouiller sur le waibe, vous découvrirez facilement que nombreux sont les fans qui se sentent trahis par le Maître, attendant sans doute que le quinquagénaire retrouve les douleurs destructrices de sa jeunesse pour nous pondre un exutoire cathartique à la hauteur de la ravageuse violence intérieure de the Downward Spiral ou  l’imagination structurelle harmonique et rythmique de the Fragile.


De ce point de vue, non, évidemment, on n'y est pas, la fureur, la rage, les tripes qui dégobillent du génie musical, non, certes non.


Mais si on attendait autre chose justement, si on était prêt à faire table rase du passé et découvrir ce disque ex-nihilo ou presque ?


Après tout, l'opus s'appelle Hesitation Marks : ne peut-on supposer que Papa Trent a admis qu'il est temps de produire un vrai gros machin, soit, mais qui ne sera pas une copie ou une surenchère du passé et donc passe par quelques hésitations ?


Mais des hésitations qui ne s’entendent pas, parce que, en ce qui me concerne et sans détour, Hesitation Marks est un grand album, solide, cohérent, sans faille dès qu’on a admis la nouvelle orientation !


Qui certes ne se dévoile pas à la première écoute (pour les raisons expliquées ci-dessus : l'attente est biaisée).


Qui certes ne se comprend pas n'importe comment, et là c'est le coupeur de sons en quatre qui parle, parce que je crois que, pour avoir entendu l'opus sur des systèmes très différents, on peut passer à côté de beaucoup des idées subtiles ou sidérantes développées dans l'ombre par le grand Trent, au risque donc de perdre des nuances indispensables dans l’océan d’une l’indicible poésie sonore où vogue l’album ainsi que les enchaînement rythmiques très recherchés, subtilement enchevêtrés, soulignant l’intelligence scénique de la musique de NIN et qui, simplifiés, peuvent paraître prosaïques.


Une intro curieuse, la mise en route d'un métronome qui déboutonne deux morceaux entre pop, électro-chic pour le premier et coups de hachoirs vicelards pour le deuxième, finalement non seulement efficaces et dansants mais aussi accrocheurs, prenant aux tripes, "Copy of a copy" (encore un titre qui en dit long) et surtout le très médiatisé "Haunted" (clip de David Lynch je crois) structuré comme du Reznor pur jus, des éruptions sonores pas neuves mais totalement dépoussiérées, quasi funkies, ponctuées de heurts pulsés ou riffs corrosifs, deux titres qui donnent déjà une indication sur une évidence qui se confirmera tout au long de l'album : Trent a pris le temps de composer de vraies chansons, arc-boutées sur des mélodies solides ouvrant une voie royale aux qualités vocales du rocker qu'on avait pu deviner dans "In the twilight". Et si, précisément, l'ambiance pourrait évoquer l’offensif Year Zéro (alors que le son est possiblement plus énorme encore), on est loin des divagations parfois en roue libre expérimentale dudit opus en faveur d’une rigueur, une maîtrise de chaque instant qui rappelle le millimétré de Fragile.


L'album est intensément écrit, très réfléchi. Plus du tout viscérale, ce qui évidemment peut décevoir les accros du passé, l’architecture totale n'en est pas moins aboutie ! Florissante, forte, elle recrée ce côté sombre, épais, encrassant, probablement salace des grandes productions Reznor, mais de façon insidieuse, larvée, dérangeante.


"Find my way", une ballade d'apparence si simple, commence à distiller un malaise sournois, une ambiance moribonde ou délétère qui, en dépit de textes pas spécialement rageurs, créent une atmosphère poisseuse à souhait, si parfaitement ancrée dans le sol de nos doutes moroses. L'exercice est sournois mais réussit parfaitement à faire couler le frisson dans le dos, comme un péril rampant qui fascine autant qu'il effraie.


Car, n'en déplaisent à ceux qui baveront sur certaines compositions trop pop, il n'y a rien à jeter dans cet album !


Evoquons rapidement, pour ne pas s'enliser dans le catalogue, la cadence lascive et pénétrante de "All time low", ou la tension menaçante de "Disappointed", ou le groove captivant de "satellite" qui évoque un croisement contre nature entre Reznor et Prince, vertébré autour d’un martèlement répétitif créant le manque sitôt que le titre stoppe. Ou encore le très bizarroïde "Everything" placé comme un pivot central qui revêt à notre grande surprise l'aspect dépenaillé d'un naïf atour grunge mais se met soudain à cracher le fer.


Les enchaînements laissent souvent en déséquilibre, ruptures de couleur et de rythme même si l'album respire une homogénéité sonore sans faille ; et si les arrangements paraissent dépouillés, voire minimalistes et itératifs, on s'aperçoit rapidement en creusant l'écoute que le seigneur des couches harmoniques entrelacées a parfaitement mûri son art, prenant le risque que bon nombre des strates plus subtiles disparaissent dans le jus épais, goudronneux de la première lecture.


Enfin, encore à l'encontre de nombreux auditeurs, l'enchaînement final de "In two" / "while I'm still here" / "black noise" est d'une invention telle qu'on se dit que vient de commencer là l'album qui aurait pu imposer une nouvelle référence absolue.


"In two" est peut-être le titre le plus NIN de l'album, swinguant et robuste, d’une complexité rythmique croisée et engoncée dans des surpiqures quasi incompréhensibles, "While I'm still here" mystérieux à souhait, poétique, sépulcral, assène la démonstration que le génie du son qu'est encore Reznor n’a pas baissé les bras et a beaucoup de leçons en réserve pour ceux qui tordent le nez ! Ce passage tout simplement beau révèle derrière l'apparent dépouillement d'une rythmique un peu caricaturale alternant des notes graves balaises - qui satureront la plupart des enceintes trop hifi en balayant les effets de timbres - et des tintements à la Kraftwerk, une affirmation lyrique frémissante et si intelligemment mise en scène, portant la présence physique de la voix de Reznor soudain extraite de l'ombre et qui agrippe jusqu'au vertige ; une brève apparition blues de la guitare d'Adrian Belew dévalant sur une courte mélopée de saxos superposés (pour 4 secondes, quel luxe !) - dont le souffle scandé confine à l’halètement – et d’une mélodie rythmique singulière entonnée par une basse sortie du néant, pour guider doucement sur le vertigineux bruitisme, distordu, croissant, hurlant de "Black noise", un des grands grands moments de NIN, trop court, laissant affamé à la recherche du deuxième disque, celui qu’on attendra dorénavant.

Le son est colossal et raffiné, bourré d’idées rarement inédites mais fondamentalement reznoriennes et si parfaitement agencées, comme l'apparente récursivité des rythmes électroniques, qu’elles sculptent une glaise nouvelle fondant la pesante noirceur de l'ensemble.

Ah, je recommande la version HD disponible sur le site du groupe qui a eu l'intelligence de remasteriser cette version un peu différemment en tenant compte des particularités (si si il y en a !) du support pour une efficacité dynamique redoutable et une définition des timbres légèrement soulignée.


Un chef d'œuvre ? Probablement pas.

Un opus absolument formidable et sans équivalent dans la production mondiale, oui oui oui !